Пятница , 3 Декабрь 2021

О современном искусстве: 7 важных мыслей из книги «Современное искусство и как перестать его бояться»

Содержание

Курс по современному искусству «Если бы я только знал»

Современное искусство — это когда ты можешь сотворить всё, что пожелаешь, из всего, что под рукой: из стульев — самолет, из одеяла — крылья… Или даже так: ты смотришь на самую обычную скучную вещь и видишь, как она силой твоего воображения превращается во что-то совершенно новое!

«Инсталляция», «видеоарт», «объект», «новые медиа», «интерактивность», «перформанс». Все эти термины обозначают формы, практики и технологии, которые современные художники используют в своих произведениях.

В рамках нашего курса мы предлагаем детям разобраться во всем их многообразии в самой живой и интерактивной форме. Не забудем и о родителях, у них в это время экскурсия!

Программа курса:


13 марта

Тема урока: «Чёрный квадрат Казимира Малевича и беспредметное искусство»

Мастер-класс: создание абстрактной композиции, которая ассоциируется у ребёнка с выбранным понятием/чувством (например: радость, печаль, благодарность, движение, душа, шум).


Техника: коллаж.
Материалы: цветная бумага, ткань. .
Взрослые: лекция на тему «Русский авангард».

20 марта

Тема урока: «Традиция в современном искусстве».

Мастер-класс: создание композиции по мотивам работы Ивана Чуйкова из серии «Окна» (произведение из коллекции музея) − портрет в окне.
Смешанная техника.
Материалы: фрагменты репродукций знаменитых портретов эпохи Ренессанса и барокко, заготовки в виде окна из белой плотной бумаги, цветная бумага, фольга, тесьма, ткань, цветные мелки, пастель, карандаши, фломастеры.
Взрослые: лекция на тему «Традиция в современном искусстве».

27 марта

Тема занятия: «Фотография как вид искусства».

Мастер-класс: создание нового произведения искусства из старой фотографии.
Смешанная техника.
Материалы: старые чёрно-белые фотографии, вырезки из журналов, карандаши, мелки, фломастеры.

Взрослые: лекция на тему «Фотография как вид современного искусства»

3 апреля

Тема занятия: «Медиа-арт: новые технологии в искусстве».

Мастер-класс: создание музыкального произведения в реальном времени. Профессиональные художники знакомят детей с программой, создающей музыкальный эквивалент движения. Дети двигаются, танцуют – и звук меняется в зависимости от характера их движения.
Взрослые: лекция на тему «Медиа-арт: новые технологии в искусстве».

10 апреля

Тема занятия: «Перформанс».

Мастер-класс: под руководством экскурсовода дети представляют короткие перформансы на заданную тему, выбрав для своих персонажей костюмы и атрибуты. Представление проецируется на стены зала-мастерской в разных ракурсах.
Взрослые: лекция на тему «Перформанс».

17 апреля

Тема занятия: «Пространственные композиции в современном искусстве. Объект, инсталляция».

Мастер-класс: создание художественных объектов из различных материалов (детские игрушки, цветной скотч, бытовые предметы и др.)
Взрослые: лекция на тему «Объект и инсталляция: пространственные композиции в современном искусстве».

24 апреля

Тема занятия: «Музей и его экспозиция: произведения искусства в пространстве»

Мастер-класс: создание макета музея (интерьер, экспозиция) на заданную/выбранную тему.
Материалы: большие картонные коробки («залы музея»), бумажные заготовки для создания музейного интерьера, репродукции известных живописных произведений, вырезки из журналов, пластилин, цветная бумага, фольга, картон, ткань, мелкие бытовые предметы.
Взрослые: экскурсия по новой постоянной экспозиции «Если бы я только знал!.. Практическое пособие по современному искусству», 1 ч.

 

Общая продолжительность детских занятий: 1,5 ч.

Общая продолжительность лекций для взрослых 45 мин.

 

Записаться на абонемент можно на сайте  www.seasons-project.ru, на страничке » Школы для дураков»( указывайте, пожалуйста, возраст ребенка при записи на абонемент). 

Дополнительную информацию можно получить у куратора Школы Милы Ивенсен по телефону +7 (926) 065-06-65, [email protected] ru

Когда: По воскресеньям в 13:00 для группы 5-8 лет, в 15:00 для группы 8-12 лет.
Где: Московский музей Современного искусства ул. Петровка, д.25

           

О современном искусстве — Look At Me

В этой статье речь пойдет об искусстве живописи. Как это принято в историческом анализе, мы попытаемся, для начала, проследить, каким образом происходило развитие искусства от недавнего времени до наших дней. Для этого необходимо выяснить, что именно принципиально изменилось в жизни человеческого общества, поскольку мы будем исходить из того, что искусство есть отражение жизни, ее оценка. Во-первых, и это главное, общество перестало быть тоталитарным, посему формалистический подход к искусству, каким он был в 20-м веке, более не может удовлетворять требованию эпохи. Отвлеченное от жизни   искусство, еще как-то допустимое в тоталитарном обществе, где человеку итак указывают, куда ему идти, что делать, чего не делать, как реагировать, — недопустимо в свободном обществе, где человек нуждается в правдивой оценке сложной жизненной картины.  
Таким образом современное искусство не может являться тем активно производимым и рекламируемым для якобы «продвинутой» публики «современным искусством», которое нам пытаются выдать за развитие искусства 20-го века, искусства формального, не имеющего отношения к современной и уже совершенно иной жизни. Более того, непосредственного отношения к жизни оно не имело никогда, а было лишь формальным экспериментом. Точно так же мы не можем вернуться к искусству еще более ранних эпох – буржуазному и аристократическому… Аристократическое искусство – хотя и изящное, и в чем-то прекрасное, «высокое» искусство, но это искусство сверкающее, сияющее, блистательное, гладкое и лоснящееся, как  жизнь аристократа. Примерно таким, но более реалистически грубым представляется и буржуазное искусство, дающее ощущение расслабленности и сытой красивости. Непринимая во внимание буржуазию, — мы можем в данном случае это сделать, поскольку процент буржуазии ничтожно мал, — мы считаем, что современный человек – это внутренне свободный от сословных предрассудков человек, живущий  в свободном обществе. Современное искусство должно удовлетворять требованиям свободного человека, индивидуума. 
Сейчас, когда произошло смещение иерархических слоев, общество стало многополярным, — жизнь социально и культурно круто изменилась. Человек же по-прежнему нуждается в чем-то,что сформирует его эстетику, которая, как известно, неминуемо перейдет в этику.Так же, как внутренний мир человека отражается в его поведении. Поэтому формировать  эстетику необходимо используя искусство правдивое. Что же такое искусство и какое искусство правдивое?  
Единственное научное определение искусства, данное за всю историю человечества, было предложено Аристотелем. Кратко его можно сформулировать так:  искусство – это зеркало жизни. Каким же образом искусство отражает жизнь?  Оно, разумеется, одним пейзажем или портретом не может объяснить всего многообразия жизни, но оно может создать призму, глядя через которую, человек определенным образом настраивается на тот или иной тип мировосприятия. 
Поэтому так называемая абстрактная живопись, так называемая авангардная  и другие виды формальной живописи не могут называться искусством, поскольку не имеют прямого отношения к конкретному моменту жизни.  Они безусловно поражают необычностью форм, производят сильный эффект и т.д., но придумать форму недостаточно – ее еще нужно применить.  
Другими словами, искусство – это мироощущение. Мироощущение, выраженное  пластически, поскольку мы воспринимаем мир именно пластически, а не идейно, не концептуально.  Однако, если нет впечатления, то искусство с точки зрения пластической формы нам ничего не говорит — оно либо используется как иллюстрация некой идеи(которую можно итак записать словами), либо представляет из себя пустую, ничего не значащую форму, — таким образом оно становится бессмысленным развлечением. Так вот, чтобы избежать этого неприятного обстоятельства, т.е. не делать из искусства пустого развлечения, а подойти к нему разумно и использовать его возможности во благо, необходимо придти к правдивому, убедительному искусству, искусству, отражающему жизнь, содержащему непосредственное впечатление от нее. 
А поскольку жизнь есть процесс, непрерывно меняющаяся ситуация, впечатление от нее тоже — непостоянно, изменчиво. Поэтому самым верным было бы сократить время наблюдения, или время впечатления, сделав его более точным, имеющим отношение к конкретному моменту. Как это сделать? Уменьшить форму художественного произведения. Например, в живописи — до небольшого этюда, который можно сделать быстро и более качественно, и, конечно, более верно отразить быстро полученное непосредственно от натуры впечатление. В крупной же форме имеет значение больше мастерство исполнения, владение композицией и декоративными приемами, а о впечатлении говорить в этом случае очень сложно: оно как минимум оказывается размазано во времени. Я уже не говорю о картинах, написанных без натуры — а-ля Айвазовский – в них вообще кроме умения создать эффект и красиво разложить краски на холсте ничего нет. Нет ощущения жизни, значит, нет искусства. 
Как уже было сказано, искусство призвано обострять мироощущение человека, оно создает призму, глядя через которую, человек может настроиться на тот или иной тип мировосприятия. Увидеть жизнь правдиво, характерно — значит увидеть какова она, эта жизнь, что с ней делать, как себя вести и, в конце концов, как ее изменить. Необходимо понять, что , например, красивая  картина не научит нас правдивому взгляду на жизнь, этому может научить только правдивое искусство, которое совершенно не обязательно должно быть красивым и доставляющим удовольствие. Оно не должно нравиться, искусство должно развивать, оно должно быть изящной, легкой, мгновенной оценкой момента настоящей жизни. Тогда искусство будет приносить пользу, иметь смысл. Хотя может и не доставлять удовольствия, доставляемого картиной, но оно будет говорить правду о жизни, давать ей верную оценку, а не развращать пустой красивостью.

Мы выяснили, что искусство — зеркало жизни. Теперь  необходимо конкретизировать, как именно отличить произведение искусства от  «бульона» подделок под искусство. 
Начнем с того, что в том смысле, в котором я предлагаю понимать слово искусство, искусства как такового вообще  нет. То есть произведение искусства (картина, статуя, музыкальная пьеса, спектакль и т.д.) — это не искусство; исполнительское мастерство, композиторское мастерство, профессионализм, изобретательность, — все эти вещи тоже не являются искусством или его признаками, они все относятся к области ремесла, владения техникой создания определенной формы.  Искусство, как мы уже выяснили, должно быть отражением жизни. Любой другой смысл, придаваемый искусству, есть упрощение,  на которое мы, конечно, пойти не можем, поскольку нарушим таким образом закон развития.  
Как же искусство должно отражать жизнь, и что такое вообще жизнь?  В. И. Ленин говорил, что жизнь дана нам в ощущениях. Это справедливо, однако и животным она дана в ощущениях, а человек все-таки отличается от остальных животных значительно более высокой организацией. Он животное высшего порядка. Потому, перефразируя Ленина, я бы сказал, что жизнь дана человеку во впечатлениях. Действительно, мы обладаем способностью создавать в своем мозге сложную систему образов, отражающую многообразие характеров и противоречивость воспринимаемого нами мира. Воспринимая, мы получаем более или менее сложное впечатление.  
Грубо говоря, анализ, размышление, синтез, — это процессы, которые происходят постфактум, обработка когда-то уже полученной информации о жизни.  Непосредственный же контакт с жизнью осуществляется, конечно, путем впечатления именно в тот же самый момент жизни.   
Таким образом, если искусство — это отражение жизни,  то это фиксация впечатления. Или лучше сказать превращение впечатления в художественный образ. А поскольку жизнь есть интенсивный процесс, — она непрерывно и довольно быстро меняется, — впечатление весьма недолговечно, практически оно мгновенно.Таким образом искусство возникает  между впечатлением и рождением художественного образа и является процессом, неотрывным от жизни. 
Результатом искусства является художественное произведение, которое — лишь след от искусства, но не само искусство. Поэтому искусства не существует. В том смысле, конечно, что его нельзя положить в карман, повесить на стену, в музей, вытащить на сцену. Мы не можем сделать искусство отражающее жизнь на века просто потому, что жизнь изменчива: нельзя даже дважды войти в одну и ту же реку. Мы можем только стремиться к искусству, приближаться к нему.   
Задача художника — быть как можно более верным полученному впечатлению и как можно более выразительно его описать.  Такое произведение, выполненное в соответствии с сиюминутным впечатлением, будет наиболее близким к искусству. Строго говоря, самое близкое к искусству художественное произведение — это малого размера быстрый живописный этюд. Но никак не фотография: хотя фото изготавливается очень быстро, фиксирует моментально, оно не создает художественный образ, фотоаппарат не впечатляется, фотография — художественно неубедительна. Картины и декоративные панно вообще отражают все, что угодно, но только не жизнь, не ее мгновение. Все остальное, кроме малого быстрого живописного этюда — это формотворчество, обезьяний конструктор. Как средство исследования и отражения жизни — это ничто, не имеет к ней никакого отношения. Наиболее выразительное, т.е. художественное, описание впечатления, полученного непосредственно от жизни (от натуры), достигается только в быстром этюде малой формы. 
БЫСТРЫЙ НАТУРНЫЙ ЭТЮД МАЛОГО РАЗМЕРА — ЭТО НАИБОЛЕЕ БЛИЗКОЕ К ИСКУССТВУ ХУДОЖЕСТВЕННОЕ ПРОИЗВЕДЕНИЕ. 
ЭТО  ЕСТЬ СМЫСЛ СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА, И НИЧТО ДРУГОЕ !!! 

Иван Титков  
24. 03.11, СПб 

3 мифа о современном искусстве

Миф № 1: «Современное искусство —  некрасивое и эпатажное»

Увы, средства массовой информации преуспели в поддержании этого мифа) Статьи и передачи о чем-то эпатажном – более рейтинговые, этим обусловлено повышенное внимание СМИ к такого рода креативу.

Вместе с тем, современное искусство – это очень широкий пласт. И де-факто означает любой креативный продукт, который создают художники – наши с вами современники, живущие с нами сейчас на одной планете, в одной стране, в одном городе и, возможно даже – в одном доме!

Современных художников много и пишут они в разных стилях – академический реализм, импрессионизм, модернизм, кубизм…. И все остальные «измы» тоже) А это означает, что в работах современных мастеров может присутствовать эстетика. И она присутствует!

 

Миф № 2: «Любое произведение современного искусства таит в себе некий смысл, который доступен не всем»

Друзья, спешим развеять этот миф и сказать, что все смыслы очень просты.

Если мы видим перед собой предметную живопись (пейзаж, натюрморт, портрет) и вы понимаете, какие объекты там изображены – важно только ваше личное отношение к этим объектам. «Нравится ли мне этот чайничек в натюрморте?» Здесь нет никакого второго дна – это просто чайник) И он может нравиться или не нравиться.

Другое дело, что на широкую публику вываливается слишком много заключений искусствоведов о том, «каков истинный подтекст изображения этого чайника»… И мы читаем тонны информации о том, что чайник – это «символ опустошенности и одиночества» или что-то в таком духе. Так вот, друзья, — это личная «трагедия» конкретного искусствоведа. Он так видит. И не факт, что художник разделяет это видение. Художники в подавляющем большинстве своем не любят объяснять смыслы своих работ. Потому что нет глубинного смысла. Либо есть, но он очень личный и художник не намерен его раскрывать широкой публике.  

И еще — есть хорошая работа и плохая. Это по большей части вопрос к технике, композиции, колористике.

 Все остальное – вопрос восприятия работы конкретным человеком (исходя из особенностей его психотипа, его социального окружения, образования, воспитания и т.д.) У вас – свой жизненный опыт и в одной и той же картине вы и любой другой человек увидят разное) Это норма.

Если же мы видим перед собой живопись непредметную (абстракцию) – здесь тоже  все просто. Нравится ли вам цвет? Сочетания цветов? Линии? Пятна? Размер работы? Какая-то особенная техника нанесения  краски? Какие эмоции вызывает работа? Только ваши личные ощущения! И пусть вас не смущают названия абстрактных работ. В большинстве случаев художники придумывают их сходу или вообще доверяют эту почетную функцию своим родным и друзьям) У художника не стоит задача заморочить голову зрителю. В большинстве случаев художники больше любят процесс (создание картины), а не результат (собственно картина). Название картины может лишь подтолкнуть вас к тому или иному восприятию этой конкретной картины. Но не больше.

Мы предлагаем доверить оценку работы художника —  с точки зрения ее техники — специалистам (искусствоведам, художественным критикам, кураторам и галеристам). А эмоционально оценивать только самостоятельно!

 

Миф № 3: «Мой ребенок так же нарисует!»

Не нарисует. Потому что у любого произведения (даже у того, которое вы не понимаете) имеется свой бэкграунд. Обусловленный опытом конкретного художника, его положением в арт-сообществе и новизной «сказанного» в истории искусства.

Чтобы оценить смелость/наглость/самобытность/новаторство/мастерство художника, надо быть глубоко посвященным в историю и теорию искусства.

Ребенок же находится вне этой среды и любой его рисунок – это просто детский рисунок. Хороший способ развития мелкой моторики рук, памяти, внимания и воображения)

15 новых книг о современном искусстве

Признайтесь честно, вы разбираетесь в современном искусстве? Понимаете, чем отличается перформанс от хэппенинга или инсталляции? Если нет, то не стоит стыдиться, ведь любое незнание – это прекрасный повод открыть для себя новую область знаний. Искусство современности или contemporary art не так сложно для понимания, как может показаться. А для того, чтобы помочь вам разобраться в его премудростях, мы подобрали для вас подборку искусствоведческих книг последних лет.


1. «Искусство с 1900 года: модернизм, антимодернизм, постмодернизм» Хэл Фостер и другие

Более 800 страниц структурированного текста, которые приоткроют завесу тайны над ходом развития искусства ХХ и ХХI веков. Эту книгу уже признали всеохватывающей, подробной и исчерпывающе объясняющей всё, что происходило в мире искусства за этой время. Если вы хотите разбираться в истории фотографии, понимать ход развития того или иного вида или стиля искусства, знать различия между абстракцией и минимализмом, то уделите максимум внимания для изучения этого томика.

 

2. «Nobrow. Культура маркетинга. Маркетинг культуры» Джон Сибрук

Джон Сибрук известен как журналист, ведущий колонки в таких изданиях как New Yorker, Vogue, Vanity Fair и других. Этот человек как никто другой понимает, что из себя сегодня представляет культура и искусство. И в этой книге он обещает рассказать, где пролегает разница между предметом массового потребления и предметом высокого искусства. Что стало сегодня с музыкой, кинематографом и художественной графикой? Есть ли культурная ценность у сегодняшнего поп-арта или это всё просто удачные рекламные компании, а завтра эти объекты канут в небытие? На эти и другие сложные вопросы ищите ответы в этой книге.


3. «Пять лекций о кураторстве» Виктор Мизиано

Куратор в искусстве фигура архиважная, ведь на его плечах лежит процесс создания арт-проектов от идеи вплоть до финальной презентации. Художник – натура творческая, зачастую неорганизованная и порой нуждающаяся в чутком надзоре и направляющей руке. Поэтому кураторство в определенный момент стало явлением массовым и постоянным. А книга Мизиано поведает читателям о самой кураторской практике, истоках возникновения такой фигуры в художественном кругу и особой этике и языке кураторов. Книга позволяет заглянуть в артистическое закулисье и дает представление о сложности этого мира.


4. «Современное искусство в деталях. Почему пятилетнему ребенку не под силу сделать подобное» Сюзи Ходж

В обществе живо убеждение, что если художник изображает что-то не достоверно, то у него нет таланта и никакой он не художник. Такой стереотип имеет под собой глубокие корни, в виде исторического процесса. До изобретения и распространения фотографии, рисовальщики делали максимально реалистичные портреты и детализированные пейзажи, для фиксации этого во времени. После появления фотографов необходимость в дословности отпала, и художник получил свободу самовыражения. На примере 100 резонансных работ, Сюзи Ходж в своей книге объясняет, почему современное искусство и нарочито простые картины имеют право быть и так важны в культурном пространстве.


5. «Краткая история кураторства» Ханс Ульрих Обрист

В этой книге вы не найдете анализа исторических событий как такового. Но здесь в живой и интересной форме задокументирован сам процесс создания арт-проектов. Обрист собрал интервью с одиннадцатью очень разными кураторами, которые запросто вспоминают, как бывали у Матисса или Поллока, делятся своими методамиработы и просто рассказывают о том, что они умеют и любят делать. Эта книга будет интересна не только для людей сходных профессий, но и для всех интересующихся искусством, а особенно для тех, кому под словом «авангард» видны имена, творения и жизни.


6.  «Искусство перформанса. От футуризма до наших дней» Роузли Голдберг

Сегодня перформанс пользуется большой популярностью, особенно у отечественных художников. Иногда для людей, остро ощущающих настроения в обществе, такие акции становятся единственной формой выражения, привлечения внимания или отражения действительности через себя. И для того, чтобы понимать такие явления, стоит изучить эту книгу детально. Вы найдете здесь сжатый, но тем не менее детальный обзор исторических событий и личностей, которые сделали перформанс таким, какой он есть. Она особенно хорошо подойдет тем, кто вообще не имеет понятия о перформансе и откуда он возник.


7. «Воображаемая реальность» Анри Картье-Брессон

Имя Анри Картье-Брессона известно каждому поклоннику фотографии. Этот человек творил в жанре реалистичной фотографии и стал отцом-основателем фотожурналистики и, в частности, фоторепортажа. Помимо этого он долгое время занимался живописью, что, несомненно, оказало огромное влияние на его путь как фотографа. В этой книге собраны дневниковые записи, эссе и воспоминания. Многие поклонники узнают некоторые новые, ранее неизвестные, факты из его биографии из уст самого Картье-Брессона. Здесь не будет каких-то правил фотосъемки или раскрытия секретов мастерства, но книга наполнит вдохновением и обогатит новым видением и, возможно, пониманием самой природы творчества.


8. «Всё о стилях и течениях в современном искусстве. Мировое искусство»

Если вам нужен иллюстрированный справочник по истории искусства, то обратите внимание на эту книгу. Освещаемые темы расположены здесь в алфавитном порядке, что очень упрощает поиск информации и работу с книгой в целом. Охват исторического процесса довольно большой: конец ХIХ – начало ХХI веков. Составитель выбрал более 70 направлений искусства и раскрыл суть этих явлений, их истоки и значение. Богатый иллюстративный материал наглядно продемонстрирует все достоинства и недостатки затронутых стилей.

 

9. «Лучшие фотографы мира. Рассказы о них и об их произведениях. Портрет» Фергюс Грир

Под обложкой вы найдете великолепные фотографии обозначенного жанра. О каждой фотоработе будет представлен сопроводительный очерк: история создания, информация о самой работе и ее авторе. Фергюс Грир продемонстрировал свой утонченный вкус и эрудированность, что видно выбранным фотографиям. Если вы всегда хотели узнать о чем любимая фоторабота или кто стоял по ту сторону объектива и о чем он хотел рассказать, то эта книга вам просто необходима!

 

10. «Краткая история новой музыки» Ханс Ульрих Обрист

Автор уже известной нам книги «Краткая история кураторства» в этом произведении пошел тем же путем. Он собрал особенно интересные интервью с творцами авангардной музыки ХХ века. В этих воспоминаниях вы найдете не только жизнеописания и рассказы о былом, но также сможете проследить ход развития музыки как отдельного вида искусства. Вы узнаете, какие были сделаны открытия, как они повлияли на музыку, была ли связь у нее и других сфер деятельности человека. Кроме этого затронуты глубокие вопросы взаимного влияния звука и пространства, и соотношений звука и времени.

А об известных музыкантах, которые стали актерами вы узнаете из нашей статьи.


11. «Кино» Жиль Делез

Вы ищете по-настоящему глубокую книгу, в которой были бы объединены философия и кино? В таком случае, философ Жиль Делез написал ее именно для вас! Автор не мыслил себя без кино, он им страстно увлекался и тем самым очень выделялся на фоне своих современников-интеллектуалов. Он связывал фильмы и философию, искал и находил в кинематографе особые составляющие, которые позволяли ему проводить свои параллели сходства. Искусствоведы признаются, что этим произведением философ сильно их озадачил – настолько был высок полет его мысли. Попробуйте и вы угнаться за философией самого известного и страстного поклонника кино.


12. «Ретромания» Саймон Рейнольдс

Эта книга является интереснейшим исследованием поп-культуры в свете ее увлечением прошлым. Автор здесь размышляет на тему того, что нового уже нет и не будет, а все что мы видим, есть лишь повторением старого. Но кроме размышлений, книга наполнена фактологическим материалом: огромное количество имен музыкантов, названий групп и альбомов, дат и соответствующих событий дают полное представление о ходе исторического процесса. Книга будет одинаково интересна людям, которые интересуются историей музыки, и людям, которые музыку просто слушают, а не изучают.


13. «Сериал как искусство. Лекции-путеводитель» Евгений Жаринов

Сериал уже много лет как вышел из разряда сомнительного продукта телевидения и перешел в ряды настоящего кинематографического искусства. В сериалах снимаются ведущие актеры, над ними работают талантливые команды профессионалов и инвестируются большие средства. Но любому культурному явлению что-то предшествует и в книге Жаринова вы узнаете какие истоки у современного сериала, как он вырос из штампа «низкое искусство» и поймете какие перспективы открываются перед его создателями. Обязательно к прочтению всем, кто в своей жизни посмотрел хотя бы два сериала и больше!


14. «Машина песен. Внутри фабрики хитов» Джон Сибрук

Вы знаете, что для сочинения настоящего хита не нужно обладать особыми талантами, а всего лишь нужно знать особый алгоритм? Если вам уже интересно, то Джон Сибрук с удовольствием вам поведает об этом в своей книге. Но кроме этого он расскажет, как вообще устроена современная музыкальная индустрия, кто стоит за спинами певиц и певцов и как задается ход тенденциям и веяниям в этой сфере. Так же вас ждет интересный экскурс в историю популярной музыки, анализ ее влияния на общество и неожиданные, а порой и парадоксальные, наблюдения и выводы автора.


15. «Семь дней в искусстве» Сара Торнтон

Сара Торнтон поставила перед собой интересную задачу: в семи главах рассказать читателям, а заодно и самой понять, что такое современное искусство. Для этого благого дела она посещала ближайшие к ней выставки и интервьюировала разных представителей этой сферы: художников, критиков, кураторов, коллекционеров и экспертов. В этих поисках и беседах вы сможете обнаружить ответы на животрепещущие вопросы: кто такой художник, какова его роль, что значит современное искусство и как его понять. Благодаря интересной форме подачи материала, книга мгновенно стала бестселлером и триумфально заняла свое место в библиотеках поклонников искусств.

Книги, представленные в этой подборке, помогут вам сориентироваться в мире современного искусства. И когда в следующий раз вы увидите своими глазами перформас, то сможете оценить не только визуальную составляющую, но и распознаете главный месседж автора. Для закрепления теоретических знаний рекомендуем посетить пару соответствующих фестивалей.

Рассказать друзьям:

Подписаться на журнал:

Как научиться разбираться в современном искусстве

1. Поймите, что это и зачем оно вам

Наиболее распространённых мнений два. Либо что современное искусство — это какое‑то надувательство, а те, кто им интересуется, просто снобы. Либо что для его понимания нужно иметь художественное образование, а обычному человеку его никогда не постичь. Но как бы современное искусство ни отличалось от классического, оно часто говорит о том же: об эмоциях, поисках себя, окружающем мире и нашем месте в нём. Просто делает это совсем по‑другому.

Для начала давайте разберёмся, какое именно искусство считается «современным». В английском языке существует два термина: modern art и contemporary art. Первым называют то, что создавалось примерно в 1900–1970‑е годы, а вторым — всё, что после. По‑русски оба эти пласта искусства называют одним словом — «современное». Но в этой статье речь пойдёт только о художественных практиках, которые начали складываться с последней трети XX века, то есть о contemporary art.

Как пишут авторы обучающего курса «Короче, современность!», «особенность современного искусства в том, что оно давно перебралось в повседневность и существует вне пределов музеев и галерей». Сегодня совриском может стать всё что угодно: предмет, явление, процесс. Да, оно по‑прежнему включает в себя живопись и скульптуру, но это только два из множества вариантов носителей для передачи замысла художника.

«Фонтан», Марсель Дюшан, 1917 год, реплика 1964‑го. Объект стал одним из первых «редимейдов» – предметов массового производства, которые художник лишает их функции, переносит в другой контекст и таким образом превращает в арт-объект. «Фонтан» стал вызовом старому миру и запустил огромные перемены: именно после него стало понятно, что искусством теперь может стать всё что угодно, если художник вкладывает в это какую‑то идею. Фото: Jonathan Nackstrand, afp.com

Не спешите говорить, что такое совсем не для вас. Современное искусство настолько обширно, что каждый сможет отыскать что‑то для себя: стрит‑арт, лэнд‑арт , видеоарт , перформансы , акционизм , театральные постановки с участием зрителей, современный танец — и это далеко не всё. Наверняка найдётся что‑то, что тронет именно вас, окажется созвучным вашему личному опыту.

Можете начать с более привычных всем музеев и галерей. Просто откажитесь от ожидания увидеть на выставке что‑то «красивое», потому что в современном искусстве главное не красота, а идея и то, как она выражена.

2. Усвойте общие принципы

Первое, что характерно для современного искусства, – разнообразие. И это касается всего: материалов, форм выражения, концепций и тем. Сейчас нет единой идеологии или «изма»: художники отражают в своих работах пёстрый культурный ландшафт, привлекают внимание к актуальным проблемам. Например, на сегодняшний день есть много работ о консьюмеризме, экологическом кризисе, поиске идентичности, зависимости от технологий и соцсетей, глобализации и миграции.

Такое разнообразие сбивает с толку неподготовленного зрителя. Но именно благодаря ему современное искусство, как зеркало, отражает наше общество и культуру.

Оно становится инструментом, с помощью которого можно по‑новому взглянуть на привычное и переосмыслить его.

Вторая важная черта — активное участие зрителей в формировании смысла произведения. Некоторые художники говорят, что зритель дополняет или даже завершает его, привнося собственные размышления, толкования и опыт.

«В сторону объекта», Авдей Тер‑Оганьян, 1992 год, Галерея в Трёхпрудном переулке. Художник напивался и засыпал на полу галереи, превращаясь в выставочный объект. Фото: Архив А. Астаховой.

Это особенно характерно для перформансов и хэппенингов . В них зритель максимально вовлечён в создание произведения.

Не путайте эти жанры с акционизмом. В нём акцент тоже переносится с художественного произведения на процесс его создания, но акции — это чистый жест, декларация. Они часто носят более радикальный, политический, протестный характер.

И в‑третьих, важность объекта современного искусства заключается не в его физической форме, а в смыслах, формирующихся в процессе толкования. Они дополняют те идеи, которые изначально вдохновили автора. Благодаря этому искусство провоцирует нас размышлять о том, что происходит в сегодняшнем мире.

3. Ходите и смотрите

Есть два подхода знакомства с современным искусством. Первый — понять, почему оно возникло и как связано с предыдущими направлениями. «В противном случае мы будем воспринимать произведения лишь на уровне узнаваемой по силуэту картинки, а в современном искусстве первого уровня зачастую просто нет», — пишут авторы книги «Современное искусство и как перестать его бояться». Чаще всего советуют начать с импрессионистов и проследить историю развития искусства до наших дней.

Второй подход прямо противоположен — просто смотреть на работы, не углубляясь в историю.

«Остановитесь. Дышите. Расслабьтесь. Не думайте, просто смотрите, впустите его в себя. Впитайте окружающую обстановку, ощутите пространство перед собой, освободите сознание, дайте внутреннему монологу отойти на второй план, а глазам — привыкнуть», — пишет британский художественный критик Оссиан Уорд в своей книге «Искусство смотреть». Он советует глядеть «на каждое произведение, как будто вы впервые сталкиваетесь с чем‑то подобным, будь то картина, скульптура или некая не поддающаяся определению инсталляция».

Выбирайте наиболее приемлемый для вас подход, а лучше всего пробуйте оба. И в любом случае спрашивайте себя: «Что я здесь вижу? Что чувствую? Что автор делает, чтобы я это почувствовал?». Если испытали что‑то новое, неважно приятное или нет, вполне вероятно, вы уже поняли замысел художника.

«Физическая невозможность смерти в сознании живущего», чучело акулы в формалине, Дэмиен Хёрст, 1991 год. Главная тема произведения — смерть и чувство иррационального страха перед ней. Фото: Damien Hirst and Science Ltd, damienhirst.com.

Обратите внимание на то, из каких материалов сделан объект, что они вам говорят, какие ассоциации вызывают. Потом подумайте, не ссылается ли он на другие произведения искусства. Для этого прочитайте текст на сопроводительной табличке, поищите информацию в интернете, вспомните, что вы уже видели раньше.

Если после всего этого объект по‑прежнему вызывает недоумение или отторжение — ничего страшного. Вы не обязаны любить каждое произведение, даже если кто‑то другой считает его гениальным. Ходите, смотрите, взаимодействуйте, обсуждайте и вы найдёте то, что вызовет у вас отклик и желание узнать больше.

Куда пойти:
  • Музей современного искусства «Гараж», Москва.
  • Московский музей современного искусства (ММОМА).
  • Государственный центр современного искусства (ГЦСИ) с филиалами в Москве, Санкт‑Петербурге, Владикавказе, Екатеринбурге, Калининграде, Нижнем Новгороде, Томске, Самаре, Саратове.
  • Центр современного искусства «Винзавод», Москва.
  • Музей современного искусства Эрарта, Санкт‑Петербург.
  • Галерея современного искусства ГМИИ РТ, Казань.
  • Галерея «Виктория», Самара.
  • Галерея Синара Арт, Екатеринбург.

Если все эти города далеко от вас, посмотрите цифровые коллекции ведущих музеев мира.

4. Расширяйте кругозор

Читайте книги

Если вы совсем незнакомы с современным искусством, начинайте с первого пункта из списка. В этой книге подробно и легко рассказано об истоках зарождения совриска и его принципах. Если хотите сразу смотреть, не углубляясь в историю, берите третью книгу. Если вас интересует «изнанка» мира искусства, читайте шестую. Автор рассказывает о жизни художников, критиков, арт‑дилеров и кураторов. Остальные книги из списка тоже не обходите стороной.

  1. «Непонятное искусство», Уилл Гомперц →
  2. «Современное искусство и как перестать его бояться», Сергей Гущин и Александр Щуренков →
  3. «Искусство смотреть», Оссиан Уорд →
  4. «История картин: от пещеры до компьютерного экрана», Дэвида Хокни и Мартин Гейфорд →
  5. «Искусство перформанса. От футуризма до наших дней», Роузли Голдберг →
  6. «Семь дней в искусстве», Сара Торнтон →
  7. «О русском акционизме», Пётр Павленский →

Если вы читаете на английском, воспользуйтесь библиотекой Нью‑Йоркского музея Метрополитен. В 2018 году он выложил более 500 книг по искусству, которые можно скачать бесплатно. Вообще чаще заглядывайте на сайты музеев: они регулярно выставляют подборки книг по определённой теме или советуют, что почитать к какой‑то выставке.

«Человек, улетевший в космос из своей комнаты», Илья Кабаков, 1985 год. Работа представляет собой комнату в коммунальной квартире, жилец которой вырвался из неё и тягостного быта, катапультировав в космос при помощи самодельного устройства. Фото: Максим Стулов, «Ведомости», 2018 год, vedomosti.ru.

Смотрите видеолекции

Музеи часто выкладывают записи своих лекций на YouTube. Следите за каналами «Гаража», ГЦСИ, «Винзавода», Еврейского музея и центра толерантности. Много интересного есть на сайте конференции TED. Сами ролики на английском, но практически всегда есть русские субтитры. Ещё хорошая подборка видео на сайте «Теории и практики».

Чтобы вы не потерялись в обилии информации, мы собрали материалы, которые помогут начать знакомство с современным искусством:

    1. Лекция художника и теоретика искусства Дмитрия Гутова о современном искусстве.
    2. Лекция Гутова об искусстве в постсоветской России.
    3. Лекция об истоках современного искусства от преподавателя МГУ Екатерины Кочетковой.
    4. Курс по русскому искусству XX‑го века от Arzamas.
    5. Циклы лекций от музея «Гараж».
    6. Курс лекций о современном танце от Arzamas.
    7. Интервью с преподавателем Школы дизайна НИУ ВШЭ Александрой Старусевой‑Першеевой.
    8. Лекция о современном театре от художественного руководителя Лондонского театра Сэдлерс‑Уэллс.
    9. Лекция о связи современного искусства с наукой от куратора ГЦСИ Дмитрия Булатова.
    10. Лекция критика Натальи Тамручи «Зритель как соучастник» о параллелях классического искусства с современным.

5. Будьте более открытым к новым идеям

Современное искусство раздвигает привычные рамки, а значит, для его понимания и вам придётся выходить за собственные границы мышления и избавляться от стереотипов. Не отмахивайтесь от чего‑то только потому, что оно кажется вам странным и непонятным. Вспомните, что импрессионизм тоже когда‑то считался бездарной мазнёй, а сейчас воспринимается как классика живописи.

«Задача художника не в том, чтобы доставлять эстетическое удовольствие — для этого есть дизайнеры, — а в том, чтобы немного отстранившись от мира, попытаться его осмыслить или высказаться о нём при помощи идей, единственное назначение которых — быть идеями», — пишет автор книги «Непонятное искусство». Впустите эти идеи в свою жизнь и они станут для вас вдохновением.

Читайте также 🧐

фоторепортаж с выставки о современном искусстве Урала • Звезда

За два с лишним года существования выставочное пространство Центра городской культуры принимало у себя разные проекты, но перспектива вместить целых полвека уральского искусства всё равно казалась невероятной. И всё же это было успешно сделано: 18 сентября в стенах ЦГК открылся проект уральского филиала ГЦСИ «Приручая Пустоту. 50 лет современного искусства Урала».

Это действительно очень масштабный проект: в него вошли работы авторства более 50-ти художников и творческих объединений Урала, самая ранняя из которых датируется 1967 годом, а самая новая — 2017-м. Всё это — не просто сборник наиболее значимых произведений, а попытка глубокого исследования уральской культурной ситуации, развивающейся в общем культурном и политическом поле.

В Перми выставка «Приручая пустоту» удачно вписалась в контекст других проектов сходной тематики — «Перми Третьей» музея PERMM и «Авангарда, которого не было» Пермской Галереи. Но если они были посвящены именно пермской ситуации, то «Приручая пустоту», напротив, исключает Пермь из сферы своего исследования (если не считать художника Алексея Щигалева, да и то только потому, что он в своё время учился вне Перми) и фокусирует внимание на авторах из Екатеринбурга, Челябинска и Нижнего Тагила. Таким образом, «Приручая пустоту» продолжает историю, начатую PERMM и Галереей, и в сочетании с ними даёт довольно исчерпывающее представление об актуальном искусстве уральских городов.

Фото: Иван Козлов

Это, конечно, не означает, что «Приручая пустоту» — не самодостаточный проект. Он успешно существует и вне подобного контекста и уже был показан в Екатеринбурге, Москве, Нижнем Новгороде и Красноярске. Проект представляет законченную и внятную историю полувекового развития уральского искусства, но при этом не претендует на энциклопедичность и тем более на академический подход. Об этом сказано и в кураторском тексте за авторством екатеринбургского художника Владимира Селезнёва, который готовил выставку вместе с искусствоведами Татьяной Жумати и Тамарой Галеевой:

«Мы не ставили задачу сделать академическое исследование заявленного периода — это скорее попытка интуитивной генеалогии уральского искусства, история самоощущения и саморефлексии художников-участников процесса. Нас интересует возникновение питательной среды для появления современного искусства, взаимодействие старого и нового, преемственность, влияние на конкретных художников среды».

Объект Николая Панафидина Фото: Иван Козлов

Вопрос о среде, действительно, очень интересный. Выставка раскладывает всю историю уральского искусства на периоды, но не даёт однозначного ответа на вопрос о том, откуда, собственно, в провинциальном городе возникали некоторые художественные прозрения, опередившие своё время. А к однозначному ответу не располагают трудности, сопряжённые с изучением провинциального авангарда как такового. Во-первых, как отметила Татьяна Жумати, изучение подобного искусства не всегда поощрялось в академических кругах. Но если эта проблема зависела во многом от внешней конъюнктуры и постепенно ушла в прошлое с политическими и социальными переменами, то гораздо более живучей оказалась проблема стереотипного восприятия. Уничижительное мнение о провинциальном авангарде как о чём-то сугубо вторичном в той или иной степени до сих пор встречается в художественной среде. Проект «Приручая пустоту» не просто полемизирует с подобными стереотипами, но и довольно однозначно развенчивает их. Как минимум несколько художников, работы которых участвуют в выставке, значительно опередили своё время и мировые тренды. Достаточно сказать, что ключевая работа экспозиции — картина свердловчанина Валерия Дьяченко «Чьё это облако?», созданная в 1967 году, предвосхитила появление столичного концептуализма. А, например, Владимир Жуков из Березовского работал в стиле «Arte povera» одновременно с его расцветом в Итали и не имея о нём никакого представления (причины, правда, были разными — выбор стиля для советского художника был скорее вынужденным — но тем не менее).

В общем, проект «Приручая пустоту» как минимум ознакомит, а в некоторых случаях и полностью изменит ваше представление о «провинциальном» (после изучения экспозиции это слово кажется возможным писать только в кавычках) уральском авангарде и актуальном искусстве. Тем более, что, по словам Тамары Галеевой, каждый показ проекта в новом городе по-новому открывает его и для зрителей, и для авторов — это зависит не только от перемен в экспозиционном пространстве, но и от городского контекста, в котором оказывается выставка. А в Перми этот контекст, как было упомянуто выше, очень и очень насыщенный. Представление о том, как проект «Приручая пустоту» выглядит в пермском выставочном пространстве, можно получить из нашего фоторепортажа:

Перформанс Светланы Спириной «Ослепление» в исполнении Лены Рэмбо Фото: Иван КозловПерформанс Светланы Спириной «Ослепление» в исполнении Лены Рэмбо Фото: Иван Козлов«Враг» арт-группы «Злые» Фото: Иван КозловОбъект Николая Панафидина Фото: Иван КозловОбъект Николая Панафидина Фото: Иван КозловАлиса Горшенина, серия «Уральская кома» Фото: Иван КозловАлиса Горшенина, серия «Уральская кома» Фото: Иван КозловКристина Горланова, «По женской линии» Фото: Иван КозловФото: Иван КозловСаша Салтанова, «Бабушка моет бахилы в снегу» Фото: Иван КозловФото: Иван КозловВалерий Павлов, «Портрет жены художника» Фото: Иван КозловВладимир Жуков, «Небо, пришитое к земле» и «Энзима» из цикла «Металлопластика» Фото: Иван КозловЕвгений Малахин (старик Б.  У. Кашкин), из серии «Инфографикопоэтика»Евгений Малахин (старик Б. У. Кашкин), из серии «Инфографикопоэтика» Фото: Иван КозловЛеонид Луговых, серия «Время» Фото: Иван КозловНиколай Федореев, «Посвящение Е. Малахину» Фото: Иван Козлов

О современном искусстве — Вольф Кицес — LiveJournal

wolf_kitses

 На Украине есть замечательное место, где бываю – Каневский заповедник.
Он охраняет нагорные дубравы на правобережье Днепра и степные участки по верху днепровских «гор». А рядом, на соседней «горе» — историко – культурный музей Тараса Шевченко, поскольку именно здесь поэт завещал себя похоронить и пр. {Там же, в Каневе, музей Аркадия Гайдара, сохранившийся и в эти годы; он погиб недалеко, у Леплявы}.
Снизу, от конечного разворота автобуса №2, вверх, к музею, идут экскурсии. И у входа на лестницу, для экскурсантов, существует забавный базарчик, товары которого делятся «на три неравные половины». С одной стороны, всякая сувенирная этнография. С другой – умные и подробные книги на украинском, изданные в советское время: биографии Шевченко, Миколы Скрыпника, Петровского и других создателей украинской государственности, история науки или промышленности Украины, добротный советский научпоп (было такое издательство «Наукова думка») и пр. Я их стараюсь покупать – и познавательно, и практика в чтении. С третьей – издания последних лет про подвиги дивизии СС «Галичина», ОУН-УПА и прочих «национальных борцов» в околонаучном и попсово-чтивном вариантах, вроде «100 знаменитых женщин Украины», «100 знаменитых военачальников Украины».
Даже детские книжки с картинками и раскраски на эту тему.
Что демонстрирует нам три компоненты «национального» — левую, правую и бытовую.
Но я отвлёкся. Чуть дале, у въезда на кольцо разворота – скульптуры, репрезентирующие то самое современное искусство. Поставлены, как я понял, иждивением президента Ющенко, и символизируют единство Украины, поскольку от каждого региона один скульптор делится своим творением. Это было написано на табличке; понять, что именно слеплено гг.творцами, можно только из подписи. Впрочем, любуйтесь сами.

***

Собственно, главная и единственная проблема т.н. «современного искусства» — это не искусство вовсе. «Вместо этого» оно может быть чем угодно
 – жестом протеста, иногда сильным и смелым –  ;
— пощёчиной общественному вкусу, которой благонамеренные обыватели вполне заслуживают за то зло, которое ведают что творят;
— упадническим настроением разной степени интенсивности декаданса;
— откровенной поделкой, подделкой и мерзостью (примеры 1, 2, 3. .. много).
Оно потому многолико как протей, что называясь искусством, занимая его место в обществе, им не является. Собственно, это и есть главное непонимание симпатизантов совриска; и «художественный/экзистенциальный опыт авангарда» есть первый шаг вверх по лестнице, ведущей вниз (в смысле искусства, не жизни вообще). Ведь его деятели не все своей жизнью работали на реакцию, как старается показать Лифшиц; нет, многие были искренними революционерами и левыми, лучшие – коммунистами. Но сама логика движения поддерживала левых и губила вторых плюс в плане художественном на реакцию работали они все, ибо их тенденция с каждым следующим шагом всё больше выводя производимое художниками (уже в 60-е можно смело брать слово в кавычки) за пределы искусства.
Просто потому что последнее выражает не «опыт», особенно экзистенциальный – это вещь столь же частная, и неважная для других, как бытовые привычки индивида, не «вИдение художника», а реальность в общезначимых и общепонятных образах. Отсюда и доводы в защиту совриска от гг. «неконсерваторов» в стиле «сегодня он играет джаз, а завтра родину продаст», притом что сравнение с реальной историей авангарда показывает иллюзорность такой корреляции. Да и я сам не соответствую этой тенденции – противник «искусства» и не консерватор, скорей контрреакционер (считаю необходимым им быть как минимум).
И нынешние нейрофизиологические исследования чётко показывают, что современное искусство, считая как раз с «опыта авангарда» – это приемлемый для людей массового общества способ самостимуляции. Грубо говоря, если крысе вживить электроды в «центр удовольствия» в мозгах, она ловит кайф, жмёт и жмёт, забывая поесть и попить, пока не сдохнет. Человеку же, как «символическому животному», прямой стимуляции недостаточно, нужно за что-то цепляться в реальности, но безОбразное – цветовые пятна, линии и переливы, которые мозг будет «обрабатывать» и удовлетворяться через них.
«У всех на слуху история про крыс со вживленными в центры удовольствия электродами, которые бесконечно жали на клавишу, и в итоге там у рычага и подыхали. На рубеже 60х-70х подобные эксперименты проводились и с людьми. В 1972 одному молодому человеку были вживлены электороды в область стриатума. Имя его не разглашалось, в описаниях значится как «пациент В-19». Электростимуляция вызывала у него сильнейшее психическое и сексуальное возбуждение, в условиях неограниченного доступа к рычагу он делал серии по 1000 и более нажатий, очень активно противился попыткам отобрать у него кнопку, т.е. в целом поведение было подобное экспериментальным животным моделям. Но при этом собственно удовольствия он не получал, за время наблюдения субъективный рейтинг счастья и удовлетворенности жизнью у него резко и катастрофично упал; происходящее скорее можно было описать как острое, болезненное и неудержимое влечение, не имеющее выхода и не приносящее облегчения» (link).

При прямой стимуляции людям плохо, а вот образы абстрактных «картин» и «инсталляций» для подобного самоублажения, когда каждый видит и чувствует то, что подсказывают ему собственные переживания, когда роль изображения или художественного изделия пренебрежимо мала по сравнению с интерпретаций, и интерпретация эта скорей чувственная, чем содержательная – самое то.
«Чрезвычайно любопытный эксперимент провели Роберт Пепперелл из Кардиффского университета (Великобритания) и Алумит Ишай из Цюрихского университета (Швейцария). Первый написал ряд мастерских абстракций на темы произведений классической живописи. Его работы узнаваемы, но с трудом.
Добровольцев просили сказать, видят ли они что-то знакомое. В четверти случаев те утверждали, что нечто реальное можно различить, тогда как в действительности автор полотна не имел в виду ничего определённого. Кроме того, участники должны были признаться, насколько сильно впечатлила их та или иная работа. Так вот, чем дольше они размышляли над этими вопросами, тем выше ценили произведение. И эта задержка, как позже показала МРТ, вызывалась более широкой нейронной активностью, то есть мозг, полагают исследователи, рассматривает картину как шифр, с помощью которого художник якобы закодировал некий смысл.
Но в самых абстрактных работах Ротко, Поллока и Мондриана нет ни малейшего намёка на узнаваемые предметы реального мира. Эти произведения играют «чистыми» формами и цветами. Например, некоторые картины Мондриана представляют собой цветовые блоки, разделённые вертикальными и горизонтальными линиями. Он считал это настолько важным, что разорвал отношения с художником Тео ван Дусбургом, который предпочёл диагонали. И одно исследование показало, что Мондриан знал что делал. Взгляд участников эксперимента останавливался на определённых частях картин, но, когда добровольцам предлагали перевёрнутые версии, они скользили по ним безучастно. И они потом оценивались намного ниже первых.
Игра с цветом тоже важна. Например, на одном из полотен Мондриана большой красный квадрат уравновешивается небольшим синим на противоположной стороне, который к тому же сильнее контрастирует с окружающим белым. Когда исследователи поменяли квадраты местами, баланс исчез вместе со зрительским интересом.
Похожий эксперимент провёл Ошин Вартанян из Университета Торонто (Канада). Он переставлял элементы самых разных картин от натюрмортов Винсента ван Гога до абстракций Жоана Миро, и всегда участникам оригиналы нравились больше.
Более того, г-н Вартанян обнаружил, что манипулирование объектами уменьшает активацию областей мозга, связанных с осмыслением и интерпретацией. То есть в работах больших художников нам видится некий смысл хотя бы на чисто визуальном уровне, даже если мы не можем его сформулировать самим себе. Дети, любители и животные рисуют, не понимая этих законов.
Вероятно, мозгу нравятся также картины определённой сложности. Алекс Форсайт из Ливерпульского университета (Великобритания) с помощью технологии компьютерного сжатия изображений установила, что многие художники — от Мане до Поллока — использовали чётко выверенный уровень детализации, который и не скучен, и не перегружает мозг зрителя» (link).

То есть современное «искусство», если талантливо, хорошо стимулирует (что маркируется узнаванием и предпочтением произведений в слепом опыте), но не выразить и не обсудить, что нарисовано и почему – обсуждаема только техника, иногда форма выражения. Значимые (приносящие удовлетворение, предпочитаемые) линии, формы и цвета есть, обсудить (отрефлексировать, разумно отнестись) нечего, поскольку оторвано от общей реальности, существующей между людьми – а только она и может стать предметом обсуждения, также как формировать нашу личность.
Почему это относится к настоящему искусству примерно как мастурбация – или платоническая любовь — к любви просто. Поскольку искусство это отражение реальности, её общеважных проблем в художественных образах, когда то, что нарисовано и написано показывает обычным людям, не знатокам, что-то вокруг них, что они чувствовали, но не могли выразить. Новых людей, свежие чувства, изменение «духа времени» и пр.; а писатель-художник-музыкант даёт это в образах, открывает это новое людям, как учёный открывает нечто посредством науки. Если ж подобных «открытий» нет, только вИдение самого художника – это регресс и упадок. Действительно, цитированные опыты Пеперела и Ишая показывает, что мозговая активность смотрящих абстрактные «картины» – именно что профессионально сделанные в отличие от изменённых — таки пытается найти в них содержание или хотя бы проинтерпретировать как шифр, но результат столь же контрпродуктивен, как подспудная тенденция мозга искать структуру в хаосе.
Поскольку «расколдовывание реальности» для читателя, зрителя и т.д. подменяется продажей «творцам» орудий для самовыражения, потребителям их продукции – предметов для самостимуляции типа игрушек из секс-шопа. Между автором и читателем-зрителем-слушателем появляется бизнесмен-посредник (издатель, галерист), подчиняющий первого требованию продаваемости, и снижающий планку второму – чтоб лучше хавал.
Ну а чтобы последовательное снижение планки не очень чувствовалось, каждый следующий шаг вниз идёт как ультрасовременный и сверхноваторский.
Эстетическое впечатление должно быть объективным, задаваться картиной, а не стимулированным ею воображением зрителя, иначе очень быстро можно прийти к чисто физиологической стимуляции цветовыми пятнами. К чему собственно искусство в ХХ веке и пришло, пройдя быстрый путь деградации от модернизма к авангардизму, а затем к по(д)делкам «актуального искусства» сегодня.  Если в литературе мы требуем от писателя художественной правды, которую можно объективно обсуждать разным людям (т.е. она реальность), то имхо, и в изящных искусствах нужно требовать того же самого. Что внятно изложено ув.burckina_faso.
«Про современное искусство еще можно сказать, что в области смыслов, содержаний и форм оно выступает паразитом традиционного искусства. Т.е. оно ничего нового не создает, а только обыгрывает все, что создано до него. Лучшей иллюстрацией этой мысли является эта фотография с «Белых ночей в Перми»:
Сам по себе отдельно взятый куб никакого смысла не несет, а вот водруженный вместо головы классической скульптуры он сразу приобретает множество смыслов и интерпретаций».
Поэтому я за классику, от итальянцев и фламандцев до передвижников с соцреалистами. Там понятно, что нарисовано, о чём сказано в тексте, это понимание (требующее развитого вкуса и знания) будит мысли и чувства, а вот когда непонятно и ты домысливаешь — это разве гут?
Далее см.Лифшица «Почему я не модернист?» или Ортегу-и-Гассета «Дегуманизация искусства»: оба великих философа анализируют превращение классики через модернизм с идущими за ним новаторские течения в музыке/живописи в то, что стало «современным искусством», с очень разных позиций они вводят одни и те же определении и проводят одни и те же границы. Только второй понимает происходящее как «расцвет и движение вперёд», второй – как «реакцию, регресс и упадок».
И сугубое сходство обоих в описании, что именно происходит, говорит нам о том, что они таки да — нащупали истину. А уж как к ней относиться – свободная воля каждого, направляемая мировоззрением. Скажем, я отношусь плохо, поскольку общество вокруг, глобальный капитализм, очевидным образом миновал своё акмэ, и сейчас развивается по нисходящей (с момента как стал империализмом – неслучайно тогда модернизм и появился). Загнивает и разлагается, говоря прямым ленинским языком. И каждый следующий «современный» и «более новаторский» шаг в искусстве и иных материях, связанных с общественным настроением – он в конечном счёте на пользу реакции. Не надо таким очаровываться, «революционность» подобного – просто иллюзия, а доверие к ней – банальный конформизм, уводящий от дела.
Резюмируя: Наука основывается на открытиях — надо добавить что-то новое к нашим знаниям о природе, пусть крошечку. Точно также искусство основывается на открытиях, только художественных. Надо выразить в образах (текста, кароины, музыки) то что носится в воздухе, то что все вокруг чувствовали, но не умели выразить, касается ли это типажей, характеров, чувств, поворотов истории. Ключевое здесь слово «все»: художник визуализирует, актуализирует неясные надежды и ожидания пасс (в героях, образах и историях, которым люди ввиду их актуальности непроизвольно начнут подражать — за что художников и любят, ведь на такого рода подражании держится и социальная жизнь человека, и ценности, и моральное чувство. В развитии последнего всегда есть этап, когда дети ещё не умеют понять, что такое хорошо или плохо вообще, но знают, что такой-то герой сказок — плохой, такой-то хороший, и следят за его поступками, сопоставляя их с собственными ситуациями.
Некоторые задерживаются на этом уровне и во взрослом возрасте, да и недостаточная информация, незнакомая ситуация и пр. стресс, сопровождающий принятие решений в условиях неопределёенности, быстро возращает нас к этому уровню).
Развитие от классического искусства к современному, а потом и к «актуальному» характеризовалось прогрессирующей утратой этой «чтойности» — о чём рассказано? что нарисовано? Сперва модернисты перешли от отражения объективной реальности к вИдению её художником, чем последовательно превращали картины, тексты и музыку из «сообщения о…» в во всех смыслах искусственные стимуляторы вИдения зрителя и читателя. Понятно, что эта тенденция, материально подкрепляемая арт-рынком, и не стесняемая вытесненной классикой, дошла в своём развитии до логического конца, когда произведение не нужно вовсе и, что та конфетка, лепится из всякого подручного материала.

Tags: биология человека, марксизм, физиология ВНД, философия, эстетика, этика

From: makas89 Date: June 20th, 2013 03:22 pm (UTC) (Link)
В целом очень хороший текст и с описание «того, что происходит» полностью согласен, спасибо.

/То есть современное «искусство», если талантливо, хорошо стимулирует (что маркируется узнаванием и предпочтением произведений в слепом опыте), но не выразить и не обсудить, что нарисовано и почему – обсуждаема только техника, иногда форма выражения. /
Вообще-то обсуждаемо именно то, что и кто в этом видит и почему. Т.е. личные ассоциации.

/Если в литературе мы требуем от писателя художественной правды, которую можно объективно обсуждать разным людям (т.е. она реальность), то имхо, и в изящных искусствах нужно требовать того же самого. /
Вот этого я никогда не понимал (впрочем, я вообще далек от искусства). Для познания объективного мира есть научный метод (сильно улучшенный здравый смысл) и точка. Искусство вносит ненужные эмоции, ассоации и прочие излишества, которые не дают рассмотреть предмет sine ira et studio.
В этом смысле для меня современное искусство честнее. Оно на т.н. «художественную правду» не претендует, оно только вопрос интерпретации. Так же, как мне представляется, интерпретационны и недоказуемы рассуждения по поводу реакционности или революционности современного искусства.

// и с описание «того, что происходит» полностью согласен, спасибо.//
рад, что Вам понравилось, спасибо за лестный отзыв.
//Для познания объективного мира есть научный метод (сильно улучшенный здравый смысл) и точка. //\
вот тут не согласен. У искусства есть своя часть познания (именно как познания, а не переживания) которая (пока?) недоступна науке. Скажем, появился, укореняется в обществе новый социальной важный типаж. Все чувствуют что он есть, а осмыслить, представить и пр. не могут. А художник — раз — и изобразил Печорина, Онегина, Тит Титыча, Мечика, левинсона, доктора Живаго — и все их представляют вживе, «тип» превращается в «героя», которому подражают или наоборот, сторонятся. А ведь в общественной жизни нашего вида подражание по типу «делать жизнь в кого» играет огромную роль, всё им пронизано -:))) И без искусства явить своевременные модели для подражания (типические характеры в типических обстоятельствах) или изобразить типические истории, ситуации и пр. невозможно, только искусство их актуализирует.
//научный метод (сильно улучшенный здравый смысл)// решительно не согласен с тем что в скобках. см. https://www.facebook.com/volf.kitses/posts/469290073156530
И роль эмоций при развитии любимой теории — а тем более при их столкновении в научном споре — ровно та же, что и в искусстве, как при производстве «художественного», так и при восприятии. Всякое человеческое переживание мысль и действие — это единство интеллекта и аффекта, от этого не уйти, эмоции можно лишь модулировать (зажать на время, чтобы не мешали понимать, если мешают), но не исключить
//современное искусство честнее. Оно на т.н. «художественную правду» не претендует, оно только вопрос интерпретации//
его раздражающая меня нечестность состоит в том, что в современном обществе это грубо говоря, вибратор, представляющийся искусством и почти вытеснивший последнее из жизни — а поскольку оно таки необходимо, возникает нечто вроде фантомной боли при ампутации
From: makas89 Date: June 21st, 2013 06:15 am (UTC) (Link)
|У искусства есть своя часть познания (именно как познания, а не переживания) которая (пока?) недоступна науке. Скажем, появился, укореняется в обществе новый социальной важный типаж|
Разве эти типажи не могут быть изучены психологией и/или социологией? Вполне могут быть, по-моему. Они важны для обществ, где этих наук нет или они в зачаточном состоянии. Получается, кстати, логично — есть психология, не нужно искусство (хотя, конечно, не факт, что здесь есть какая-то связь в действительности).
Подчеркну, я говорю именно о познании, не о «переживании», эстетической ценности или моделях для подражания.

/Всякое человеческое переживание мысль и действие — это единство интеллекта и аффекта, от этого не уйти/
Конечно человеку не уйти, но наука пытается уйти, если не в голове отдельного ученого, то в целом (коллеги-ученые быстро заметят приоритет эмоций над фактами и раскритикуют), поскольку ее смысл — в установлении того, что в действительности есть, а не в провозглашении того, как нам хотелось бы, чтобы было.
Искусство же в значительной степени в принципе направлено на эмоции.

/вибратор, представляющийся искусством и почти вытеснивший последнее из жизни/
Ну в кино и в литературе реалистическая традиция (в смысле значительной роли содержания, без гипертрофированной роли формы) осталась. Неужели в живописи она полностью прервалась?
Мне также не очень понятно, почему «представляющийся»? Конечно, не все могут сформулировать разницу между классикой и современным искусством так же, как Вы, но интуитивно все чувствуют разницу, ведь ее невозможно не заметить (более того, авторы современного искусства подчеркивают ее, не скрывают).

Ссылка на ФБ не открывается.

Не очень убедительно
Думаю, что те же закономерности выполняются и в классических картинах любого периода, просто с ними экспериментировать труднее. Это как с сексом — секс без любви может быть, но разделённая любовь без секса вызывает вопросы.
А что касается содержание — содержание древнеегипетских произведений или дальневосточных для нас так же малопонятно. А для большинства нынешней публики непонятны и картины на классические сюжеты из древнегреческой мифологии или на библейские темы. И тут, кстати, утрата чтойности — это не вина художников, сейчас трудно выстраивать сюжетные картины, не впадая в грех литературщины, когда картина заменима (и не без прибытка) подробным литературным описанием. Художники сейчас находятся в ситуации, созданной отсутствием универсальных сюжетов (кроме сюжетов массовой культуры) и наличием фотографии (при наличии которой прямолинейное воплощение «чтойности» малоценно. А с непрямолинейным проблемы. Ван Гог, например, категорически и сознательно выбрал «чтойность» против «нечтойности», хотя видел другой путь, и сам об этом писал. Но уважаемый автор этой «чтойности» не видит. Кстати, путь развития фотографии как искусства показывает очень сходный, в общем, путь развития, хотя вроде бы лобби покупателей там заметное иное (при том, что его влияния, зачастую негативного, я не отрицаю). Но получается, что есть в таком развитии и объективные причины.

Это дружба. Это уважение. Это материнская любовь. Замечательные и достойные чувства, но не про то. И даже семья иногда может держаться на них, а не на любви.
Но искусство — это как любовь в том самом смысле. В ней есть компонент «про что», знаковый, семиотический (и он, кстати, наиболее произволен и сильнее всего зависит от общества). А есть непосредственное, телесное, воспринимаемое вне знаковой системы — как штрихи, которыми у разных мастеров изображен один и тот же объект (лицо, скажем) нами непосредственно прослеживаются (как если бы мы проводили их своей рукой), и создают разные ощущения, разные состояния. А если этого компонента нет, то это не любовь и не искусство.

From: lenivtsyn Date: June 24th, 2013 08:09 pm (UTC) (Link)

как старается показать Лифшиц

» Ведь его деятели не все своей жизнью работали на реакцию, как старается показать Лифшиц…»

Не правда. Лифшиц постоянно оговаривает, что среди деятелей «современного искусства» очень возможны и, в самом деле, не редко встречаются люди самых прогрессивных взглядов. Реакционны они именно как деятели искусства, о чем вы и сами далее пишите. Вспомните «Материализм и эмпириокритицизм» Ленина: в политике — революционеры могли быть в философии — реакционерами. Потому что классовая борьба в политике ведется по законам политики, а классовая борьба в философии — по законам философии. Если в политике основной вопрос — о власти, то в философии — о первичности материи или духа (или — другая сторона этого вопроса — о познаваемости мира). Точно так в искусстве — и Лифшиц это наглядно показал — классовая борьба ведется вокруг развития художественной формы в сторону большего реализма, более разностороннего и чёткого отражения «живой жизни», либо в сторону разрушения художественной формы путем ее «символизации» и т.п., когда художественная форма ценна уже не сама по себе, а в качестве знака чего-то другого (протеста, пощёчины и т.д.). Т.е. вы всё правильно пишите, но тем более непонятно, зачем это вам понадобилось походя оболгать Лифшица.

Edited at 2013-06-24 08:10 pm (UTC)

О современном искусстве (Образование в Гетти)



Примечание: слова, выделенные ниже жирным шрифтом, определены в глоссарии для данной учебной программы (см. Ссылки «Для класса»).

Строго говоря, термин « современное искусство » относится к искусству, созданному и произведенному художниками, живущими сегодня. Сегодняшние художники работают и реагируют на глобальную среду, которая разнообразна в культурном, технологическом и многогранном отношении. Работая в широком диапазоне из сред , современные художники часто размышляют и комментируют современное общество.При взаимодействии с современным искусством зрителям предлагается отложить в сторону такие вопросы, как «Является ли произведение искусства хорошим?» или «Приятна ли работа с эстетической точки зрения?» Вместо этого зрители думают, является ли искусство «сложным» или «интересным». Современные художники могут подвергать сомнению традиционные представления о том, как определяется искусство, что составляет искусство и как создается искусство, одновременно создавая диалог с предшествующими им стилями и движениями, а в некоторых случаях отвергая их.

С начала 20 века некоторые художники отказались от реалистичного изображения и изображения человеческой фигуры и все больше переходили к абстракции.В Нью-Йорке после Второй мировой войны мир искусства ввел термин «абстрактный экспрессионизм», чтобы охарактеризовать художественное направление, которое не было ни полностью абстрактным, ни экспрессионистским. Тем не менее движение побуждало художников уделять больше внимания процессу создания искусства, а не конечному продукту. Такие художники, как Джексон Поллок, подняли искусство до хореографических высот, капая краской в ​​грандиозных, но спонтанных жестах. Как заметил один критик, холст был ареной для действий: «то, что происходило на холсте, было не картиной, а событием.«Это представление об искусстве как событии возникло из движения под названием абстрактный экспрессионизм , которое сильно повлияло на последующие художественные движения и продолжает вдохновлять художников, живущих сегодня.

Современные художники, работающие в рамках постмодернистского движения , отвергают эту концепцию мейнстримного искусства и принимают понятие «художественный плюрализм», принятие разнообразных художественных замыслов и стилей. Современные художники черпают вдохновение в перформансе , поп-арте, минимализме, концептуальном искусстве или видео. бесконечное разнообразие материалов, источников и стилей для создания искусства.По этой причине сложно кратко обобщить и точно отразить сложность концепций и материалов, используемых современными художниками. В этом обзоре представлены несколько современных художников, чьи работы выставлены в музее Гетти, а также концепции, которые они исследуют в своих работах.

Образец (по Дюреру) , Джон Балдессари, 2000

© 2000 Джон Балдессари
Эта работа была заказана для Отъездов: 11 художников в Гетти , 29 февраля — 7 мая 2000, Дж.Музей Пола Гетти, Лос-Анджелес

Современные художники, как и многие предшествующие им художники, могут признавать и находить вдохновение в произведениях искусства из предыдущих периодов времени как в тематике, так и в формальных элементах. Иногда это вдохновение принимает форму присвоения . Художник Джон Балдессари «позаимствовал» изображение жука-оленя немецкого художника Альбрехта Дюрера из 1505 года и сделал его своим. Используя современные материалы (струйная печать на стекловолоконной панели), Балдессари сопоставил исходное изображение с частью скульптуры в виде гигантской стальной булавки.Вставив стальную булавку в холст, Baldessari сочетает медиумы очень современным способом.

В 1960-х художники начали обращаться к видео, чтобы переопределить изобразительное искусство. С помощью видеоарта многие художники бросили вызов предвзятым представлениям об искусстве как о дорогостоящем, высокомерном и доступном для расшифровки только элите общества. Видеоарт — это не обязательно вид искусства, которым люди хотели бы владеть, это скорее опыт. Продолжая тенденцию к пересмотру прежних представлений и идеалов об искусстве, некоторые современные видеохудожники стремятся отказаться от представления об искусстве как о товаре.Художники, обращающиеся к видео, использовали эту форму искусства как инструмент для изменений, среду для идей. Некоторые видеоарт открыто признают силу телевидения и Интернета, открывая тем самым двери в мир искусства для масс.

Такие художники стремятся поднять процесс создания искусства и выйти за рамки представления о том, что искусство следует ценить только как эстетически приятный продукт. Видеоискусство является примером этого, поскольку зритель наблюдает за работой в том виде, в котором она действительно создается; они наблюдают, как разворачивается процесс.В видеоинсталляциях видео сочетается со звуком, музыкой и / или другими интерактивными компонентами. В фильме Николь Коэн «Пожалуйста, присядьте» зрителей просят быть активными участниками. Используя инновационные видеотехнологии, участники могут сидеть на точных копиях французских стульев 18-го века и смотреть телеэкраны, на которых они виртуально помещаются в исторические воссозданные французские пространства 18-го века. В то время как традиционные произведения искусства находятся в галереях с табличками с надписью «Не трогайте», Коэн приглашает вас к физическому участию.Таким образом, зритель становится частью произведения искусства.

Роберт Ирвин — еще один художник, который стремился привлечь зрителя, как видно из его сада в Центре Гетти. В Центральном саду, который Ирвин шутливо назвал «скульптурой в форме сада, стремящегося стать искусством», зрители могут ощутить лабиринтную конфигурацию растений, камней и воды. Здесь посетители полностью погружаются в ощущение нахождения в произведении искусства. Обоняние, осязание и звук сочетаются с цветами и текстурами сада.Вся листва и материалы сада были выбраны так, чтобы подчеркнуть взаимодействие света, цвета и отражения. Заявление Ирвина «Всегда меняется, никогда не повторяется дважды» высечено на полу площади, напоминая посетителям о постоянно меняющейся природе этого живого произведения искусства. Таким образом, Ирвин опровергает представление о том, что произведение искусства должно быть нарисовано на холсте. Скорее природа может быть искусством.

Создавая сад, специально разработанный для Центра Гетти, Ирвин участвует в арт.Многие современные художники, создающие работы для конкретных мест, переносят искусство из музеев и галерей в сообщества для решения социально значимых проблем и / или повышения общественного сознания. В случае с садом Ирвина и That Profile Мартина Пурье (также представленного в Центре Гетти), произведения искусства заказываются музеями для улучшения и включения окружающей среды. Этот профиль , расположенный на площади у подножия лестницы, ведущей в музей, имитирует сетчатые узоры самого здания Центра Гетти.При весе 7 500 фунтов Профиль массивен. Однако изящные и изогнутые линии работы обладают «легкостью и воздушностью», что подчеркивает окружающие горы и виды на океан, видимые с площади Гетти.

Вопросы типа «Что такое искусство?» и «Какова функция искусства?» относительно новые. Создание искусства, которое бросает вызов ожиданиям зрителей и художественным традициям, — это совершенно современная концепция. Однако художники всех эпох являются продуктами своих относительных культур и периодов времени.Современные художники могут выражать себя и реагировать на социальные проблемы так, как художники прошлого не могли. Знакомясь с современным искусством в Центре Гетти, зрители используют критерии оценки произведений искусства, отличные от критериев, используемых в прошлом. Вместо того, чтобы спрашивать: «Нравится ли мне, как это выглядит?» зрители могут спросить: «Нравится ли мне идея этого художника?» Открытый ум имеет большое значение для понимания и даже признания искусства нашей эпохи.

Что такое современное искусство? — Artsy

Как бы то ни было, «современное искусство» не несет в себе такого багажа. Бейкер отметил, что в десятилетия после Второй мировой войны идея о возможности любого прогресса вышла из моды среди интеллектуалов. Единого пути вперед не было, только множество разных, одинаково действенных путей — отсюда и «плюрализм» конца 1970-х годов и последующих. С этой точки зрения современное искусство трудно дать определение, потому что это не совсем движение, а скорее собрание художников, трудящихся без девиза в вечном, антиисторическом моменте.

Что вы можете сказать о периоде в истории искусства, определяющим качеством которого является его неопределенность? Мало кто подошел к ответу на этот вопрос ближе, чем профессор Терри Смит, автор книги «Что такое современное искусство?». (2009 г.). Когда я попросил его прокомментировать современное искусство, он написал, что «это немного похоже на попытку описать время: мы все знаем, что это такое, и что мы в нем, но нам трудно сказать, что это такое». Посетители институтов современного искусства, добавил он, «заметят меньше картин и скульптур, чем в« современных »залах.Вместо этого есть множество текстов, видео, фото-сериалов, инсталляций, перформансов и объектов, которые совсем не похожи на искусство. Но это только верхушка айсберга. Большая часть современного искусства создается вне музеев, в общественных местах, для временных выставок, таких как биеннале, или демонстрируется в Интернете ».

Можно сказать, что модель современного искусства Смита не скреплена никаким клеем, и, конечно, вы будете правы, но в этом его суть. В отсутствие определенности появляются конкурирующие определения современной и конкурирующей дат начала.Иногда эти определения строятся вокруг региональных границ: американские кураторы, как объяснил Смит, склонны помещать начало современной эпохи где-то в 1960-е годы, обычную точку перегиба в культурной истории своей страны, в то время как немцы «предпочитают 1945 год, когда в их жизни все изменилось». часть мира ». В основе этих огромных расхождений во мнениях лежит глубокая неуверенность: «Мы начинаем чувствовать, — заключил Смит, — что у нас больше всего общего — это наши различия … Наша современность друг с другом … это все, что у нас есть.”

Вовлечено | Художественный музей Милуоки

Общество современного искусства (CAS) предоставляет форум для энтузиастов современного искусства и начинающих, а также преданных коллекционеров, чтобы повысить свои знания и понимание современного искусства. Члены этой группы поддержки музея знакомятся с лучшим, что сегодня может предложить мир современного искусства.

Выдающиеся программы регулярно планируются для членов CAS, чтобы они могли общаться с другими, кто разделяет их страсть к современному искусству.К ним относятся лекции и мероприятия в музее, а также интимные экскурсии и изысканные ужины в домах частных коллекционеров. Члены CAS имеют возможность встретиться и пообедать с известными критиками, ведущими кураторами и влиятельными художниками. Среди художников, которые недавно побывали с группой, были Тара Донован, Мишель Грабнер, Исаак Жюльен, Бет Липман, Михал Ровнер, Дэвид Шнелл и Дирк Скребер.

Эксклюзивные возможности для путешествий CAS доставят участников в такие впечатляющие места, как Нью-Йорк, Лос-Анджелес, Майами и Вашингтон Д.C. посещать музеи, участвовать в известных художественных мероприятиях, посещать международные художественные ярмарки и просматривать частные коллекции мирового уровня.

Что наиболее важно, используя средства, собранные за счет членских взносов и проводимого раз в два года аукциона Общества современного искусства, CAS вносит значительный вклад в коллекцию музея современными произведениями. Приобретения при поддержке CAS включают работы таких художников, как Эрвин Редл, Феликс Гонсалес-Торрес, Роберт Гобер, Никки С. Ли и Кристиан Марклей, Джим Кэмпбелл, Тара Донован, Салли Манн, Энтони МакКолл, Йинка Шонибаре и Томас Струт.


Преимущества членства

  • Анонсы и закулисные экскурсии по современным и современным выставкам музея
  • Возможность встретиться с выдающимися современными художниками и экспертами в области искусства в интимной обстановке
  • Приглашения экспертов о молодых художниках, работающих во всех средах, от экспертов
  • Частные обеды и экскурсии по домам ведущих коллекционеров области
  • Возможность приобрести выдающиеся работы у всемирно известных дилеров и галерей
  • Путешествие по всемирно известным коллекциям и уникальным местам, закрытым для публики

Ежегодные членские взносы *

Благодетель, моложе 35 лет

150 долларов США

* Обратите внимание, что ваше членство в Художественном музее Милуоки должно быть действующим, чтобы иметь право на членство в CAS.

Пожертвовать сегодня »
Вопросы?

Для получения дополнительной информации о CAS, пожалуйста, свяжитесь с горячей линией членства по телефону 414-224-3284 или [email protected] или загрузите брошюру о членстве.

В чем разница между модерном и современным искусством?

© Franco Ricci / Dreamstime.com

Вы когда-нибудь задумывались о разнице между модерном и современным искусством? Или задался вопросом, есть ли разница между и ? Во-первых, эти два термина не взаимозаменяемы.Есть разница, и она основана на приблизительных диапазонах дат, установленных искусствоведами, арт-критиками, кураторами, художественными учреждениями и т. Д., Которые признали произошедший отчетливый сдвиг, знаменующий конец модернизма и начало современного. возраст. Современное искусство — это то, что было создано где-то между 1860-ми (некоторые говорят, что 1880-е) и концом 1960-х (некоторые говорят, что только в 1950-х). Искусство, созданное после этого (например, концептуальное, минималистское, постмодернистское, феминистское), считается современным.

Помимо временных рамок, существуют концептуальные и эстетические различия между двумя фазами. Искусство было названо «современным», потому что оно не основывалось на том, что было до него, и не опиралось на учения академий художеств. Многие историки искусства, особенно искусствовед Клемент Гринберг, считают Эдуарда Мане первым современным художником не только потому, что он изображал сцены современной жизни, но и потому, что он порвал с традициями, когда не попытался имитировать реальный мир. перспективных фокусов.Вместо этого он обратил внимание на тот факт, что его произведение искусства было просто рисованием на плоском холсте и что оно было создано с помощью кисти, кисти, которая иногда оставляла свой след на поверхности композиции. Хотя это шокировало публику и критиков, это вдохновило его сверстников и следующие несколько поколений художников, каждый из которых, будь то в абстрактных или репрезентативных работах, экспериментировал с тем, как привлечь больше внимания к своей среде (вспомните Марка Ротко почти столетие спустя). . Современное искусство включает в себя множество движений: импрессионизм, кубизм, сюрреализм и абстрактный экспрессионизм, и это лишь некоторые из них.

Современное искусство — это искусство момента, но определить его за пределами этого и его неограниченного диапазона дат сложно, поскольку само понятие определения искусства стало личным поиском в руках каждого художника, что привело к постоянно расширяющимся возможностям. . Ключевое различие между современным искусством и современным искусством заключалось в смещении акцента с эстетической красоты на основную концепцию произведения (концептуальное искусство и искусство перформанса являются хорошими примерами). Конечный результат произведения современного искусства стал менее важным, чем процесс, с помощью которого художник прибыл туда, процесс, который теперь иногда требовал участия со стороны аудитории.Итак, в следующий раз, когда вы будете на коктейльной вечеринке и кто-то заговорит о современном искусстве, вы поймете, что не стоит рассказывать о своей любимой надутой скульптуре Джеффа Кунса.

51 Самые популярные современные художники

Что мы подразумеваем под «современным искусством»? Возможно, это потому, что термины «современный» и «современный» в английском языке по существу относятся к тому же самому, что, по нашему мнению, применимо и к искусству. Правда заключается в том, что, хотя современное искусство предлагает ясность с точки зрения того, что мы можем распознать как новое или, по крайней мере, более недавнее произведение искусства, и то, которое передает тему или настроение нашего времени, его определение оказалось немного немного сложно придавить.

Известный современный художник

В то время как современное искусство предлагает ясность с точки зрения того, что мы можем признать новым, его определение оказалось немного сложным. Для нас в список включены те живые и умершие, чьи идеи изменили наше восприятие и чье искусство все еще сильно влияет на времена, в которых мы живем. Среди этих 51 самых популярных современных художников мы хотели бы выделить американский компонент как культурный столп послевоенной истории искусства.Американское искусство не только вытеснило европейское по историческим причинам, но и по-прежнему преобладает в повествовании об эволюции искусства. Хотя совершенно невозможно ранжировать искусство и, следовательно, выбирать наиболее значимых или признанных художников, если мы спросим себя, что имеет значение сегодня? В каноне последних пяти десятилетий все они — всемирно известные американские художники, катализаторы современного искусства, постмодернистские провокаторы, которые в большинстве своем создавали проблемные, соблазнительные, жестокие и трогательные произведения искусства.От Синди Шерман до Джуди Чикаго, Джеффа Кунса и Дэмиена Херста — мы смотрим на более чем вековое революционное искусство.

В настоящее время существует несколько объяснений и описаний того, что такое современное произведение искусства или кого следует считать современным художником. Возможно, лучше сначала провести различие между модерном и современным искусством, чтобы избежать вышеупомянутого лингвистического указания. Грубо говоря, Современное искусство охватывает художественное производство между 1860-ми и 1970-ми годами, хотя для некоторых некоторые из авангардных движений начала 20-го века имеют тенденцию склоняться к современной категории, а не к современной.Искусство, созданное после Второй мировой войны, также описывается некоторыми историками как современное, в то время как другие считают современные произведения искусства произведениями искусства, созданными с 1970-х годов, когда также был придуман и введен термин «постмодернизм». Наконец, есть группа людей, которые называют произведения еще живых художников «современными» и сосредотачивают свое внимание на «произведениях искусства конца 20-го и 21-го веков».

Действительно, с точки зрения времени у нас может не быть точной информации, и хотя оба этих периода поощряют эксперименты и отход от традиций и искусства, какими мы его знали до конца XIX века, Современное искусство значительно более специфично, чем современное. искусство как эстетически, так и по смыслу. С постоянным развитием общества и технологий, «искусство сегодняшнего дня» открыло новые медиа, новые темы и новаторские способы представления, создания и презентации произведений искусства в необычной среде. Если мы решим отметить его начало, скажем, в 1960-х годах, мы увидим, что среди новинок у нас есть Happenings, Performance Art, Video Art, Street Art, цифровая фотография и совсем недавно дополненная реальность и искусственный интеллект. несколько. В 1950-х годах мы также стали свидетелями расцвета Abstract art как прямого ответа на вездесущий реализм, и даже до этого Cubism и Marcel Duchamp потрясли само определение искусства.Таким образом, можно сказать, что современное искусство медленно проникает в историю, пока, наконец, не утвердится и по сей день — вероятно, до тех пор, пока кто-то не изобретет термин «постсовременный», если они еще этого не сделали.

Итак, мы переходим к выяснению, кто самые популярные современные художники сегодня.

Для нас в список включены те живые и умершие, чьи идеи изменили наше восприятие и чье искусство по-прежнему сильно влияет на время, в котором мы живем.

Среди 51 самого популярного современного художника мы хотели бы выделить американскую составляющую как культурную основу послевоенной истории искусства. Американское искусство не только вытеснило европейское по историческим причинам, но и по-прежнему преобладает в повествовании об эволюции искусства. В списке есть современные американские художники (мы выбрали только тех, кто родился в Соединенных Штатах, а не «приемных» художников), которые все еще находят отклик в дискурсе искусства и заставляют людей говорить.От Синди Шерман до Энди Уорхола — все они определяют современную эпоху, и с середины 20-го века их страна, Соединенные Штаты, была лидером на рынке искусства и в производстве «нового». Хотя совершенно невозможно ранжировать искусство и, следовательно, выбирать наиболее значимых или признанных художников, если мы спросим себя, что имеет значение сегодня? Ответ, или несколько ответов, будет: идентичность (как в искусстве Синди Шерман), отношения между оригиналом и копией, личная история в более широком контексте мировой коллективной истории (Нан Голдин), вопросы пола и гендера (Джуди Чикаго), злоупотребление властью (Дженни Хольцер) и жизнь чернокожих в Америке (Керри) Джеймс Маршалл).В каноне последних пяти десятилетий все они — всемирно известные американские художники, катализаторы современного искусства, постмодернистские провокаторы, которые в большинстве своем создавали проблемные, соблазнительные, жестокие и трогательные произведения искусства.

Синди Шерман

Одна из живых легенд фотографии и феминистского искусства (хотя она не считает себя феминисткой), Синди Шерман наиболее известна своими «кадрами из фильмов без названия», серией автопортретов, направленных на преодоление стереотипов в отношении как женщины смотрят в СМИ.Даже сегодня она сама по себе главный герой, режиссер, дизайнер костюмов и визажист, и ее работа продолжает влиять на многие поколения молодых фотографов всех полов.

Подробнее о Синди Шерман и женщинах в современном искусстве …

Жан-Мишель Баския

Молодой вундеркинд, рано ушедший из жизни в возрасте 27 лет, Жан-Мишель Баския оставил глубокий след в современном искусстве, но также и на улицах Нью-Йорка 1980-х годов, которые он обозначил своим прозвищем САМО.Его неоэкспрессионистские картины основаны на его смешанном происхождении и затрагивают такие темы, как расизм, бедность и универсальный человеческий опыт. Как Баския стал самым продаваемым американским художником?

Жан-Мишель Баския, Бэби-бум, 1982, Ян Карадек через Flickr

Кейт Харинг

Игривые фигурки, сияющие младенцы и лай собак в стиле поп-арт, созданные Китом Харингом в 1980-х годах, несомненно, являются одними из самых запоминающихся произведений искусства в истории искусства.Покрыв метро своими быстрыми рисунками, он перешел, чтобы нарисовать фрески большого размера , но больше всего мы его помним, так это его приверженность политическим и социальным визуальным комментариям, особенно о гомосексуализме и СПИДе, от которых он умер в 1990 году.

Фреска Кита Харинга «Мы — молодежь» в Филадельфии, 1987 г. © Keith Haring Foundation

Откройте для себя работы Кита Харинга о Кунессе или узнайте больше о его карьере.

Дэмиен Херст

«Ужасный ребенок» современного искусства, Дэмиен Херст — член YBA, который в 2007 году провел печально известный аукцион своих произведений, который затем был распродан.Мы также до сих пор живо помним большой синий резервуар, в котором находится настоящая акула, а также точечные рисунки, произведения искусства с изображением сотен бабочек, скульптуры анатомии человека и алмазные черепа.

Дэмиен Херст на выставке Дэмиен Херст. Полное собрание точечных картин 1986–2011, Галерея Гагосяна, Нью-Йорк, 2012. Фото Эндрю Рассета через Википедию

Ансельм Кифер

Немецкий скульптор и художник Ансельм Кифер создает монументальные работы с использованием менее типичных материалов, таких как ясень, шеллак, свинец, солома и блестки.Эти произведения часто ссылаются на коллективную память и противоречивые факты из нашей истории, такие как правление нацистов, литературные произведения, мифология, а также на исторических личностей, которыми он восхищается, хотя, возможно, не на первый взгляд.

Ансельм Кифер, Ave Maria, 2007.

Марк Брэдфорд

Представитель США на Венецианской биеннале 2017 года Марк Брэдфорд — современный художник, работающий преимущественно с абстракцией. В своих работах, которые он любит называть «социальной абстракцией», обычно сочетаются краска и коллаж, а также бумага, собранная в Лос-Анджелесе, где он живет.Критики часто называют их «лирическими» и «грубыми», напоминающими пионеров такого искусства, как Роберт Раушенберг и Соль Левитт. 58-я Венецианская биеннале…

Джефф Кунс

Собаки-воздушные шары? Это откровенно сексуальный сериал «Сделано на небесах», который он снял с тогдашней женой Чиччолиной? А может, это Леди Гага и ее бал? Как бы то ни было, это сделало Джеффа Кунса одним из самых богатых современных художников, настолько, что у него даже есть собственная фабрика людей, которые помогают ему воплощать его творческие замыслы в реальность.

Джефф Кунс, Воздушный шар, Ким через Flickr

Откройте для себя все работы Джеффа Кунса, доступные на Kooness

Такаши Мураками

«Суперплоское» искусство Такаши Мураками, вдохновленное японскими традициями искусства и обществом его страны после Второй мировой войны, можно найти где-то между высоким и низким искусством — это означает, что они украшают сумки Louis Vuitton и другие предметы моды, но они также присутствуют в виде картин, скульптур, анимаций и даже в некоторых случаях музыкальных клипов.

младший

Для JR мир — это одна гигантская стена, на которую он наклеивает свои знаменитые проекты — «Наизнанку», «Женщины — герои» и «Морщины города» — лишь некоторые из них. Этот таинственный французский художник, скрывающийся за солнцезащитными очками и под шляпой, использует фотографию и концепцию уличного искусства, чтобы донести голоса до маргинализированных слоев населения и прославить личность.

JR, Inside Out NYC, май 2013 г.

Аниш Капур

Имя Аниша Капура можно встретить практически во всех аспектах искусства за последние четыре десятилетия: он выиграл премию Тернера, представлял Великобританию на Венецианской биеннале, создавал заказы для турбинного зала Тейт Модерн, а также «Облачных ворот» в Чикаго.Не будем забывать, что ему также принадлежат права на «самый черный черный» цвет из существующих, и что ваше отражение обязательно будет искажено в его скульптурах. Узнайте больше о художниках-пейзажистах …

Аниш Капур, Перевернув мир с ног на голову, 2010 год, Музей Израиля, Иерусалим, доктор Авишай Тейхер.

Марина Абрамович

Более четырех десятилетий Марина Абрамович занималась искусством, не получив почти никакого признания.Все изменилось в 2010 году с выставкой «Художник присутствует» в MoMA в Нью-Йорке, когда она стала широко известна и теперь стала чем-то вроде знаменитости. Еще одно прозвище, связанное с ее именем, — «бабушка исполнительского искусства», в основном относящееся к радикальным работам, связанным с телом, с самого начала ее карьеры. Подробнее о Марине Абрамович …

Марина Абрамович, Художник присутствует, 2010, Музей современного искусства. Изображение Эндрю Рассета из Википедии

Шон Скалли

Один из самых влиятельных художников-абстракционистов своего поколения, Шон Скалли известен своими сетчатыми картинами, а также акварелями, скульптурами и гравюрами.Вдохновленный творчеством таких художников, как Марк Ротко, он создает узнаваемое искусство уже более шести десятилетий и входит в число современных художников, большинство произведений которых находится в крупных публичных коллекциях по всему миру.

Вертикальный мост и ночь Шона Скалли доступно на Kooness

Ай Вэйвэй

Часто называемый «артистом-диссидентом Китая», Ай Вэйвэй неоднократно попадал в беду из-за того, что открыто критиковал правительство своей страны.Его студия была разрушена, его паспорт конфискован, и он сам был также арестован, но это никогда не мешало ему создавать значимые произведения искусства, комментируя права человека, демократию и различные кризисы, с которыми мы, как общество, сталкиваемся ежедневно.

Ай Вэйвэй, Forever Bicycles , 2014. 1254 велосипеда. Размеры переменные. Вид инсталляции, Дельта Уоллер-Крик, Программа современного Остина — Музей без стен, Остин, Техас, 2017. Иллюстрация © Ai Weiwei Studio.Предоставлено студией Ай Вэйвэй и галереей Lisson. Изображение любезно предоставлено The Contemporary Austin / Waller Creek Conservancy. Фотография Брайана Фитцсиммонса.

Луиза Буржуа

На протяжении своей долгой блестящей творческой карьеры Луиза Буржуа создавала визуальный профиль своей жизни с помощью множества произведений искусства, многие из которых были произведены в больших масштабах. Ее детские травмы и отношения с родителями изображены в такой деликатной, но запоминающейся манере — подумайте о возвышающемся «Мамане», гигантском пауке, символизирующем мать художника. Дневник Луизы Буржуа «Жизнь, превращающаяся в произведение искусства» …

Луиза Буржуа, Maman в Цюрихе, Швейцария, 2011 г. Изображение из Википедии

Трейси Эмин

Ни один художник не подходит к своему искусству так глубоко, как Трейси Эмин. Еще одна YBA, она прославилась своей «Кроватью», инсталляцией, в которой ее настоящая кровать окружена беспорядком, как в прямом, так и в переносном смысле. Почти в каждом произведении искусства, когда-либо созданном, мы можем увидеть какой-то кризис, который переживает / переживает Эмин, через множество средств массовой информации, включая картины, рисунки, неоновые работы, кино, фотографию.

Трейси Эмин, я никогда не переставал любить тебя в Droit House, Маргейт, 2010. Изображение Кэти Хант из Википедии

Яёи Кусама

Самая известная современная художница в мире в 2015 году и один из самых значимых в Японии творцов искусства, Яёи Кусама — женщина, стоящая за «Зеркальными комнатами бесконечности», в которых все делают селфи, интригующими тыквами и бесчисленными точками в горошек. картины. Несмотря на внешнюю внешность, ее искусство, по признанию самого художника, несет в себе следы глубокого внутреннего беспокойства и влияния психологического расстройства.

Зеркало бесконечности Яёи Кусамы, изображение Пабло Тринкадо из Википедии

Эд Руша

Эд Руша, поп-художник, все еще более чем актуальный сегодня, начал с объединения слов и изображений в коллажах, используя повседневные предметы в качестве художественных материалов. Эта практика, основанная на тексте, похоже, уделяет одинаковое внимание как буквам, так и изображению на заднем плане, поскольку и то, и другое вносит свой вклад в общее настроение произведения. Этот особый стиль также можно найти в его фотографиях, картинах, гравюрах, рисунках и фильмах.

Христо (и Жанна-Клод)

Рожденные в один день, Христо и Жанна-Клод работали вместе на протяжении десятилетий, пока она не умерла в 2009 году. Затем он продолжил свое приключение в одиночку, и работы, которые он создал с тех пор, почти так же знаковые, как и те, которые они создавали вместе. Их искусство окружающей среды, которое обычно включает упаковку архитектурных объектов в перерабатываемый пластик или окружающие им острова, может понравиться публике в таких городах, как Майами, Нью-Йорк, Париж и Базель, самыми последними из которых являются плавучие пирсы в Италии, а вскоре и упаковка L’Arc du Triomphe в Париже в 2020 году.

Христо и Жанна-Клод, Плавучие пирсы, 2016. Изображение из Википедии.

Тарин Саймон

Комбинируя фотографию, перформанс, текст и скульптуру, современная американская художница Тарин Саймон создает мощные социальные комментарии на специфические темы. Она рассказывает истории о незаконно приговоренных к смертной казни; последствия человеческих изобретений; сайты, имеющие отношение к американской истории, которые скрыты от публики… Саймон определенно не новичок в путешествиях по миру в поисках истории или ее частей.

Керри Джеймс Маршалл

Короче говоря, Керри Джеймс Маршалл можно охарактеризовать как летописца афроамериканской истории и жизни. Он особенно заинтересован в том, чтобы делать это в больших масштабах, с помощью картин и скульптур, которые часто уходят корнями в Движение за гражданские права и стремятся создать полную картину человечества, включая также чернокожих.

Вольфганг Тильманс

Уникальный наблюдатель нашего мира, Вольфганг Тильманс — немецкий фотограф, работающий с фоторепортажами, портретами и абстракциями, для которых он любит проверять пределы возможностей.Он был первым небританцем, получившим премию Тернера. Тильманс также работал с видео и сотрудничал с такими звездами музыки, как Фрэнк Оушен. Не пропустите нашу последнюю статью о Вольфганге Тильмане …

Нан Голдин

«Баллада о сексуальной зависимости» может быть одним из самых значительных произведений фотографического искусства. Это визуальный дневник Нан Голдин, в котором представлены представители андеграундной культуры, ее семья и друзья в суматохе Нью-Йорка 1970-х и 80-х годов.Совсем недавно фотограф участвовал в организации акций протеста в музеях за получение денег от семьи Саклер.

Дженни Хольцер

За последние несколько десятилетий многие общественные места часто занимала одна из работ Дженни Хольцер. Эта художница-феминистка обычно создает рекламные щиты, проектирует здания и улицы и использует светодиоды для выражения своих идей, но ее многослойная практика на этом не заканчивается. В последние годы Хольцер вернулась к своим корням — живописи, хотя ее более ранние работы по-прежнему привлекают наибольшее внимание благодаря ее творчеству.

Подробнее об одной из самых известных и провокационных женщин-артисток на Kooness

Олафур Элиассон

Датско-исландский современный художник Олафур Элиассон всегда создает искусство, заботясь об окружающей среде и используя науку в качестве помощника. Его общественные работы можно найти в городах по всему миру, в то время как его портфолио также включает в себя световые элементы, фотографии, городские инсталляции, такие как тот, что на реке Шпрее в Берлине в 1998 году, а также тающие айсберги, как показано в последних двух фотографиях. лет в Париже и Лондоне, чтобы напомнить нам об изменении климата.

Олафур Элиассон, Радужная панорама, 2011, Орхус. Изображение Йенса Седершельда из Википедии

Хито Штайерл

Получив известность за последние десять лет, Хито Штайерл интересуется технологиями и изображениями, а также их влиянием на общество. В первую очередь она известна своими видеоработами, которые часто раздвигают границы кинопроизводства как такового и пропитаны концептуальностью. Работы Штейерла можно было увидеть на известных биеннале, в том числе в Венеции, Стамбуле и Шанхае.

Люк Туйманс

Люк Тюйманс — современный бельгийский художник и один из немногих художников-фигураторов, которые все еще работают сегодня. Его работы основаны на фотографиях и кадрах из фильмов и в основном состоят из портретов и обыденных предметов, написанных немного размытой палитрой. Картины источают ощущение напряжения и постоянного страха; если они изображают умиротворение, тревожные названия этих произведений искусства должны нарушить его. Видение Люка Тюймана в стиле барокко в Fondazione Prada!

Лю Сяодун

Другой выдающийся художник Лю Сяодун — летописец современной жизни.Одна из фигур в группе китайских неореалистов в начале 1990-х годов, он писал на пленэре, связывая свои часто крупномасштабные картины с определенным местом и жизнью, которая населяет его. Искусство Сяодуна можно было воспринимать как живописный снимок впечатляющей непосредственности и глубины.

Ширин Нешат

Влияние на ее родину, Иран, на работу Ширин Нешат за последние несколько десятилетий огромно: ее самые известные сериалы, «Разоблачение» 1993 г. и «Женщины Аллаха» 1993-97 гг., Посвящены роли женщин в Исламское общество в тесной связи с сильным тоталитарным управлением.Ее фотографии, фильмы и видео по-прежнему затрагивают эти темы; В 2009 году Нешат получила Серебряного льва за лучшую режиссуру на 66-м Венецианском кинофестивале за свой дебютный полнометражный фильм «Женщины без мужчин».

Ширин Нешат, Мятежное молчание, серия «Женщины Аллаха»

Роберт Мэпплторп

Захватывающая двойственность, которая характеризует изображения культового, неоднозначного фотографа Роберта Мэпплторпа, — это то, чего мы больше не увидим в нашей жизни; Диапазон мощного воздействия огромен, от самых нежных, чувственных изображений цветов до самых явных смыслов БДСМ.К сожалению, жизнь и карьера Мэпплторпа были прерваны его безвременной смертью в возрасте 42 лет в 1989 году. Чудеса художественной фотографии!

Узнайте, как американский бит-артист Уильям Берроуз сфотографирован Мэпплторпом в 1982 году на Кунессе.

Ана Мендьета

«Через мои скульптуры земли / тела я становлюсь единым с землей … Я становлюсь продолжением природы, а природа становится продолжением моего тела.»

Так Ана Мендьета однажды описала свое собственное искусство, которое чаще всего основывалось на природе, но также и на ее собственной жизни на Кубе, а затем и в государствах, феминизме, духовности, насилии, идентичности. Вплоть до своей подозрительной смерти в 1985 году в возрасте 35 лет она работала с перформансом, скульптурой, живописью и, прежде всего, с видео — особенно заметны ее работы «Силуэта», «Ручей», «Очун».

Барбара Крюгер

Используя рекламу и средства массовой информации, Барбара Крюгер создала концептуальное современное искусство, призванное привлечь внимание, которое, безусловно, имеет.Произведения искусства, иногда такие большие, как рекламные щиты, в основном «кричат» жирным шрифтом яркого цвета в виде мощных заявлений на фотографическом фоне, среди наиболее известных — «Я делаю покупки, поэтому я есть», «Ваше тело — поле битвы».

Барбара Крюгер в ACCA, Мельбурн

Кехинде Вили

В начале 2018 года в Вашингтоне, округ Колумбия, были представлены официальные президентские портреты Обамы, написанные Кехинде Уайли и Эми Шеральд, первыми чернокожими художниками, сделавшими это.Уайли нарисовал Барака, и, как и в других его сильно стилизованных портретах афроамериканцев, бывший американский президент также изображен на узорчатом фоне.

Цао Фэй

Яркий, вполне современный портрет современного китайского общества можно увидеть в мультимедийном портфолио Цао Фэя. Принадлежа к молодому поколению художников, она получила международное признание за свой кинематографический подход к своему окружению и людям в нем.

Дайан Арбус

Дайан Арбус была первым фотографом, который когда-либо участвовал в выставке Венецианской биеннале в 1972 году, через год после ее самоубийства.Хотя это определенно большая честь, то, что мы помним об этом исключительном фотографе, — это ее острый взгляд на обездоленных: на ее знаменитых квадратных фотографиях живут люди, которые выделяются из «нормальных», от тех, от которых мы часто отводим взгляд — вот почему с Арбус , они гордо стоят в центре внимания.

Люсьен Фрейд

Возможно, унаследовав от своего деда Зигмунда, Люсьен Фрейд интересовался психологическим аспектом портретной живописи. Его (часто обнаженные) модели давали ему возможность исследовать внутреннюю часть человека, изображая его внешность, и ох, каким грандиозным способом он это делал.Фрейд также был известен тем, что его натурщики часами позировали, чтобы получить «правильную» картину.

Фрэнсис Бэкон

Страдания, ужас, обезображивание, навязчивая сила, масса кошмаров; но также очень впечатляюще и уникально. Это религиозные, сексуальные необработанные картины Фрэнсиса Бэкона , человека, который не боялся быть честным в своем искусстве. Кричащий рот — постоянная тема для Бэкона. Считается, что он был вдохновлен фильмом Сергея Эйзенштейна «Броненосец Потемкин» 1925 года и знаменитым кадром из него.

Дэвид Хокни

Легенда британского и мирового искусства, Дэвид Хокни — это человек, которому в 81 год принадлежит рекорд самой дорогой работы живого художника, проданной на аукционе, благодаря «Портрету художника» стоимостью 90 миллионов долларов. Бассейн с двумя фигурами) ». Более того, преклонный возраст не помешал ему создавать еще больше искусства с помощью средств, которые ему кажутся очень дорогими — iPhone и iPad.

Эль-Анацуи

Эль Анацуи, один из самых важных художников Африки и первый представитель Ганы на Венецианской биеннале 2019 года, отдает дань уважения своему наследию и культуре в своих работах, представленных в различных средствах массовой информации.Работая на своей родине и в Нигерии, он приобрел международную репутацию благодаря своему искусству инсталляции, в котором используются замысловатые тканые ткани, которые должны восприниматься как скульптуры, а не текстильное искусство.

Эль Анацуи, Мужская ткань, 2001. Британский музей.

Бэнкси

Планетарный феномен, Бэнкси — псевдоним художника, личность которого известна только его семье, его ближайшим сотрудникам и горстке коллег-художников. Анонимность HI была предметом настоящих научных статей, и сага часто затмевает его умное искусство трафарета.Новые работы Бэнкси всегда привлекают внимание заголовков в наши дни, и, поскольку он безумно популярен, художник использует это, чтобы поддержать перемены в мире. Подробнее о Бэнкси …

Бэнкси, «Магазин до упаду», 2011. Изображение из Википедии.

Маурицио Каттелан

Если бы Марсель Дюшан был жив сегодня, он, вероятно, полюбил бы Маурицио Каттелана и ту сатиру, которую он использует, чтобы шокировать мир искусства. Современный итальянский художник, он наиболее известен гиперреалистичными скульптурами таких людей, как Папа (убитый метеоритом) и Гитлер (умоляющий о пощаде на коленях), а также такими вещами, как золотой унитаз, который он установил в Гуггенхайме в 2016 году, которую он метко назвал «Америка». Может ли искусство быть смешным?

Маурицио Каттелан в 2012 году. Изображение из Википедии.

Джуди Чикаго

«Обед» Джуди Чикаго, синоним феминистского искусства, считается одним из центральных произведений искусства ХХ века. В 1979 году художник установил стол с сервировкой для 39 важных женщин в истории, на каждой из которых была керамическая тарелка, расписанная вручную Чикаго. Ее обширная практика включает рукоделие, а также такие навыки, как «сварка и пиротехника».

«Ужин», художественная инсталляция Джуди Чикаго, установленная в Центре феминистского искусства Элизабет Саклер в Бруклинском музее в Бруклине, штат Нью-Йорк. Фото: Дональд Вудман

Узнайте, как пионер-феминистка запустила Smoke Sculptures в Instagram

Гилберт и Джордж

Партнеры по жизни и искусству на протяжении более 50 лет, Гилберт и Джордж познакомились в художественном колледже и с тех пор неразлучны.Если кто-то живет и дышит искусством, то именно эти два человека часто называют свою практику одной из «живых скульптур». Гилберт и Джордж известны своими крупномасштабными фотоколлажами, в которых они изливают свое мнение всему миру без каких-либо возражений.

Гилберт и Джордж позируют для съемок на Хэнбери-стрит в Лондоне в 2007 году. Изображение взято из Википедии.

Андреас Гурски

Рекорд самой дорогой фотографии, когда-либо проданной на аукционе с 2011 года, дотошный немецкий фотограф Андреас Гурски использует цифровую технологию и камеру для получения детальных снимков различных предметов и пейзажей.Работая в цвете, он обычно фотографирует издалека, используя вид с высоты птичьего полета, в результате чего получаются завораживающие абстракции.

Ёситомо Нара

Ёситомо Нара — современный японский художник с весьма своеобразной эстетикой. Используя пастельные тона и минималистичный подход к деталям, он рисует, рисует и лепит большеглазых детских персонажей, явно невинных в юности, только для того, чтобы показать, что у них есть какое-то оружие. Работы Нары напоминают японскую мангу и аниме, а также поп-арт и комиксы.

Цзэн Фаньчжи

Выдающийся современный китайский художник Цзэн Фаньчжи подумал, что за его творческую карьеру стиль несколько изменился. Большую часть 1990-х годов продавались его серии «Маски», портреты и сцены, в которых символ маски играет центральную роль. После этого Цзэн медленно перешел к более сложной абстракции, характеризующейся множеством линий и захватывающих цветов.

Дженни Сэвилл

Художница обнаженных женщин, Дженни Сэвилл — юная художница, интересующаяся физическим телом человека, особенно кожей и объемом.Часто сравнивают с работами вышеупомянутого Люсьена Фрейда, ее картины в основном имеют большие размеры, и это результат исследования, проведенного художником, которое иногда включает в себя наблюдение за операциями пластической хирургии, а также исследования физических деформаций и травм. Картина Сэвилл «Приподнятая» была продана в 2018 году за 9,5 миллиона фунтов стерлингов, что сделало ее самой дорогой из ныне живущих художниц.

Кристофер Вул

Большие черные слова в стиле милитари, которые часто пропускают одну или две буквы на белом холсте.Эти концептуальные работы принадлежат Кристоферу Вулу, и, кажется, они вдохновлены техникой трафарета и граффити. Однако это не единственный его фирменный стиль: Шерсть также является автором многих абстрактных шелкографий и холстов, которые, кажется, будто он передумал в отношении произведения искусства и решил его побелить.

Кристофер Вул в музее Соломона Р. Гуггенхайма, Жюль Антонио через Flickr

Лю Вэй

Работая с такими медиа, как видео, инсталляция, видео, живопись, скульптура и рисунок, Лю Вэй дает жизнь многослойным произведениям, сочащимся сатирой.Среди его наиболее известных работ — серия «Суперструктура», в которой представлены миниатюрные города из собачьих грызунов, а также «Серия пейзажей», в которой можно узнать человеческие ягодицы.

Лю Вэй, «Люби, кусай», 2005–2007, Марк Ватье через Flickr

Сесили Браун

В круговороте цветов, мазков и абстрактных форм Сесили Браун, пожалуй, можно узнать ее основные темы: порнография, человеческие отношения, сексуальность, чувственность.Ее работы были связаны с работами абстрактных экспрессионистов, а также с работами старых мастеров, таких как Рубенс. Картины Брауна часто называют именами известных фильмов и певцов.

Сара Лукас

В 2011 году издание Guardian охарактеризовало Сару Лукас как «самую дикую из молодых британских артистов, которая жестко устраивает вечеринки и создает провокационное, а временами по-настоящему шокирующее искусство». Невозможно описать искусство этого YBA с помощью только одного средства или стиля, но я скажу, что ее фотографические автопортреты выделяются в ее обширном, разностороннем творчестве.

Сара Лукас, Римляне, 2011. Варшавский музей современного искусства.

Энди Уорхол

Кажется, уместно закончить этот список самой иконой поп-арта. Энди Уорхол познакомил мир с совершенно новым взглядом на искусство и жизнь, а также на то, как эти два аспекта переплетаются. Среди его знаменитых работ — портреты Мэрилин Монро, обложка альбома The Velvet Underground, шелкография Campbell Soup Cans, журнал Interview… Что бы мы могли сказать, что еще не было сказано об этой заметной фигуре, знаменитости, гении рекламы и т. Д. умный бизнесмен, за исключением того, что его искусство наверняка будет жить для многих будущих поколений вдохновленных художников. Тысяча ликов Уорхола …

Энди Уорхол, Джек Митчелл

Энди Уорхол — лучший художник, выставленный на продажу на Kooness

Читайте последнюю статью о подземном кинотеатре Уорхола на Кунессе

Следите за обновлениями журнала Kooness, чтобы узнавать больше интересных новостей из мира искусства.

Современное искусство, введение — Smarthistory

«Получение» современного искусства

По иронии судьбы многие люди говорят, что они не «понимают» современное искусство, потому что, в отличие от египетской росписи над гробницами или греческой скульптуры, искусство, созданное с 1960 года, отражает наше недавнее прошлое.Он обращается к драматическим социальным, политическим и технологическим изменениям за последние 50 лет и ставит под сомнение многие ценности и предположения общества — тенденцию постмодернизма, концепцию, которая иногда используется для описания современного искусства. Что делает современное искусство особенно интересным, так это то, что оно, как и мир вокруг нас, стало более разнообразным и не может быть легко определено с помощью списка визуальных характеристик, художественных тем или культурных проблем.

Девушка смотрит на: Энди Уорхол, Банки для супа Кэмпбелла , 1962 год, синтетический полимер на 32 полотнах размером 20 x 16 дюймов каждый (Музей современного искусства) (фото: Стивен Цукер)

Минимализм и поп-арт, два основных направления в искусстве начала 1960-х годов, предлагают ключи к разгадке различных направлений искусства конца 20-го и 21-го веков.Оба отвергли устоявшиеся ожидания относительно эстетических качеств искусства и потребности в оригинальности. Минималистичные объекты — это лишние геометрические формы, часто созданные из промышленных процессов и материалов, в которых отсутствуют детали поверхности, выразительные маркировки и какой-либо различимый смысл. Тема поп-арта взята из малоизвестных источников, таких как комиксы и реклама. Как и в случае с минимализмом, использование коммерческих техник устраняет эмоциональное содержание, подразумеваемое индивидуальным подходом художника, что было важно для предыдущего поколения современных художников.В результате оба движения фактически стерли грань, отделяющую изобразительное искусство от более обычных аспектов жизни, и заставили нас пересмотреть место и цель искусства в мире.

Стратегии переключения передач

Минимализм и поп-арт открыли для художников более позднего возраста возможность исследовать вопросы о концептуальной природе искусства, его форме, производстве и его способности общаться по-разному. В конце 1960-х и 1970-х годах эти идеи привели к «дематериализации искусства», когда художники отказались от живописи и скульптуры, чтобы экспериментировать с новыми форматами, включая фотографию, кино и видео, перформанс, крупномасштабные инсталляции и земляные работы.Хотя некоторые критики того времени предсказывали «смерть живописи», сегодня искусство включает в себя широкий спектр традиционных и экспериментальных средств массовой информации, включая работы, основанные на интернет-технологиях и других научных нововведениях.

Джон Балдессари, Я больше не буду делать скучное искусство , 1971, литография, 22-7 / 16 x 30-1 / 16 ″ (Музей современного искусства). Авторские права Джон Балдессари, любезно предоставлены художником.

Современные художники продолжают использовать разнообразный словарь абстрактных и изобразительных форм для передачи своих идей.Важно помнить, что искусство нашего времени не развивалось на пустом месте; скорее, он отражает социальные и политические проблемы своего культурного контекста. Например, такие художники, как Джуди Чикаго, вдохновленные феминистским движением начала 1970-х годов, использовали образы и формы искусства, исторически связанные с женщинами.

В 1980-х художники использовали стиль и методы рекламы в СМИ для исследования вопросов культурного авторитета и политики идентичности.Совсем недавно художники, такие как Майя Лин, которая проектировала Мемориальную стену ветеранов Вьетнама в Вашингтоне, округ Колумбия, и Ричард Серра, который был слабо связан с минимализмом в 1960-х годах, адаптировали характеристики минималистского искусства для создания новых абстрактных скульптур, способствующих более личному взаимодействию. эмоциональный отклик зрителей.

Эти изменяющиеся стратегии для вовлечения зрителя показывают, как значимость современного искусства существует за пределами самого объекта. Его значение возникает из культурного дискурса, интерпретации и ряда индивидуальных представлений, в дополнение к формальным и концептуальным проблемам, которые первыми мотивировали художника.Таким образом, искусство нашего времени может служить катализатором продолжающегося процесса открытых дискуссий и интеллектуальных исследований современного мира.


Smarthistory изображений для преподавания и обучения:

Больше изображений Smarthistory…

Говорите о современном искусстве с уверенностью

Говорите с уверенностью о современном искусстве

Говорите о современном искусстве с уверенностью

Многие люди находят язык современного искусства устрашающим, в то время как сами арт-объекты могут сбивать с толку.Что такое «современное искусство»? Чем оно отличается от искусства предыдущих поколений? Как мы можем подойти к нему, начать его обсуждать и сформировать мнения и идеи по этому поводу? Как создается современное искусство и где его выставляют? Как это проверяется, покупается и продается? Как нам начать извлекать из этого смысл и сделать его актуальным для нашей жизни и опыта?

Этот самостоятельный курс будет отвечать на такие вопросы (и демистифицировать ключевые концепции) путем моделирования разговоров в четырех двадцатиминутных видеоинтервью с практиками из мира искусства.Лиззи Перротт, опытный педагог и высококвалифицированный коммуникатор, предлагает подход к обсуждению современного искусства. Художница Энн Кэррингтон, чьи работы были приобретены такими музеями, как V&A, и коллекционерами, такими как Гвинет Пэлтроу, рассказывает о своем вдохновении, о том, как она создает свои работы и как художник рассматривает заказы, коллекции и выставки. Виктория Помери OBE, директор Turner Contemporary, говорит о социальной и культурной ценности современного искусства и о том, как современные галереи могут привести к экономическому возрождению.Тесса Лорд, глава лондонской вечерней распродажи послевоенного и современного искусства Christie’s, исследует продажу современного искусства и объясняет терминологию, используемую галереями и аукционными домами.

Курс проведет вас через эти интервью, побудит вас к их анализу и предоставит вам вопросы и способы мышления, которые вы можете применить к более широкому миру современного искусства в своих будущих беседах.

К этому курсу также прилагаются раздаточные материалы, объединяющие ключевые идеи, дополнительные чтения и задания, а также возможности применить на практике визуальный и словесный словарный запас, приобретенный в ходе курса.

Этот курс является самостоятельным. У студентов будет 12 недель с момента регистрации для завершения курса.

Этот курс сертифицирован CPD.

_

Запрос информации

Запросите дополнительную информацию о наших онлайн-курсах.

__

Изображения любезно предоставлены Энн Кэррингтон. © Энн Каррингтон Итоги

Результаты

К концу курса:

• Вы углубите свое понимание того, что подразумевается под термином «современное искусство», и процессов, с помощью которых оно создается, демонстрируется, просматривается, проверяется, оценивается и продается.

• Вы будете лучше понимать некоторые конкретные произведения современного искусства и их контекст в мире искусства.

• Вы научитесь методично подходить к художественному произведению и какие вопросы задавать ему, чтобы больше узнать о его внешнем виде, материалах, создателе и значении.

• Вы получите соответствующий словарный запас для обсуждения произведений современного искусства (и их контекстов в мире искусства).

• Вы поразмыслите над своими собственными вкусами и интересами, относящимися к области современного искусства, и углубите свое понимание того, как такие мнения могут формироваться и выражаться.

• Вы будете вооружены ключевыми темами для обсуждения, относящимися к области современного искусства, тем самым оттачивая аналитические и разговорные навыки, которые могут использоваться как в профессиональной, так и в личной среде.

Расписание курсов

Расписание курсов

2,5-часовая односекционная программа

Раздел 1 — Добро пожаловать — Определение современного искусства

Раздел 2 — Приближение к современному искусству, включая видеоинтервью с педагогом Лиззи Перотт

Раздел 3 — Создание современного искусства, включая видеоинтервью с художницей Энн Каррингтон

Раздел 4 — Влияние современного искусства, включая видеоинтервью с директором галереи Викторией Помери OBE

Раздел 5 — Продажа современного искусства, включая видеоинтервью с главой лондонской вечерней распродажи Christie’s по вопросам послевоенного и современного искусства Тессой Лорд

Раздел 6 — Применение уроков тематических исследований.

Брошюра онлайн-курса Брошюра онлайн-курса

Отзывы

Отзывы

«Тематические исследования и исследовательские ссылки обеспечили эффективный способ передачи информации».

«Мне понравилось, как он был разработан, он был привлекательным, а инструктор очень понятным.”

«Как современный галерист, я помог своей команде продаж из четырех человек пройти этот курс. Все (включая меня) сочли это информативным и ценным ».

«Я бы порекомендовал посещать самостоятельные занятия, когда это возможно. Я работаю и живу в Азии, поэтому этот формат гораздо более практичен для таких людей, как я, чтобы иметь возможность подключаться в любое время и в любом месте ».

«Мне особенно понравилось, как современное искусство было проанализировано с точки зрения различных профессионалов, работающих в сфере искусства.Это помогло мне развить широкий взгляд на мир современного искусства и учиться в интерактивном режиме »

«Я очень рекомендую этот курс. Учебная программа принесет пользу каждому, от новичка до профессионала. Я художник, который показывает свои работы на международном уровне в течение 40 лет, и у меня есть степень в области истории искусства, и я все еще чувствовал, что курс был очень информативным ».

«Мне очень понравились проведенные интервью.Я так много узнал. Мне нравилось иметь раздаточный материал для словарного запаса и делать заметки … и использовать его для каждого раздела с интервью. Темы интервью были отличным выбором — они могли очень ясно и страстно говорить о своей сфере деятельности ».

«Я бы порекомендовал этот курс, поскольку он предлагает легкий доступный способ подойти к предмету и подумать о некоторых ключевых аспектах мира современного искусства».

«Я думаю, как человек, работающий в мире современного искусства, но имеющий исторический опыт, это хорошее введение в базовый словарь и концепции.»

«Уроки были довольно краткими, но содержали в себе много ценной информации».

«Видео и вопросы по качеству были интересными и увлекательными. Хотя я изучал и исследовал мир современного искусства, скульптуры и музыки, Christie’s расширил мои знания. Спасибо, мне понравился этот курс ».

«Я полностью рекомендую этот класс.”

«Мне очень понравилась структура курса … Мне понравилась гибкость, позволяющая приходить и уходить, а также возвращаться и пересматривать разделы, чтобы усилить темы. Я действительно чувствую, что получил глубокое понимание современного искусства ».

Дополнительная информация

Дополнительная информация

На курс потребуется ок.2,5 часа учебного времени. Будут дополнительные задания и дополнительное чтение.

Прочтите наши часто задаваемые вопросы, чтобы узнать больше об онлайн-курсах.

Технические требования
Курс проводится через интерактивную среду обучения, совместимую с большинством современных браузеров. Студенты обязаны иметь надлежащее оборудование и программное обеспечение, необходимые для участия, а также доступ к Wi-Fi. Основные технические требования можно найти в FAQ.

Положения и условия
Пожалуйста, внимательно ознакомьтесь с нашими условиями перед записью на курс.

.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *