Воскресенье , 19 Сентябрь 2021

Современные искусства: список стилей и направлений, характерные особенности. Самые известные современные художники

Содержание

список стилей и направлений, характерные особенности. Самые известные современные художники

Современное искусство (англ. contemporary art) объединяет весь спектр течений, направлений и жанров, к которым обращались авторы с конца ХХ века до сегодняшнего дня. В условиях глобализации и развития технологий художники создают невероятно разнообразные произведения. В современном искусстве сложно найти общие черты и единые принципы — настолько оно индивидуально и разнопланово. Жанры и культурные традиции проникают друг в друга, а художники продолжают искать новые способы самовыражения и актуальные темы.

Современное искусство включает многочисленные художественные течения, сформировавшиеся в прошлом. Но к ним постоянно добавляются новые виды творчества. Вот приблизительный список направлений, возникших после 1990 года:

  • GPS-рисование.
  • Mission School.
  • Superflat.
  • Superstroke.
  • Taring Padi.
  • Verdadism.
  • Альтермодерн.
  • Арт-интервенция.
  • Артивизм.
  • Артхаусная игра.
  • Био-арт.
  • Брендализм.
  • Виртуальное искусство.
  • Гибридное искусство.
  • Гиперреальность.
  • Движение китча.
  • Девиантное искусство.
  • Дефастенизм.
  • Индидженизм.
  • Интентизм.
  • Информационное искусство.
  • Искусство взаимоотношений.
  • Максимализм.
  • Массюрреализм.
  • Метамодернизм.
  • Молодые британские художники.
  • Нет-арт.
  • Новая готика.
  • Новая европейская живопись.
  • Новая лейпцигская школа.
  • Новая эстетика.
  • Пассионизм.
  • Пост-интернет искусство.
  • Постчерное искусство.
  • Программное искусство.
  • Псевдореализм.
  • Ремодернизм.
  • Скульптура возобновляемой энергии.
  • Солнечное искусство.
  • Стакизм.
  • Стрит-арт.
  • Тактические медиа.
  • Тоизм.
  • Циничный реализм.
  • Эволюционное искусство.
  • Эковенция.

Что называется современным искусством?

Современное искусство на Западе обозначается двумя терминами: art modern и contemporary art. Первый характеризует творческие процессы с конца XIX века примерно до середины прошлого столетия. Второй относится к произведениям с послевоенного до настоящего времени. Но и такого разделения уже недостаточно. Время идет, и бывшие вчера передовыми работы становятся историей. Особенно остро это чувствуют музеи современного искусства, поскольку их приобретения постепенно устаревают.

В настоящее время принято относить к контемпорари арт произведения, созданные за последние 50, 30 или 20 лет.

В русском языке современное искусство испытывает трудности с точным определением и временными рамками: термин часто употребляется по отношению к произведениям большей части XX и всего XXI века. В 1990-е появилось понятие «актуальное искусство», но так называли только самые новаторские или радикальные техники, и сейчас это выражение используется редко.

Другой вариант определения термина «современное искусство» — это творчество художников, которые еще живы и продолжают работать.

Характерные признаки современного искусства

Если вы слышите слово «импрессионизм», то сразу вспоминаете пейзажи Клода Моне (Oscar-Claude Monet) или портреты Огюста Ренуара (Pierre-Auguste Renoir). Высокое Возрождение, эпоха Рококо, Товарищество передвижников — каждое течение или школа предлагают узнаваемые образы, сюжеты и техники. Сейчас это правило уже не работает. Один лишь тот факт, что художник современный, как и место его проживания, ничего не скажут вам о стиле, формах или тематике произведений. Можно назвать несколько признаков, характерных для современного искусства в целом:

  • Огромное разнообразие техник и материалов — от известных со старых времен до цифровых. Зарождение множества новых направлений.
  • Появление в творчестве новых тем: миграции, экологии, гендерной идентичности, искусственного интеллекта и многих других.
  • Взаимосвязь национальных культур, которые влияют друг на друга через интернет, международные выставки и перемещение художников.
  • Сосуществование традиционных жанров с новейшими и их смешивание, когда это помогает реализовать художественный замысел.
  • Расширение понятия «искусство» и включение того, что ранее относилось к ремеслам или другим сферам. Например, комиксы и дизайн одежды.
  • Появление «совместного искусства», в котором арт-объекты направлены на прямое взаимодействие со зрителем.

Самые известные современные художники

В настоящее время продолжают работать многие признанные мастера, прославившиеся более 50 лет назад, но появляются и новые яркие имена. Вот лишь несколько самых известных современных художников, представляющих старое и новое поколения:

  • Герхард Рихтер (Gerhard Richter). Немецкий художник, которому скоро исполнится 90 лет, успел за долгую жизнь поработать в жанрах поп-арта, абстракции, минимализма и фотореализма. В последние годы он продолжает создавать новые работы и экспериментировать с материалами.
  • Яёи Кусама. Японская художница, автор ярких картин, коллажей, скульптур, инсталляций и перформансов. Продажи на аукционах сделали ее самой дорогой из ныне живущих художниц, а выставки 2017-2019 годов собирали огромные очереди.
  • Дэвид Хокни (David Hockney). В 2018 году этот автор стал самым дорогим из современных художников. Его картина «Бассейн с двумя фигурами» была продана более чем за 90 миллионов долларов. В последние годы Хокни создает новые произведения с помощью гаджетов — iPhone и iPad.
  • Аниш Капур (Anish Kapoor). Этот британский автор знаменит абстрактными скульптурами. Несколько лет назад он получил эксклюзивное право использовать в творчестве «самый черный цвет», получаемый по технологии Vantablack.
  • Джефф Кунс (Jeff Koons). Американский скульптор, создающий концептуальные фигуры из отполированной до зеркального блеска стали. Скульптуры имитируют пластик и другие современные материалы. Самая узнаваемая работа — «Собака из шариков».
  • Дэмьен Херст (Damien Hirst). Самый известный участник группы «Молодые британские художники». Всемирную известность ему принесли работы с мертвыми животными, сохраненными в формальдегиде, и скульптура «За любовь Господа» в виде усыпанного бриллиантами черепа.
  • Бэнкси. Анонимный британский художник, о реальной личности и биографии которого почти ничего не известно. Бэнкси работает в жанре стрит-арта, создавая сатирические граффити на остросоциальные темы.

Познакомиться с произведениями современного искусства предлагают многие музеи. Один из самых известных в мире — Современная галерея Тейт в Лондоне, в России — музей «Гараж» в Москве. Сегодня мы можем наблюдать, как зарождается искусство будущего. Но лишь спустя некоторое время станет понятно, какие из новых течений получат развитие, а какие будут забыты.

10 самых необычных форм современного искусства

© www.goodmood-gm.com

Искусство существует почти так же долго, как и люди. Но древние художники, занимающиеся наскальной живописью, вряд ли могли себе представить, какие странные формы может принимать искусство современное.

1. Анаморфоз

Анаморфоз — это техника создания изображений, полностью увидеть и понять которые можно только взглянув на них под определённым углом, или с определённого места. В некоторых случаях правильное изображение можно увидеть только если смотреть на зеркальное отражение картины. Один из самых ранних примеров анаморфоза продемонстрировал Леонардо да Винчи в 15 веке. Другие исторические примеры этого вида искусства появились в эпоху Возрождения.

На протяжении веков эта техника развивалась. Началось всё с трёхмерных изображений, получаемых на обычной бумаге, и постепенно дошло до уличного искусства, когда художники имитируют различные отверстия в стенах, или трещины в земле.

А самый интересный современный пример — анаморфная печать. Однажды студенты Джозеф Иган и Хантер Томпсон, изучающие графический дизайн, нанесли на стены в коридорах своего колледжа искажённые тексты, прочитать которые можно было, только если посмотреть на них с определённой точки.

© blog.thomasjquinn.com© blog.thomasjquinn.com© www.rebloggy.com© www.rebloggy.com© www.josephegan.co.uk© www.josephegan.co.uk

2. Фотореализм

© Richard Estes

Начиная с 60-х годов движение фотореалистов стремилось создать предельно реалистичные изображения, которые были почти неотличимы от реальных фотографий. Копируя мельчайшие детали, фиксируемые камерой, художники-фотореалисты стремились создать «картину картины жизни».

© Richard Estes

Ещё одно движение, известное как супер-реализм (или гипер-реализм), охватывает не только живопись, но и скульптуру. Также это движение находится под сильным влиянием современной поп-арт культуры. Но в то время как в поп-арте повседневные образы стараются из контекста убрать, фотореализм напротив, концентрируется на образах обычной, повседневной жизни, воссоздаваемых с максимально возможной точностью.

© Richard Estes

К наиболее знаменитым художникам-фотореалистам относятся Ричард Эстес, Одри Флэк, Чак Клоуз и скульптор Дуэй Хэнсон. Движение очень неоднозначно воспринимается критиками, которые считают, что в нём механическое мастерство явно превалирует над стелем и идеями.

© Audrey Flack© Audrey Flack© Chuck Close© Chuck Close© Duane Hanson© Duane Hanson© Duane Hanson

3. Рисование на грязных машинах

Скотт Уэйд / © www.pixelsmithstudios. com

Рисование на грязи, скопившейся на давно не мытой машине, тоже считается искусством, лучшие представители которого стремятся изобразить несколько больше банальных надписей вида «помой меня».

© CNW Group/CARSTAR Collision & Glass Centres

52-летний графический дизайнер по имени Скотт Уэйд стал очень известен из-за своих удивительных рисунков, которые он создавал, используя грязь на стёклах машин.

© www.n4gm.com

А начал художник с того, что использовал в качестве холста толстый слой пыли на дорогах Техаса, на дорогах он рисовал различные карикатуры, а создавал он их с помощью собственных пальцев, ногтей и небольших сучьев.

© www.dirtycarart.com

В настоящее время для рисования он использует специальные щётки, с помощью которых создаёт удивительно зрелищные и сложные картины. Постепенно Уэйда стали показывать на различных художественных выставках, также его стали нанимать рекламодатели для того, чтобы он продемонстрировал своё мастерство на их мероприятиях.

4. Использование жидкостей организма в искусстве

© Hermann Nitsch

Это может показаться странным, но существует много художников, использующих в своих работах жидкости организма. Возможно, вы уже где-то читали об этом, но скорее всего, это была лишь верхушка этого отвратительного айсберга.

Херманн Нич / © maldoror-is-dead.blogspot.com

К примеру, художник из Австрии Херманн Нич использует в своей работе собственную мочу и большое количество крови животных. Подобные пристрастия возникли у него ещё в детстве, которое пришлось на Вторую мировую войну, и эти пристрастия на протяжении многих лет вызывали споры, было даже несколько судебных разбирательств.

© Vinicius Quesada

Другой художник из Бразилии по имени Винициус Кесада работает с собственной кровью, и не использует кровь животных. Его картины, с болезненными оттенками красного, жёлтого и зелёного, передают очень мрачную, сюрреалистическую атмосферу.

© Vinicius Quesada

5. Рисование частями собственного тела

Не только художники, использующие телесные жидкости, находятся сейчас на подъёме. Также набирает популярность использование частей собственного тела в качестве кистей. Взять хотя бы Тима Патча. Он больше известен под псевдонимом «Прикассо», который он взял в честь великого испанского художника Пабло Пикассо. А ещё он известен тем, что использует собственный пенис в качестве кисти. Этот 65-летний австралиец вообще не любит себя ни в чём ограничивать, так что помимо пениса он также использует для рисования ягодицы и мошонку. Этим необычным делом Патч занимается уже более 10 лет. И его популярность растёт год от года.

Тим Патч / © www.nydailynews.com

А Кира Айн Варседжи использует собственную грудь для того, чтобы рисовать абстрактные портреты. Хотя её часто критикуют, она, тем не менее, остаётся полноценным художником, который работает ежедневно (картины она также пишет и без использования груди).

Кира Айн Варседжи / © en.geourdu.co

К другим художникам в этой странной области искусства относится Ани К, рисующий языком, и Стивен Мармер, школьный учитель, рисующий собственными ягодицами.

Ани К / © www.tu-tu-tu.comСтивен Мармер / © www.styleweekly.com

6. Реверс трёхмерных изображений

© Alexa Meade

В то время как анаморфоз старается сделать двумерные объекты похожими на трёхмерные, реверс трёхмерных изображений пытается сделать так, чтобы трёхмерный объект стал похож на двумерный рисунок.

© Alexa Meade

Наиболее заметным художником в этой области является Алекса Мид из Лос-Анджелеса. В своей работе Мид использует нетоксичную акриловую краску, с помощью которой она заставляет своих ассистентов стать похожими на неодушевлённые двумерные картины.

© Alexa Meade

Эту технику Мид начала разрабатывать ещё в 2008-м году, а публике она была представлена в 2009-м году.

© Alexa Meade

Работы Мид, это, как правило, человек, сидящий у стены, и окрашенный таким образом, чтобы у зрителя возникла иллюзия того, что перед ним — обычный холст с обычным портретом. Чтобы создать такое произведение, может потребоваться несколько часов.

© Alexa Meade

Другой значимой фигурой в этой области является Синтия Грейг, художник и фотограф из Детройта. В отличие от Мид, Грейг использует в работе не людей, а обычные бытовые предметы. Она покрывает их углём и белой краской для того, чтобы они со стороны выглядели плоскими.

© Cynthia Greig© Cynthia Greig© Cynthia Greig

7. Тени в искусстве

© Kumi Yamashita

Тени по своей природе мимолётны, так что трудно сказать, когда люди впервые начали использовать их для создания произведений искусства. Но современные «теневые художники» достигли невиданных высот в использовании теней. Художники используют тщательное позиционирование различных объектов для того, чтобы создавать красивые теневые образы людей, предметов или слов.

© Kumi Yamashita

Наиболее заметные художники в этой области — Куми Ямашита и Фред Ердекенс.

© Fred Eerdekens© Fred Eerdekens© Fred Eerdekens© Fred Eerdekens

Конечно, у теней несколько жутковатая репутация, и многие «теневые художники» используют в своих работах тематику ужасов, разрухи и городского упадка. Этим славятся Тим Нобл и Сью Вебстер. Самое известное их произведение называется «Грязный белый мусор», в котором мусорная куча бросает тень на двух людей, которые пьют и курят. В другой работе видна тень птицы, возможно, тень ворона, который клюёт пару отрубленных голов, насаженных на колья.

© Tim Noble & Sue Webster© Tim Noble & Sue Webster

8. «Обратное граффити»

© Paul «Moose» Curtis

Как и рисование на грязных машинах, «обратное граффити» предполагает создание картины с помощью удаления лишней грязи, а не с помощью добавления краски. Художники часто используют мощные моечные установки, позволяющие удалить грязь со стен, и в процессе создать прекрасные образы. Началось всё это с художника Пола «Муза» Кертиса, который нарисовал свою первую картину на чёрной от никотина стене ресторана, в котором он мыл посуду.

© Paul «Moose» Curtis

Другой заметный художник — Бен Лонг из Великобритании, он практикует несколько упрощённую версию «обратного граффити», используя собственный палец для удаления грязи со стен, скопившейся там из-за выхлопов машин. Его рисунки держатся на удивление долго, до шести месяцев, при условии, что их не смоет дождь или не уничтожат вандалы.

Ben Long / © mediacentre.kallaway.co.uk

Следует отметить, что «обратное граффити» — искусство достаточно спорное. У того же Кертиса, например, уже было несколько стычек с полицией, которые он сравнивает с «арестом человека, ковыряющегося палкой в песке».

9. Боди-арт иллюзии

© www.ignant.de

Рисованием не теле в течение многих веков занимались буквально все. Даже древние египтяне и майя пробовали в этом свои силы. Однако боди-арт иллюзии поднимают эту древнюю практику на совершенно новый уровень. Как следует из названия, боди-арт иллюзия подразумевает использование человеческого тела в качестве холста, но на холсте этом создаётся нечто, способное обмануть наблюдателя. Иллюзии на теле могут варьироваться от людей, раскрашенных как животные или машины, до образов дыр или ран, зияющих в теле.

© www.telegraph.co.uk

Наиболее ярким представителем этого вида искусства считается художник из Японии Хикару Чо который известен своими необычными, «мультяшными» иллюзиями.

© www.lostateminor.com© www.telegraph.co.uk© www.huffpost.com© www.lostateminor.com

10. Рисование светом

© www.lightpaintingphotography.com

Как ни странно, самые первые практики световой живописи не воспринимали её как искусство. Фрэнк и Лилиан Гилбрет занимались проблемой повышения эффективности промышленных рабочих. В 1914-м году пара начала использовать свет и камеру для того, чтобы записать некоторые движения людей. Изучив полученные световые образы, они надеялись найти способы сделать работу персонала легче и проще.

© www.tutophoto.com

А в искусстве этот метод начал использоваться в 1935-м году, когда художник-сюрреалист Ман Рэй использовал фотокамеру с отрытым затвором для того, чтобы снять самого себя, стоящего в потоках света. Очень долго никто не догадывался о том, что это за световые завитки изображены на фото. И только в 2009-м году стало ясно, что это не набор случайных световых завитков, а зеркальное отображение подписи художника.

Современное искусство - это.

.. Что такое Современное искусство?

Современное искусство (англ. contemporary art; в 90-х годах в ходу был перевод «актуальное искусство») — совокупность художественных практик, сложившихся во второй половине ХХ века. Обычно под современным искусством понимают искусство, восходящее к модернизму, или находящееся в противоречии с этим явлением. Не случайно, что существуют Museums of Modern Art и Museums of Contemporary Art, в коллекциях которых часто можно обнаружить работы одних и тех же авторов.

История термина

Впервые слово contemporary / «современное» по отношению к искусству употребила Розалинда Краусс (вероятно, самая влиятельная из ныне-живущих аналитиков современного искусства, ученица Клемента Гринберга) в своей диссертации о работах Дэвида Смита, тем самым бросив вызов нескольким посылам истории искусств. В лекции «Что такое современное искусство?» профессор Университета Южной Калифорнии Ричард Мейерс отмечает, что термин «современное искусство» был применен к искусству Дэвида Смита, что было связано более с отчётами аукционных лейблов, чем с временем его создания[1].

Краткая история современного искусства

Современное искусство в нынешнем своем виде сформировалось на рубеже 1960-70-х годов. Художественные искания того времени можно охарактеризовать как поиск альтернатив модернизму (зачастую это выливалось в отрицание через введение прямо противоположных модернизму принципов). Это выразилось в поиске новых образов, новых средств и материалов выражения, вплоть до дематериализации объекта (перформансы и хеппенинги). Многие художники последовали за французскими философами, предложившими термин «постмодернизм». Можно сказать, что произошел сдвиг от объекта к процессу.

Самыми заметными явлениями рубежа 60-х и 70-х годов можно назвать развитие концептуального искусства и минимализма. В 70-х заметно усилилась социальная направленность арт-процесса как с точки зрения содержания (тем, подымаемых в творчестве художниками), так и состава: самым заметным явлением середины 70-х стал феминизм в искусстве, а также нарастание активности этнических меньшинств (1980-е) и социальных групп.

Конец 70-х и 80-е годы охарактеризовались «усталостью» от концептуального искусства и минимализма и возвратом интереса к изобразительности, цвету и фигуративности (расцвет таких движений как «Новые дикие»). На середину 80-х приходится время подъёма движений, активно использующих образы массовой культуры — кэмпизм, искусство ист-виллиджа, набирает силы нео-поп. К этому же времени относится расцвет фотографии в искусстве — всё больше художников начинают обращаться к ней как к средству художественного выражения.

На арт-процесс большое влияние оказало развитие технологий: в 60-х — видео и аудио, затем — компьютеры, и в 90-х — Интернет[2].

Начало 2000-х годов отмечено разочарованием в возможностях технических средств для художественных практик. При этом конструктивных философских оправданий современному искусству 21 века пока не появилось. Некоторые художники 2000-х полагают, что «современное искусство» становится инструментом власти «постдемократического (англ. [3] общества[4]. Этот процесс вызывает энтузиазм у представителей арт-системы, и пессимизм у художников.

Ряд художников 2000-х, возвращается к товарному объекту отказываясь от процесса и предлагают коммерчески-выгодную попытку модернизма 21 века.

Актуальное искусство

В России 90-х использовался также термин «актуальное искусство», который во многом схож, но не тождественен по смыслу термину «современное искусство». Под актуальным искусством участники художественного процесса в России подразумевали новаторское современное искусство (в плане идей и/или технических средств). Актуальное искусство быстро устарело, и вопрос вхождения его в историю современного искусства 20-го или 21-го столетия открыт. Участники художественного процесса в России наделяли определение «актуальное искусство» смыслом, которое в свое время приписывалось авангардизму (новаторство, радикальность, использование новых техник и приемов).

Институции современного искусства

Зрители в музее современного искусства в Денвере.

Современное искусство экспонируется галереями современного искусства, частными коллекционерами, коммерческими корпорациями, государственными художественными организациями, музеями современного искусства, арт-студиями или самими художниками в artist-run space. Современные художники получают финансовую поддержку за счёт грантов, наград и премий, а также получают средства от продаж своих работ. Российская практика несколько отличается в этом смысле от западной.

Существует тесная связь между государственными учреждениями, занимающимися современным искусством и коммерческим сектором. Например, в Великобритании большинство работ ключевых современных художников, выставленных в государственных музеях, приобретены у нескольких влиятельных арт-дилеров[5].

Музеи, Биеннале, фестивали и ярмарки современного искусства постепенно становятся инструментами привлечения капитала, инвестиций в туристический бизнес или частью государственной политики (см., например, Пермский музей современного искусства).

Частные коллекционеры оказывают большое влияние на всю систему современного искусства. Например, на рынке современного искусства Великобритании с 1980-х годов доминирует Чарльз Саатчи, с именем которого иногда связывают целое десятилетие в британском современном искусстве[6].

Попытки непосредственно интегрироваться в систему современного искусства предпринимают коммерческие корпорации: проводят выставки современного искусства на своей территории, организуют и спонсируют премии в области современного искусства и приобретают работы художников, формируют большие коллекции[7].

Институции современного искусства нередко выступают объектом критики со стороны художников и независимых арт-критиков. Такой вид деятельности называется институциональная критика. В России этот вид практики отсутствует за редкими исключениями (такими, как например творчество Авдея Тер-оганьяна[8]).

См. также

  • Течения и направления в современном искусстве
  • На Украине современное искусство представлено в основном в жанре живописи, инсталляций,видеоарта . Представителями Новой волны считаются киевские и одеские художники такие как Арсен Савадов,Василий Цаголов,Александр Гнилицкий,Олег Тистол,Максим Мамсиков,Игорь Гусев,Илья Исупов,Владимир Кожухарь,Bondero(Вадим Бондеро)
  • Музей современного искусства
  • Искусство (журнал)

Примечания

  1. Richard Meyers on Contemporary Art’s implications for art history :: The Daily Gazette
  2. образовательный ресурс UbuWeb
  3. Постдемократия — желаемое и выстраданное будущее Новой России в третьем тысячелетии Первые попытки серьёзного, вдумчивого разговора о постдемократии в России наталкиваются на …
  4. «A Crime Against Art»
  5. Derrick Chong in Iain Robertson, Understanding International Art Markets And Management, Routledge, 2005, p95. ISBN 0-415-33956-1
  6. Chin-Tao Wu, Privatising Culture: Corporate Art Intervention Since the 1980s, Verso, 2002, p300. ISBN 1-85984-472-3
  7. Chin-Tao Wu, Privatising Culture: Corporate Art Intervention Since the 1980s, Verso, 2002, p14. ISBN 1-85984-472-3
  8. Будрайтскис И. Авдей Тер-Оганьян, или Последний авангардист // Художественный журнал. — 2008. — № 70.

Источники

  • Art Since 1900: Modernism, Antimodernism, Postmodernism, by Hal Foster, Rosalind Kranss, Yve-Alain Bois and Benjamin HWD. Buchloh, New York, Thames and Hudson, 2005;
  • Андреева Е. Ю. Постмодернизм: Искусство второй половины ХХ — начала XXI века. СПб.: Азбука-классика, 2007. — 488 с.: ил. ISBN 5-352-01984-5
  • «Art Now. Vol 3» Издательство Taschen, 2008
  • Мировое искусство. Иллюстрированная энциклопедия. Направления и течения от импрессионизма до наших дней.

Ссылки

«Современное искусство и размышление о реальности».

В рамках выставки номинантов Премии Кандинcкого 2014 в Ударнике, прошел открытый урок на тему: «Современное искусство и размышление о реальности». В совместном проекте Премии Кандинского и радио Свобода приняли участие московские школьники, экспозиционер выставки – Антонио Джеуза и художник Николай Наседкин. Вела обсуждение Тамара Ляленкова.

Текстовая версия:

Тамара Ляленкова: Сегодня у нас открытый урок на выставке Премии Кандинского. Современное искусство как отражение реальности и хроника утопии — на эту тему сегодня будут говорить ученики московских школ, лицеев, Высшей школы экономики и экспозиционер выставки, доктор философии Антонио Джеуза, а также художник, один из номинантов Премии Кандинского Николай Наседкин.

Антонио Джеуза: Выставка эта именно для публики, для вас. Мы организовали здесь такое пространство, в нем три уровня. Подвал, первый этаж, большой зал — бывший кинозал, и еще у большого зала есть балкон.

Тамара Ляленкова: О пространстве кинотеатр «Ударник», где разместилась выставка номинантов Премии Кандинского, рассказывает Антонио Джеуза.

Антонио Джеуза: Мы сейчас на первом этаже, и я хочу сказать несколько слов о произведениях, которые показаны на первом этаже. Работа называется «Все, что я знаю об уличном искусстве». Что интересно, не это произведение, не фотография здесь номинирована как лучшая работа, а именно текст. Искусство большое внимание обращает на текст, на слова, особенно когда идет речь о концептуальном искусстве, очень важен текст, идея. Не форма, не что мы видим, какая-то инсталляция, а идея очень важна. И здесь для нас важно документироваться эту работу, этот текст. Художник из Екатеринбурга — Тимофей Радя, прямо на улице его манифест. Это уличное искусство. Прямо на здании он написал его манифест. И очень важно, когда художник именно пишет о работе. Кстати, это работа-финалист, одна из трех среди молодых художников. Можете прочитать сами…

- Место культуры — в человеке. Почему что-то считается легальным, а что-то нет? Если рассматривать вопрос в плоскости материального, то он прост и легко поддается контролю.

- Это связь, которая возникает между частями, которые не должны быть связаны. Этой связи не должно быть.

- Работа, сделанная там, где нельзя, обладает особой силой.

- Знать — значит, делать. Делать — значит, не бояться.

Тамара Ляленкова: Это были фрагменты работы екатеринбургского художника Тимофея Ради «Все, что я знаю об уличном искусстве», которую он разместил на поверхности огромной стены.

Антонио Джеуза: Вы знаете, искусство — для зрителей. Ходить на выставки очень хорошо, потому что искусство от нас, от зрителей, все время спрашивает, чтобы мы активно смотрели работы. Читать — это тоже какое-то дело. Это не просто смотреть на фотографии. Например, какой-то художник что-то рассказывает, и вы можете быть согласны, не согласны, но это факт, что мы сами здесь смотрим на искусство и пытается понять, что художник хотел сказать, его месседж, сообщение. Это очень важный момент, особенно в современном искусстве. Современное искусство заставляет нас все время думать, это не такое пассивное занятие, как смотреть телевизор. Очень важно в современном искусстве, чтобы от нас, от зрителей, были какие-то реакции, эмоции, чтобы человек шел после выставки и думал о работах.

Здесь работа очень большая, здание огромное, ему понадобился кран, лестницы. Это завод какой-то, индустриальное здание. И писать это все непросто. Это не только написать текст, но у художника есть воля, чтобы этот текст жил на улице. Вот граффити — это тоже форма уличного искусства, и художники эти не очень известные. Многие люди не воспринимают граффити или искусство, которое живет на улице, как искусство, они считают, что искусство должно жить в музее. Не всегда. Музей — это очень важное, это сакральное место, но улица — это, наоборот, место, где все люди все ходят, и там есть какой-то диалог с публикой. Я делаю уличное искусство, потому что хочу вам что-то рассказать. И эта работа нам объясняет свой манифест.

- Глубина и чистота — сложные критерии. Они применимы не только к конкретной идее, но и ко всему языку, который использует и разрабатывает художник.

- Страх — обязательный элемент работы на улице.

- Если идея родилась, ты не можешь от нее отказаться, ты не можешь отказываться от своих идей. Знать — значит, делать. Делать — значит, не бояться. Страх — обязательный элемент работы. Людям, которые этот страх не преодолевали, может показаться, что это смелые поступки. Так и есть!

- Искренность — сильнейший инструмент, требующий особого рода ответственности и правил.

Тамара Ляленкова: Для восприятия искусства, которое здесь представлено, требуется особое состояние? Или легко понимать то, что художник хотел сказать?

- Конечно, все зависит от какой-то подготовки. Не могу сказать, что, чтобы воспринимать современное искусство, нужны какие-то сверхспособности или особенные здания. И у классического, и у современного искусства есть свой язык. Нельзя сказать, что классику Боттичелли мы воспринимаем с первого взгляда, и нам все идеально понятно, а эти работы совсем непонятны, и разобраться в них намного сложнее. Не могу сказать, что это слишком сложно.

- Мне кажется, что именно в России для нас это какой-то барьер предубеждений, который люди уже заведомо негативно относятся к современному искусству и заведомо не хотят его понимать, и объявляют его непонятным и неясным. И проблема, скорее, уже в этом барьере, как его преодолеть. И поэтому мне кажется, что фильм Коробкова просто гениален в том плане, что он злободневен, он для России, для этого дня, когда тебе предоставляют искусство, объясняют его, все в одном. То есть у тебя не возникает такого количества вопросов, и ты уже не можешь оправдываться этим барьером и непониманием. И я считаю, что, да, вопрос, скорее, даже не в том, нужны объяснения или нет, а в том, как подходит к этому человек, в его желании, стремлении.

- Мне кажется, к современному искусству, на самом деле, нужно приучать себя, много смотреть. Его сложно действительно понять. И я, поскольку хочу поступать на искусствоведческий, я буду стараться понимать, посещать различные выставки. На самом деле, не могу сказать, что мне абсолютно все понятно, но когда вот рассказывают, ты вдумываешься в это, и тебе это кажется очевидным. Но чтобы там с первого взгляда посмотреть — достаточно сложно понять смысл чего-то, что хотел передать автор картины или какого-либо произведения.

- Мне очень нравится современное искусство. Я не могу сказать, что я до конца понимаю все, но когда объясняют, и я смотрю на картины, вроде бы все становится понятно.

Тамара Ляленкова: Каким образом искусство должно работать, как вам кажется? Зачем вы ходите сюда?

- Я думаю, что в первую очередь для развития. Мне нравится, мне приятно ходить по музеям, смотреть различные выставки. И мне кажется, больше для ума.

- Мне кажется, что, говоря вообще о контексте Премии Кандинского, которая, в частности, учитывает работы за последние два года, то есть вот именно, как сказал предыдущий оратор, злободневные, очень актуальные, остро актуальные, надо разбираться не только и не столько в искусстве, сколько в том, что происходит в мире, происходит вокруг тебя. И тогда, по крайней мере, первое какое-то сообщение художника как-то понятно, как-то отзывается. То есть язык в каких-то работах оказывается не столь принципиальным, что-то ты точно поймешь. И интересно сравнить, что политическая тема неизбежно присутствует в работах здесь. На предыдущей премии, например, была работа с видеороликом, который иллюстрировал что-то вроде походного набора революционера, чтобы удобно было ходить на митинге, что этот предмет можно разложить как транспарант, а можно как столик, а можно им накрыться от дождя, такой митинг с комфортом, протестный комфорт. Сейчас это уже воспринимается без иронии, работы гораздо более серьезные и трагичные.

- Вообще, почему это искусство называют современным? Потому что большинство из этих работ — это запечатленная случайность. Это искусство действительно не массовое. Если кто-то из зрителей современного искусств напишет не современное что-то, что-то массовое под впечатлением от этого искусства, тогда оно действительно повлияет на мир. А так, в общем-то, оно влияет достаточно косвенно и очень сложно. И представленное современное искусство — понятно, что в нем есть философия, что оно не крепкое, все мы бренны, но этим оно и плохо, что от него останутся только репродукции. Никто не любит репродукции, и его уже не так будут ценить, если вообще будут ценить, в чем я сомневаюсь.

Николай Наседкин: Каждый сам по себе. И это очень важный момент — выбор, позиция жизненная. Нет заказчика, чтобы массы как-то воспитывать и так далее.

Тамара Ляленкова: В чем заключается ценности современного искусства и классического? Очень долго искусство было востребовано и развивалось именно по этой причине, потому что были люди, которые заказывали, и художники, которые это делали. Современное актуальное искусство — здесь другой путь.

Антонио Джеуза: Вы должны понимать, я говорю это как экспозиционер, и у меня есть большой опыт кураторства, я не выставляю произведения, объекты, я выставляю людей, у которых есть дар. Они смотрят на мир и делают произведения. Это их личный с нами диалог. Каждый объект — это предложение. Может быть, его сложно понимать, поэтому экспликации очень важны, они идут вместе с произведениями. Это опыт — смотреть выставку. Важно, что мы здесь показываем, как эти люди, художники смотрят на мир. И прелесть современного искусства в том, что оно никогда не врет. Это то, как мы живем, современное искусство отражает наш мир. Самая фантастическая работа или простые фотографии — они все показывают наш мир, как он есть. И это делают художники, у которых есть особый дар, специфика, как они на это смотрят, и они нам дарят все это.

Почему не для массы? Это уже наша функция как искусствоведов — объяснить искусство. Это массы далеко от искусства, а не художники далеко от масс. Это очень важный момент. Как оценить — это уже другой процесс. Если идет речь о цене, каких-то деньгах, это уже не параметр.

Тамара Ляленкова: Когда говорят об искусстве, имеют в виду какие-то художественные параметры.

Николай Наседкин: Это же потом выбирает человек. То есть современники могут ошибаться. Если там есть какие-то ценности, которые будут нам нужны, оно будет востребовано. Это не измеряется деньгами, еще чем-то. Нужна эта идея человеку или нет — этим только измеряется, это и есть главная ценность. Если это говорит что-то тебе, оно становится классическим со временем, мы потом это все объединяем в объективное мнение, которое расставляет все на места. Я хочу сказать, что вы все, кто здесь собрался, абсолютно все понимаете, и не надо этому учиться, а надо доверять какому-то чувству и все.

Тамара Ляленкова: В чем ценность, предназначение современного искусства?

- По-моему, одна из ценностей современного искусства в том, что его образовательные, воспитательные функции трансформировались и на этом пространстве точно они не педагогичные, не дидактичные, а они как раз открывают пространство для диалога. То есть мы вольны не соглашаться с автором, спорить с ним, и это здорово. Авторы провоцируют на то, чтобы думать, мысль развивается, идет движение вперед. И еще замечательно то, что на этом пространстве опять же есть какая-то впечатляющая возможность говорить о том, о чем все знают, но многие боятся признаться. Например, впечатляющая работа «Деньги на ветер» — о том, как из пяти олимпийских колец летят пятитысячные купюры, — это еще и вопрос авторитета. Когда я поднимала этот вопрос или в диалоге возникал вопрос о Сочи, некоторые мои собеседники реагировали так: «А что, неужели это должно было быть представлено бедно или мы должны были плохо это сделать? Мы потратили деньги, и это было хорошо, было полезно, мы показали уровень». А мои слабые аргументы против людьми не воспринимались. А здесь, возможно, художник имеет большие авторитет, и людей, которые номинированы на премию, это тоже волнует.

- То есть тут искусство борется против искусства. Потому что Олимпиада — это, по сути, тоже искусство.

Антонио Джеуза: А кто сказал, что это про Сочи? Это ваша ассоциация, искусство так на вас действует, а в работе этого нет. Видите, как широко здесь идет диалог с вами!

- То есть искусство, как только почувствует ответственность, сразу убегает от ответственности за свое высказывание?

Антонио Джеуза: Во-первых, главный здесь — художник, который предложил эту работу, и остается его личное мнение. Вы можете быть с ним согласны или не согласны.

- Но если у нас двоих возникла ассоциация с Сочи, скорее всего, тема Сочи закладывалась. Но Олимпиада в Сочи — это тоже предмет искусства.

Антонио Джеуза: Художник не критикует Олимпиаду, церемония открытия или закрытия. Это уже ваше видение!

- Я просто хотела бы сказать насчет массовости и насчет непонятности современного искусства обывателю, простым людям. Я считаю, что это совсем не так. Мне кажется, что современное искусство более понятно обществу, оно более понятно так называемой средней прослойке, чем та же классика была понятна простым людям тогда, когда она создавалась. На полотнах, в экспозиция, на каких-то перформансах мы видим в первую очередь то, что нас окружает. Это ясно и понятно. И считаю, что современное искусство — очень полезное явление, если можно так выразиться.

Николай Наседкин: Вообще, современный день очень трудно выразить. И если на вас это действует, значит, это получилось. И эта площадка Премии Кандинского для нас очень важна в том отношении, что здесь единственное место в Москве, где можно показать какие-то свои вещи, показать идеи. Пришла к тебе идея, но ее еще нужно показать, чтобы люди ее увидели. На мой взгляд, это актуальная, теплая и интересная экспозиция. Она сделана где-то традиционно, в общем-то, устаревшими методами, тут нет никакой электроники и так далее. Тем не менее, она пытается как-то своей архаикой воздействовать на чувства. Вопрос стоит кардинально: все мы смертны, и сейчас вопрос состоит в том, выживет вообще человечество или нет. И вопросы на этой выставке именно так и расставлены — по какому пути идти, как все будет развиваться, за счет каких ресурсов. Ресурсы земли кончаются. Человеческие ресурсы вроде бы разрастаются, но уходят в никуда. Может быть, это такая утопия художников, но эти вопросы, по крайней мере, ставятся здесь. Вот в Москве несколько раз устраивался такой футурологический конгресс, немецкая сторона была и русская, и там эти вопросы ставились. Проблем полно, и никто этим не занимается. Бизнес деньги в это вкладывать не будет, государство тоже в это не вкладывает. Кто? Иначе конфликты и катаклизмы обеспечены. И наша выставка, наш отдел как раз старается сказать об этом, но сказать не литературным языком, а пластическим.

В данном случае это перевернутое дерево — тоже такой традиционный символ, древо жизни. Это Петр Белый, такой вот советский рай. Как выход из положения — хрущевские пятиэтажки. Вот довольно оригинальное решение ширмы. Вкладывание денег, и так они этот стадион в Питере и не достроили. Да, эти ребята из Питера. А мы из Москвы, вот Женя, Егор — Москва, и я — Москва. Вот это мой объект. Моя объект называется «Москва-Сити». Это такая и пародия, и в то же время что-то такое прокричать. И прокричать не мне одному, а с помощью… (включает сирену). Но здесь, к сожалению, слабый звук, потому что огромное пространство, поэтому он так теряется. Так как вы такие клоуны и пытаемся что-то повторять или вперед паровоза бежать, теперь вот модно строить эти объекты. И это такая пародия, для чего это, как вписано в пространство, разрушает это пространство. Хотя во временем все это, может быть, сотрется и будет нормой какой-то.

- Мне нравится это искусство прежде всего потому, что оно очень дешевое. И мне это очень нравится!

Николай Наседкин: Нет, оно не дешевое, я вам скажу. Потому что все эти краски, которые здесь, стоит стоят… И в основном здесь краски советского периода, все эти тюбики, потому что тогда все это было гораздо дешевле.

- То есть вам все это стоило денег.

Николай Наседкин: Конечно! И еще каких! Вот, например, в той башне много выброшенных на ветер денег.

- А почему вы не могли все это словами изъяснить?

Николай Наседкин: Можно, но нет таланта. Одно дело — вам рассказать, а другое — написать и быть убедительным. Это большая разница. И потом, поработать руками — это же приятно. Порубить, постучать, перенести… А потом еще попробовать материал.

- Мне кажется, что искусство все-таки не должно иметь рядом с собой разъясняющую табличку. Эта табличка как костыль, как будто искусство без этого уже не искусство. Искусство должно быть понятно с первого взгляда.

Николай Наседкин: Но вы же не можете по-английски заговорить сразу, не зная. Или там прочесть какую-то формулу. Тем более такое искусство. Этому надо как-то учиться и иметь к этому предрасположенность.

- Насколько я поняла, в башнях задействованы отходы из вашей мастерской, то есть ваши личные вещи. С одной стороны, это мусор, но с другой стороны, совсем нет.

Николай Наседкин: Да, происходит какая-то непонятная трансформация. Вот, например, сваленные тюбики — это какая-то имитация, какая-то замена. Вот мы, как люди, там все собраны. Например, взрыв башен — помните эти кадры? И все это рушится, все это уничтожается, рассыпается… То есть наш мир, он такой хрупкий, что может в один момент рассыпаться просто. В данном случае это еще разговор и об этом. И тот же крик — это какой-то отсыл, может быть, из прошлых веков, такой вот Мунк, норвежец, его крик. И этот крик имеет такую метафизическую основу. Космическая бездна, зарождение шумов, звуков — это тоже на эту тему. Потом, момент хаоса, который как-то организован, как-то живет. Мы же все возникли из этого хаоса.

- Эта работа и работа, которая у нас за спиной, по материалам, по их использованию напоминает во многом «арте поверо», но в варианте «русское бедное», потому что «арте поверо» — это когда художники, прежде всего итальянские художники, используют какие-то материалы, которые буквально можно найти на помойке…

Николай Наседкин: Это все вообще крайне интересно! Мы вступаем в новую эпоху, когда все это происходит помимо нас. Искусство — везде! Абсолютно. Ничего не спрятано, никаких тайн нет, все открыто. Даже щепка, мусор — все это превращается, трансформируется. И в этом есть гуманизм, это какая-то надежда и обращение, что мы этот мир как-то для себя объясним и спасем.

- Я летом была в Екатеринбурге, на выставке «Русское бедное», которая была организована в первую очередь Маратом Гельманом, и там было очень интересное замечание о том, что для европейских и итальянских художников это использование материалов было интересным, каким-то новым, необычным языком, новой техникой, а у русских художников часто просто были такие обстоятельства, что больше другого материала не было.

Николай Наседкин: Ну, это шутка.

- Просто это выражено в пластике, по-моему, еще и потому, что изображение Москва-Сити, даже если там не были, так или иначе видели и представляют контекст, и это сообщение очевидно, оно считывается мгновенно. Этот кричащий контраст прочитается, мне кажется, любым посетителем, даже без таблички.

Антонио Джеуза: Конечно, такой масштаб, такая столица, как Москва, такая страна, как Россия, современное искусство здесь очень нужно. Это, конечно, мое мнение, но, думаю, не только мое.

Тамара Ляленкова: А какие проблемы у современного искусства? И в советский период был авангард, были значительные работы, которые уезжали и за границу, в том числе. То, что сейчас, просто не выросло и здесь не востребовано, не смотрят? Так же как и с российской современной академической музыкой, которую играют за границей, но не знают здесь?

Антонио Джеуза: Нельзя сказать, что в России совсем ничего не происходит. Художники здесь живут и много чего делают. И сама Премия Кандинского — это доказательство, что искусство здесь здорово. Если речь идет о массах, это уже проблема популяризации современного искусства, но не содержания. Потому что в России работают прекрасные талантливые художники. Может быть, у них мало денег, чтобы делать большие инсталляция, чтобы публиковать книги, важный момент, о дискуссии о современном искусстве. Но действительно, здесь живут прекрасные художники. Надо дать им больше возможностей работать. Если они делают работы, где их показывать? В Москве должно быть 30 музеев современного искусства!

Николай Наседкин: И еще проблема — негде хранить.

Антонио Джеуза: Ну, территория не маленькая у России, чтобы хранить произведения. (смеется) Место есть.

Николай Наседкин: Нет запасников, нет фондов.

Антонио Джеуза: Это проблемы уже технические. Если искусство не врет, оно войдет в историю, оно останется. Хотите понимать, какая была жизнь здесь 50 лет назад — смотрите работы нонконформистов, это много чего дополнительно дает. И сегодня другие условия, но что волнует сегодня художников? Проблемы коммуникации. Мы все живем в глобальной деревне, и нужен диалог. В конце концов, только последние 20 лет художники могут выставлять свои работы широкой публике, до этого все было закрыто. Первые галереи появились после распада Советского Союза. И это только вызов — когда не только другу ты показываешь работу, но и человеку, который не знает об этом, это уже другие работы, другие формы. И искусство меняет формат, раньше художники делали маленькие работы, которые в чемодане могли перевозить, сейчас работы больше, есть инсталляции большие. Николай сделал выставку в московском Музее современного искусства, когда были огромные, большие инсталляции, и зрители ходили внутри инсталляций. Конечно, 30 лет назад такие инсталляции художники не могли делать. И диалог с публикой получается другой, другие проблемы у художника.

Современное искусство — территория свободы и территория эксперимента, где есть и ошибки. Потому что живой материал. Видели инсталляцию Ирины Кориной, где стройка, на втором этаже. Там костюмы есть, еще что-то, но в принципе, там идет ремонт. Вы не думали, что наша жизнь — это постоянный ремонт? Мы что-то делаем… и даже вы, как молодые люди, тоже постоянно меняете свою жизнь. Это метафора нашей жизни, эта работа об этом говорит. Говорит ярко, это язык художника. И опять, каждая работа — маленькое приключение для любого человека.

Тамара Ляленкова: Много отсылок к прошлому, к предметному прошлому. В какие-то вещи заложены смыслы, которые были важны и обозначают что-то из советского времени. Антонио, вам, как иностранцу, что-то это такое говорит? Это же надо знать. И ребята тоже в каком-то смысле иностранцы, они в советский период не жили, и такие вещи, наверное, уже и из дома вынесены. Насколько для вас понятны те смыслы, которые закладываются в такие вот вещи, которые уже, вообще говоря, и не живут?

- Наверное, последнее, что иностранец помнит о русском искусстве, это советское. Когда мы заходим в «Тейт модерн», мы видим из русского искусства — эмигрант Пуни и потом зал советского плаката. Наверное, СССР — это образ, который сложно истребить со временем, который очень понятен за рубежом, который вспоминается.

Антонио Джеуза: Опять же это взгляд автора, художника. Для меня, как иностранца, это действительно не мой мир, я не вырос здесь, но могу понимать, как было здесь жить. Конечно, это будет мое понимание, но мне эти работы объясняют много чего, какой была жизнь тогда, что художник с этим делает, и как быть дальше. Это достижения, которые были, и которые важны до сих пор. Поэтому это тоже способ изучать людей, жизнь людей, как было и как есть. Что касается «Тейт модерн», они покупают новых художников, не только советских. Недавно Монастырский, Орлов, «Коллективные действия», Тимур Новиков вошли в коллекции. Так что диалог с другими институциями идет через искусство.

- Но именно современно искусство там не выставлено. Они покупаются, но не выставляются.

Антонио Джеуза: Они же только привезли, дайте им время!

- Я хотела сказать вообще о теме советского, которая постоянно возвращается, не утихает в дискуссиях в прессе. Концепция культурной травмы, это один из способов, возможно, как-то наметить пути ее преодоления — показать, что об этом можно говорить, и это уже не так страшно, как кажется, и можно отойти от какого-то единственного восприятия советского, это можно показать, об этом можно говорить. Привычка, которая насаждалась долго в Советского Союзе, говорить максимально в официальной, монументальной риторике, она все еще сильна. Но понимание современного искусства есть, диалог идет все смелее и смелее, но он все равно еще робкий и боязливый. Это видно даже по произведениям, которые напрямую взаимодействуют со зрителем, то есть те, которые можно трогать, к которым можно близко подходить, их можно вертеть в руках, — этот интерактив все еще иногда неожиданен, что ты не можешь не просто глазеть на что-то сакральное, а действительно с этим играть.

- Я заметил, что люди часто воспринимают свою жизнь как двоичный код: хорошо — плохо, есть — нету, мужчина — женщина… И люди никогда не будут относиться к Советскому Союзу как-то так, как он заслуживает, чтобы к нему относились. И вообще ни к какому другому историческому событию или периоду. На мой взгляд, не сказать, что этот период однозначно плохой или однозначно хороший. Мне кажется, что скоро будут воспринимать Советский Союз как однозначное зло, и я против этого, но людям так проще.

Антонио Джеуза: Мы сейчас говорим об искусстве, которое здесь в контексте премии показано. У каждого художника есть свое высказывание о прошлом, но сказать, что было плохо, этого нет. У каждого есть свое высказывание, которое остается как их мнение.

- Я не согласен. Мне кажется, что советская культура, советский период, он всегда будет оцениваться неоднозначно. То есть у всех есть разные точки зрения, и этим люди отличаются друг от друга, что нет как бы тоталитарного общества. В современном мире нет тоталитарных обществ, когда все думают одинаково, одеты одинаково, у всех одинаковые мысли. Я считаю, что мультикультурализм вписывается в современный мир.

- Я считаю, что образ СССР настолько крепко в сознании русского человека, даже в моем… Я не жила в то время, я не жила теми реалиями, но в некоторых работах, в которых совершенно нет отсылок к Советскому Союзу, я, к сожалению, чисто подсознательно вижу его черты. Например, в той работе, что за вами. Там красный цвет, рожь, колосья, серп и молот, советский фильм… Я не знаю, плохо это или хорошо, это тоже очень неоднозначный вопрос…

Антонио Джеуза: Это часть жизни. И художник достаточно молодой.

- И это очень не скоро уйдет из сознания русского человека. И не должно уходить. Это часть истории, это часть культуры. это то же самое, что, к примеру, русская барокко. Никто же не говорит, что это плохо. Советский Союз — это тоже всего лишь, если рассматривать это как культурное явление, одна из…

Антонио Джеуза: Искусство помогает понимать больше, другой взгляд, другая точка зрения — это все об этом речь сейчас. Мачулина, это инсталляция. Есть двухканального вида инсталляции, два монитора и живопись, и еще здесь есть стихи Некрасова. Это целый опыт такой, целое миниприключение эта инсталляция. Но интересно здесь, что, в принципе, урожай, все спокойно, и классические даже образы, какие-то богини на первый взгляд. Но когда вы внимательно смотрите… Я уже говорили, что современное искусство требует внимания, чтобы вы внимательно смотрели на искусство. Когда вы внимательно смотрите на картину, например, смотрите — нога не маленькая, большая, губы, пальцы… Когда внимание идет на детали, эта работа нам о жизни говорит. Тут такой фрагмент еще советского фильма — достаточно некорректный разговор, мужчина, женщина и ребенок, который играет на аккордеоне, и мужчина говорит: «Хорошо, что он умеет играть. Если он будет слепым, он сможет зарабатывать и просить деньги». Это не очень хороший по смыслу диалог, странный диалог, но жизнь об этом. Так что вроде бы все хорошо, все прекрасно, но когда мы смотрим внимательно — есть деталь, что-то не то. И в принципе, очень хорошо это организовано, потому что на первый взгляд все спокойно, но когда мы внимательно слушаем и читаем слова здесь или смотрим внимательно картины…

Вот, дорогие зрители, вы внимательно смотрите, когда смотрите на жизнь? Особенно сейчас, как мы живем. У нас визуальный образ значит очень много. Мы уже все начали воспринимать без внимания, уже нам почти все равно, что происходит. А художник нам говорит: делаем паузу, смотрим внимательно. И тогда все ясно! Когда мы это замечаем, тут есть полуулыбка — какая-то награда нам, поскольку мы это поняли. И интересные, как самые разные объекты могут вызывать разные ощущения у нас. Есть еще другие работы.

- Про рожь. Вот мы заговорили о Советском Союзе — и сразу в ассоциативном ряду рожь превратилась в серп и молот. Если такие метаморфозы происходят, достаточно кардинальные, не может ли получиться так, что художник точно не хотел именно это выражать, что угодно, кроме этого. И тогда получается, что, если его это произведение станет великим, а его поймут противоположно, это же мучение, на мой взгляд, художника, что он хотел как-то повлиять на кого-то, если он вообще это выставил, показал кому-то, он хотел получить какой-то отклик, а получил ровно противоположный отклик. Значит, он сделал себе антипода.

Николай Наседкин: У вас ассоциация идет к советскому периоду. А здесь, пожалуйста, Венецианов, здесь разные иконописные традиции, и красный цвет вообще не коммунистический, это вообще радостный цвет. Сейчас идет, конечно, затухающая волна, все, это уже преодолели, но дело в том, что тут была сверхидея, почему она и привлекательна, почему весь мир этого ждал. То, что получилось, мы видим. И чем силен русский авангард, и он обязан русской революции — потому что они были свободны, у них были сверхидеи, они этот мир пытались завоевать, то есть была такая чистая сверхидея. Царство Божие не получилось, и не получится. И вот эта такая ностальгия, она закономерна. Но тут не надо искать какие-то особые смыслы, это так, это приложение, материал. Вы правильно сказали, что очень робко затрагиваются новые, современные какие-то вещи. Сейчас, наоборот, это можно так обыграть, что это мертвая идея, она задерживает какое-то наше развитие, нынешнее. Вот это очень важно. Это является таким тормозом, к сожалению.

- Мне кажется, что этот подход очень похож на фильм про мышку и людей. Это же фильм не про мышек, которые создают себе виртуальных мышек, это фильм про людей. И он робко так рассказан, как о мышках рассказан ребенком. И тут то же самое с современным искусством. Мы рассказываем как бы о прошлом, но говорим о будущем, и этот подход, он очень такой тактичный, робкий, но он трогает, он эмоционален. И мне кажется, что это нужно развивать, и может быть, потом голос изменится. Я очень рада, если «Ударник» станет музеем, как планируется, и мне будет интересно посмотреть на пространство, как оно изменится. Потому что сейчас оно уникально. Это как смесь белого куба и дворцовых залов. И буду внимательно за этим следить. Спасибо вам огромное!

- Наверное резюмируя как-то работу в целом, в общем, и то, что мы говорили о сложности, как вообще об этом говорить и как к этому относиться, можно сказать, что работы представлены здесь в самых разных видах, стилях, жанрах и так далее, и это говорит о том, что язык вот этот, живописный, художественный, пластический, образный, какой угодно, он развит больше, чем язык говорения, язык слов. И как раз о том, что есть возможности говорить о современности и актуально как-то на нее отзываться, мгновенно реагировать, откликаться в художественных образах, метафорах оказывается в каком-то смысле, может быть, проще, и это происходит быстрее, чем нахождение каких-то определенных слов, чтобы это сказать. Возможно, потому что все равно слово может оставлять меньше простора для интерпретации, чем вот эти образы, которые провоцируют на дискуссии каждого.

Тамара Ляленкова: Сегодняшняя дискуссия проходила в кинотеатре «Ударник», на выставке номинантов Премии Кандинского.

Оригинал на сайте «Радио Свобода»

Стили и направления живописи

Существует огромное разнообразие стилей и направлений в изобразительном искусстве. Часто они не имеют четко выраженных границ и плавно переходят из одного в другой, находясь в непрерывном развитии, смешении и противодействии. В рамках одного исторического художественного стиля всегда зарождается новый, а тот, в свою очередь, переходит в следующий и т.д. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому «чистых стилей» вообще не бывает. У нас вы можете заказать портрет по фотографии на холсте.

Абстракционизм

(произошло от лат. abstractio – удаление, отвлечение) – направление искусства, отказавшееся от приближенного к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма – достижение гармонии, создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Главными представителями абстракционизма были: Василий Кандинский (1866-1944), Пабло Пикассо (1881-1973).

Авангардизм

(произошло от фр. avant-garde – передовой отряд) – совокупность экспериментальных, модернистских, подчеркнуто необычных, поисковых начинаний в искусстве 20 века. Авангардными направлениями являются: фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм, сюрреализм, акционизм, поп-арт, концептуальное искусство.

Академизм

(от фр. academisme) – направление в европейской живописи XVI-XIX веков. Основывалось на догматическом следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и эпохи Возрождения. Академизм восполнял в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты. В этом стиле писали Аннибале, Агостино и Лодовико Карраччи.

Акционизм

(от англ. action art – искусство действия) – хэппенинг, перформанс, эвент, искусство процесса, искусство демонстрации и ряд других форм возникших в авангардистском искусстве 1960-х годов. В соответствии с идеологией акционизма художник должен заниматься организацией событий, процессов. Акционизм стремится стереть грань между искусством и действительностью. Наиболее известный представитель акционизма – Джексон Поллок.

Алла прима

(аля прим) (произошло от итал. alla prima – в первый момент) – разновидность техники масляной живописи, предусматривающая выполнение картины (или её фрагмента) за один сеанс, без предварительных прописок и подмалевка.

Ампир

(произошло от франц. empire – империя) – стиль в архитектуре и декоративном искусстве возникший во Франции в начале XIX в., в период Первой Империи Наполеона Бонапарта. Ампир – финал развития классицизма. Для воплощения величества, изысканности, роскоши, мощи и воинской силы Ампиру характерно обращение к античному искусству: древнеегипетским декоративным формам (военные трофеи, крылатые сфинксы…), этрусским вазам, помпейской росписи, греческому и римскому декору, ренессансных фрескам и орнаментам. Главным представителем этого стиля был Ж.Л.Давид (картины “Клятва Горациев” (1784), “Брут” (1789))

Анималистика

(произошло от лат. animal – животное) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются животные.

Аппликация

(произошло от лат. applicatio – прикладывание) – способ создания орнаментов, изображений путём наклеивания на холст разноцветных кусочков какого-либо материала.

Анахронизм

(от греч. ana – обратно и hronos – время), другое название – гиперманьеризм – одно из направлений постмодернизма, предлагающее авторскую интерпретацию искусства прошлого. Анахронизм возник в конце 1970-х гг. в Италии, позднее и во Франции. Мастера анахронизма: Карло Мария Мариани, Омар Галлиани, Луиджи Онтани, Стефано ди Стасио, Убальдо Бартолини, Антонио Аббате, Жан Гаруй.

Андеграунд

(от англ. underground – подполье, подземелье) – ряд художественных направлений в современном искусстве, противопоставляющих себя массовой культуре, мейнстриму. Андеграунд отвергает и нарушает принятые в обществе политические, моральные и этические ориентации и типы поведения, внедряя в повседневность асоциальное поведение. В советский период в силу строгости режима почти всякое неофициальное, т.е. не признанное властями, искусство оказывалось андеграундом.

Арте повера

(от ит. arte povera – бедное искусство) – художественное направление, объединившее художников из Рима, Турина, Милана и Генуи во второй половине XXв. Художники арте повера визуализировали диалог между природой и индустрией, используя промышленные или нехудожественные материалы, хотели освободить творчество от ограничений традиционных форм искусства и художественного пространства, а также играли с политическим измерением индустриальных материалов. Движение стало заметным явлением на международной арт-сцене, находясь в противостоянии и диалоге с минимализмом в Америке, который также использовал индустриальные материалы. С точки зрения художников арте повера, минимализм занимался аспектами формы и не затрагивал поэтические, политические и исторические проблемы, которые были важны для арте повера. Арте повера не было объединением художников, имеющим свой манифест. Это было прежде всего движение, которое при помощи куратора и критика было признано и классифицировано в своей совокупности.

Ар нуво

(от фр. art nouveau, буквально – новое искусство) – распространённое во многих странах (Бельгия, Франция, Англия, США и др.) название стиля модерн. Самый известный художник этого направления живописи: Альфонс Муха.

Арт деко

(от фр. art deco, сокр. от decoratif)- направление в искусстве в середине 20 века, обозначившее синтез авангарда и неоклассицизма, пришло на смену конструктивизму. Отличительные признаки этого направления: усталость, геометрические линии, роскошь, шик, дорогие материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа). Самым известным художником этого направления является Тамара де Лемпицка(1898-1980).

Аэрография

Техника живописного письма аэрографом (в переводе воздушная кисть – прибор для тонкого распыления краски сжатым воздухом) по трафарету.

Барокко

(произошло от итал. barocco – странный, причудливый или от порт. perola barroca – жемчужина неправильной формы, существуют и другие предположения о происхождении этого слова) – художественный стиль в искусстве позднего Возрождения. Отличительные признаки этого стиля: преувеличенность размеров, изломанность линий, обилие декоративных подробностей, тяжесть и колоссальность.

Бидермейер

(от нем. biedermeier – простодушный, обывательский) – направление в немецком и австрийском искусстве, распространённое в 1815-1848 годах. Стиль является ответвлением романтизма, пришедшего на смену ампиру, поэтому его иногда называют смесь ампира с романтизмом. В бидермейере формы стиля ампир преобразовывались в духе интимности и домашнего уюта. Для стиля характерно тонкое, тщательное изображение интерьера, природы и бытовых деталей. Представители бидермейера в живописи: Г. Ф. Керстинг, Людвиг Рихтер, Карл Шпицвег, Мориц фон Швинд и Фердинанд Вальдмюллер.

Батальный жанр

(произошло от фр. bataille – битва) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются темы войны: сражения, военные походы.

Бытовой жанр

(жанровая живопись) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются обыденные сцены из повседневной жизни человека без прикрас.

Ванитас

(от лат. vanitas, букв. – «суета, тщеславие») – жанр живописи эпохи барокко, аллегорический натюрморт, композиционным центром которого традиционно является человеческий череп. Подобные картины, ранняя стадия развития натюрморта, предназначались для напоминания о быстротечности жизни, тщетности удовольствий и неизбежности смерти. Наибольшее распространение получил во Фландрии и Нидерландах в XVI и XVII веках, отдельные примеры жанра встречаются во Франции и Испании.

Ведута 

жанр Венецианской живописи 18 века, в котором изображается городской пейзаж в виде панорамы, с соблюдением масштаба и пропорций. Великий представитель этого стиля в живописи – венецианский художник Каналетто (1697-1768). В России родоначальником архитектурной ведуты были живописцыФ.Я.Алексеев, М.Н.Воробьёв, С.Ф.Щедрин.

Веризм

(от итал. il verismo, от слова vero – истинный, правдивый) – реалистическое направление в итальянском изобразительном искусстве конца XIX века. Термин возник в XVII веке, употреблялся в изобразительном искусстве и обозначал реалистическую струю в живописи барокко. Затем термин возрождается во второй половине XIX века, являясь обозначением (весьма неопределёнными расплывчатым) реалистического и натуралистического направления в итальянском искусстве. Самыми известными художниками этого направления являютсяДж. Фаттори, С. Лега, Т. Синьрини, О. Боррани, В. Кабьянка,Дж. Аббати и др.

Возрождение

 или РЕНЕССАНС (от фр. renaissance, итал.rinascimento) – эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи – XIV-XVI века. Отличительная черта эпохи возрождения – светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» – так и появился термин. Рисуя картины традиционной религиозной тематики, художники начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении. Наиболее известные художники этого периода: Сандро Боттичелли (1447-1515),Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаэль Санти (1483-1520),Микеланджело Буонарроти (1475-1564), Тициан (1477-1576),Антонио Корреджо (1489-1534), Иероним Босх (1450-1516),Альбрехт Дюрер (1471-1528).

Геометрический абстракционизм

вид абстрактного искусства, композиции которого построены из ограниченного набора правильных форм и основных цветов.

Гиперреализм

ФОТОРЕАЛИЗМ, СУПЕРРЕАЛИЗМ – стиль в живописи и скульптуре, основанный на фотореализации объекта. Гиперреализм возник в США в середине 20 века. Главная цель гиперреализма показать действительность.

Городской пейзаж

(архитектурный пейзаж) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются городские улицы, здания.

Готика

(произошло от итал. gotico – непривычный, варварский) – период в развитии средневекового искусства, охватывавший почти все области культуры и развивавшийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры, а в эпоху Возрождения искусство средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению. Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику.

Графика

 искусство изображения предметов контурными линиями и штрихами. Иногда в графике допускается применение цветных пятен, но здесь они играют вспомогательную роль.

Гризайль

(произошло от фр. grisaille, от gris – серый) – вид декоративной живописи, выполняемой в разных оттенках какого-либо одного цвета (чаще серого). Гризайль применяется с 17 века, широко распространена в росписях интерьеров классицизма, главным образом как имитация скульптурного рельефа.

Дадаизм

(произошло от фр. dadaisme, dada – деревянная лошадка; в переносном смысле – бессвязный детский лепет) – модернистское литературно-художественное течение 1916-1922 годов, для которого характерны сознательный иррационализм и демонстративный антиэстетизм. Зародился во время Первой мировой войны в Цюрихе (Швейцария), как реакция на последствия войны, жестокость которой, по мнению дадаистов, подчеркнула бессмысленность существования. Рационализм и логика объявлялись одними из главных виновников опустошающих войн и конфликтов. Исходя из этого, дадаисты считали, что современную европейскую культуру необходимо уничтожить через разложение искусства. Самые известные дадаисты: Ханс Арп (1886-1966), Марсель Дюшан (1887-1968),Макс Эрнст (1891-1976), Филипп Супо (1897-1990), Тристан Тцара (1896-1963).

Декоративная живопись

живопись, созданная с целью украшения интерьера или дополнения к дизайну помещения.

Дивизионизм

(от франц. division – разделение), пуантилизм – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле:Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954), Камиль Писсарро, Люсьен Писсарро, Анри Эдмон Кросс, Шарль Теофил Ангран, Максимилиан Люс, Ипполит Птижан, Жорж Леммен, Тео Ван Риссельберге, Джованни Сегантини, Николай Мещеряков.

Импрессионизм

(от фр. impression – впечатление) – направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине 19 века. Импрессионисты избегали всяких подробностей в рисунке и пытались уловить общее впечатление от того, что видит глаз в конкретный момент. Этого эффекта они достигали при помощи цвета и фактуры. Самые известные художники этого направления живописи: Мане, Ренуар, Сезанн, Дега, Моне, Писсарро.

Караваджизм

стиль европейской живописи эпохи барокко, появившийся в Риме в конце XVI века. Основоположником этого стиля считается Караваджо. Караваджо оказал огромное влияние на развитие европейской реалистической живописи.
Революция Караваджо в области формы и иконографии живописи явилась результатом радикального изменения отношений между художником и внешним миром. Для караваджизма характерны: демократизм художественных идеалов; интерес к непосредственному воспроизведению натуры; драматизация изображения с помощью контрастов света и тени; стремление передать ощущение осязаемой материальности предметов; крупные планы; монументализация жанровых мотивов; бытовая трактовка религиозных и мифологических сюжетов.

Китч

 кич (от нем. kitsch – безвкусица) – термин, обозначающий одно из наиболее одиозных явлений массовой культуры, синоним псевдоискусства, в котором основное внимание уделяется экстравагантности внешнего облика, крикливости его элементов. По сути, китч – разновидность постмодернизма. Китч – это массовое искусство для избранных. Произведение, принадлежащее к китчу, должно быть сделано на высоком художественном уровне, в нем должен быть увлекательный сюжет, но это не настоящее произведение искусства в высоком смысле, а искусная подделка под него. В китче могут быть глубокие психологические коллизии, но там нет подлинных художественных открытий и откровений.

Классицизм

(произошло от лат. classicus – образцовый) – художественный стиль и эстетическое направление в европейской литературе и искусстве 17 – начала 19 вв., одной из важных черт которых являлось обращение к образам и формам античной литературы и искусства, как идеальному эстетическому эталону. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым, обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Интерес для классицизма представляет только вечное и неизменное. В каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства. Многие правила и каноны классицизм берет из античного искусства.

Клуазонизм

(от фр. cloison – перегородка) – термин, перенесенный в живопись из прикладного искусства. Суть данной системы заключается в том, что все полотно разделяется на несколько плоскостей разного цвета в соответствии с изображаемыми фигурами или предметами. Каждая из этих плоскостей очерчивается причудливо изгибающейся широкой контурной линией, как в  витражах свинцовыми перегородками. Главная роль в клуазонизме отводится чистым контрастным цветам, которые придают живописной плоскости особый декоративный эффект, поднимая линию горизонта и разрушая привычную перспективу натурного пространства. Фигуры уплощаются и становятся похожими на тени. Эта манера письма разработана Эмиль Бернаром и Л.Анкетеном в 1887 г.

Конструктивизм

направление в советском искусстве 20-х гг. ХХ в. Сторонники конструктивизма, выдвинув задачу конструирования окружающей среды, активно направляющей жизненные процессы, стремились осмыслить формообразующие возможности новой техники, ее логичных, целесообразных конструкций, а также эстетические возможности таких материалов, как металл, стекло, дерево. Показной роскоши конструктивисты стремились противопоставить простоту и подчеркнутый утилитаризм новых предметных форм, в чем они видели овеществление демократичности и новых отношений между людьми.

Космизм

(от греч. kosmos – организованный мир, kosma – украшение) – художественно-философское мировоззрение, в основе которого располагается знание о Космосе и представление о человеке как о гражданине Мира, а также о микрокосмосе, подобном Макрокосмосу. Космизм связан с астрономическими знаниями о Вселенной.

Кубизм

(от фр. cubisme, произошло от cube – куб) – модернистское направление в живописи начала ХХ века, которое выдвинуло на первый план формальную задачу конструирования объёмной формы на плоскости, сведя к минимуму изобразительно-познавательные функции искусства. Слово “кубисты” было употреблено в 1908 и 1909 французским критиком Л. Воселем как насмешливое прозвище группы художников, изображавших предметный мир в виде комбинации геометрических тел или фигур. Самый известный художник этого направления живописи: Пабло Пикассо (1881-1973).

Кубофутуризм

направление в искусстве авангарда в начале ХХ века, соединившее в себе наработки итальянских футуристов и французских кубистов.
Самые известные художники кубофутуризма: Казимир Малевич,Давид Бурлюк, Иван Клюин, Александра Экстер, Наталья Гончарова, Надежда Удальцова, Любовь Попова, Ольга Розанова, Иван Пуни.

Лоуброу арт

ПОП-СЮРРЕАЛИЗМ (от англ. lowbrow – малообразованный, непритязательный) – направление в изобразительном искусстве, возникшее в Лос-Анджелесе в конце 1970-х годов. На становление лоуброу арта повлияли панк-музыка, поп-искусство и другие субкультуры. У истоков движения стояли подземные карикатуристы Роберт Уильямс и Гэри Пэнтер, и художники Гэри Байсмэн и Тим Бискуп.)

Лучизм

живописное направление в русском искусстве 1910-х гг. Придумали этот стиль М. Ф. Ларионов и Н.С. Гончарова.
Лучизм это абстрактное искусство, основанное на вмещение световых спектров и светопередачи.

Маньеризм

(от итал. manierismo, от maniera – манера, стиль) – стиль в искусстве, основанный на усвоении манеры какого-нибудь большого мастера или определенной художественной школы.

Метареализм

(произошло от греч. meta – между, после, через и геalis – вещественный, действительный) – реализм многих реальностей, связанных непрерывностью метаболических превращений и перемен состояний. Есть реальность, открытая зрению муравья, и реальность, открытая блужданию электрона, и реальность, свёрнутая в математическую формулу. Метареальный образ, метаморфоза, метабола – способ взаимосвязи всех этих реальностей, утверждение их растущего единства.

Мизерабилизм

(от фр. miserable – несчастный) – направление изобразительного искусства, зародившееся во Франции после 1940-х годов. В рамках данного направления, на первое место выносятся принципы фигуративности, сюжетно-драматическое начало в живописи и графике, с подчеркиванием трагической обреченности, «покинутости» человека в мире. Основоположником мизерабилизма считается Франсис Грюбер.

Минимализм

(произошло от англ. minimal art – минимальное искусство) – художественное течение, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творческого самоограничения художника. Для минимализма характерен отказ от субъективности, репрезентации, иллюзионизма. Отвергая классические приемы и традиционные художественные материалы, минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрических форм и нейтральных цветов (черный, серый), малых объемов, применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства. Минимализм возник в США в первой половине 60-х гг. Среди наиболее репрезентативных минималистов: К. Андре, М. Бочнер,У. Де Мариа, Д. Флэвин, С. Ле Витт, Р. Мэнголд, Б. Мэрден, Р. Моррис, Р. Раймэн.

Модерн

(произошло от фр. moderne – новейший, современный) – cтиль в европейском и американском иcкyccтвe нa pyбeжe XIX-XX вeкoв. Модерн переосмысливал и стилизовал черты искусства разных эпox, и выpaбoтaл coбcтвeнныe xyдoжecтвeнныe пpиeмы, ocнoвaнныe нa пpинципax асимметрии, орнаментальности и декоративности. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, природных линий. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa – oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, напоминающих pacтитeльныe фopмы. Художники, писавшие в стиле модерн: Поль Гоген (1848-1903), Густав Климт (1862-1918).

Модернизм

(произошло от итал. modernismo – «современное течение») – общее название направлений искусства и литературы конца 19-20 века: кубизм, дадаизм, сюрреализм, модерн, футуризм, экспрессионизм, абстрактное искусство, функционализм, неоимпрессионизм, постимпрессионизм и т. п.

Натюрморт

(в переводе с фр. – мертвая, неодушевленная натура) – это художественное изображение различных предметов быта. Ими могут быть: посуда, домашняя утварь, фрукты, овощи, цветы, дичь или любое их сочетание. Самые известные школы в написание натюрморта – фламандская и голландская, в которых по-своему решили задачу передачи цвета и композиции.

Наив, наивное искусство

изобразительные виды народного искусства; творчество художников-самоучек; а также самодеятельное искусство.

Натурализм

(произошло от лат. naturalis – природный) – направление в литературе и искусстве последней трети 19 века, стремившееся к объективно точному и бесстрастному воспроизведению наблюдаемой реальности. Считается, что натурализм воспроизводит реальность без ее идейного осмысления, художественного обобщения, критической оценки и отбора.

Неоклассицизм

Де Стиль – термин, обозначающий художественные явления последней трети XIX-XX вв., которым присуще обращение к традициям античного искусства, искусства эпохи Возрождения или классицизма. Возникновение неоклассицизма обусловлено стремлением противопоставить некие “вечные” эстетические ценности тревожной и противоречивой реальности. Самый известный художник этого направления живописи: Адольф Вильям Бугро (1825-1905)

Неопластицизм

одна из ранних разновидностей абстрактного искусства. Создан к 1917 году нидерландским живописцем П. Мондрианом и др. художниками входившими в объединение “Стиль”. Для неопластицизма характерно, по словам его создателей, стремление к “универсальной гармонии”, выразившееся в строго уравновешенных комбинациях крупных прямоугольных фигур, четко разделенных перпендикулярными линиями черного цвета и окрашенных в локальные цвета основного спектра (с добавлением белого и серого тонов).

Неореализм

Неореализм

художественное направление, получившее развитие в изобразительном искусстве в середине XX века в ряде стран Европы и в США, представители которого на фоне модернистского искусства провозгласили возврат к реалистическим ценностям традиционных изобразительных форм.

Неоэкспрессионизм

направление в современной живописи, которое возникло в конце 1970-х и доминировало на арт-рынке до середины 1980-х. Неоэкспрессионизм возник в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1970-х. Неоэкспрессионисты вернулись к образности, фигуративности, живой и эмоциональной манере, ярким насыщенным цветам.

Ню

 (произошло от фр. nu – нагой, раздетый) – один из жанров изобразительного искусства, посвященный изображению нагого тела, преимущественно женского. В своём развитии ню тесно связан с изображением обнажённого человеческого тела и воплощает идеал красоты данной страны и эпохи. Ню зарождается в эпоху Возрождения в рамках мифологического, аллегорического, исторического и бытового жанров. Формирование ню как жанра происходит в 17 веке с распространением идей сенсуализма: изображения нагого тела проникаются откровенно чувственным началом.

Оп-Арт

(от англ. ор art, сокращение от optical art – оптическое искусство) – неоавангардистское течение в изобразительном искусстве, одна из поздних модификаций абстрактного искусства. В оп-арте эффекты пространственного перемещения, слияния и “парения” форм достигались введением резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий.

Орфизм

(от фр. orphisme, от Orpһée – Орфей) – направление во французской живописи 1910-х гг. Название дано в 1912 французским поэтом Аполлинером живописи художника Робер Делоне. Орфизм связан с кубизмом, футуризмом и экспрессионизмом. Основные особенности живописи этого стиля эстетизм, пластичность, ритмичность, изящество силуэтов и линий.
Мастера орфизма: Робер Делоне, Соня Терк-Делоне,Франтишек Купка, Франсис Пикабиа, Владимир Баранов-Россине, Фернан Леже, Морган Рассел.

Парсуна

(искаженное лат. persona – личность, особа) – первоначально синоним современного понятия портрет вне зависимости от стиля, техники изображения, места и времени написания. Понятие парсуна в значении произведения переходного периода от иконописи к светской портретной живописи предложено И.М. Снегирёвым в 1854 году.

Пастораль

(произошло от фр. pastorale, пастушеский, сельский) – жанр поэтизирующий мирную и простую сельскую жизнь.

Примитивизм

стиль живописи, зародившийся в XIX-XX веках. Примитивисты намеренно упрощали картину, делая её формы примитивными, как народное искусство, творчество ребенка или первобытного человека. Основное отличие от наивного искусства: наив – живопись непрофессионалов, а примитивизм – стилизованная живопись профессионалов. Самыми известными художниками этого направления являются Марк Шагал, Нико Пиросмани.

Поп-арт

(произошло от англ. popular art – популярное, общедоступное искусство или от pop – отрывистый звук, лёгкий хлопок) – буквально: искусство, производящее взрывной, шокирующий эффект – неоавангардистское направление в изобразительном искусстве. Поп арт получил распространение со 2-й половины 1950-х гг. в США. Художники этого направления воспроизводят буквально типичные предметы современного быта (вещи домашнего обихода, упаковку товаров, фрагменты интерьеров, детали машин…), популярные печатные изображения известных личностей, вырезки из газет или включают эти предметы и изображения в композиции. Отличительная черта поп-арта – сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или бесценно, одинаково красиво или безобразно, одинаково достойно или недостойно. Самые известные художники поп арта: Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг и Энди Уорхол.

(произошло от фр. слова portrait) – это художественное изображение человека с передачей его внутреннего мира. Делится на индивидуальный, групповой, парадный, автопортрет.

Постимпрессионизм

(произошло от фр. postimpressionisme, от лат. post – после и импрессионизм) – совокупность направлений, возникших во французском искусстве во второй половине 1980-х годов и пришедших на смену импрессионизму. Началом постимпрессионизма принято считать середину 1880-х, когда состоялась последняя выставка импрессионистов и был опубликован Манифест символизма (1886) поэта Жана Мореаса. Новые течения декларировали неприятие эстетики импрессионизма и реализма. Их объединяла готовность передавать в картинах не сиюминутные, но длительные, сущностные состояния жизни, как материальные, так и духовные. Поиски шли различными путями: это и пуантилизм (Жорж Сёра,Поль Синьяк), и символизм Поля Гогена.

Постмодернизм

(произошло от фр. postmodernisme – после модернизма) – новый художественный стиль, отличающийся от модернизма возвратом к красоте вторичной реальности, повествовательности, обращением к сюжету, мелодии, гармонии вторичных форм. Для постмодернизма характерно заимствование из разных эпох, регионов и субкультур стилей, образных мотивов и художественных приемов.

Прерафаэлитизм

(произошло от англ. pre перед и raphaelitism – Рафаэль) – эстетико-мистическое направление в английской поэзии и живописи во второй половине XIX в, образовавшееся в начале 50-х годов с целью борьбы против условности в английском искусстве викторианской эпохи, против академических традиций и слепого подражания классическим образцам.

Проторенессанс

(произошло (от греч. protos – первый и фр.Renaissance – Возрождение) – переходное направление в итальянском искусстве от эпохи Средневековья к эпохе Возрождения.

Пуантилизм

(дивизионизм) (произошло от фр. pointiller – писать точками) – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле: Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954).

Пуризм

(от фр. pur – чистый) – направление в живописи и архитектуре XX века, ищущее при создании своих произведений эстетической ясности, точности, подлинности в изображении. Это течение было создано французским художником Амеде Озенфаном и архитектором Ле Корбюзье в 1918 году с написанием ими художественного манифеста «После кубизма». Идеальной пропорцией в пуризме рассматривается золотое сечение и отвергается декоративность и манерность.

Реализм

(произошло от лат. геalis – вещественный, действительный) – направление в искусстве, характеризующееся изображением социальных, психологических и прочих явлений, максимально соответствующим действительности. Самые известные реалисты: Илья Репин, Иван Шишкин, Василий Поленов, Василий Суриков, Исаак Левитан.

Рококо

(происходит от фр. rococo, rocaille) – стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века. Отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко, рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. Со стилем барокко рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то рококо предпочитает изящество и лёгкость.

Романтизм

(произошло от фр. romantisme) – идейное и художественное направление в европейской и американской живописи конца 18 – начала 19 веков, выдвигавшее на первый план индивидуальность, наделяя ее идеальными устремлениями. Романтизм выделял главенство воображения и чувств. Его основная социально-идеологическая предпосылка – разочарование в буржуазной цивилизации, в социальном, промышленном, политическом и научном прогрессе. Самые известные живописцы этого жанра: Э. Делакруа, И.К. Айвазовский (1817-1900).

Иппический жанр

(произошло от греч. hippos – лошадь) – жанр изобразительного искусства, в котором главным мотивом является изображение лошади.

Исторический жанр

 жанр изобразительного искусства, посвященный историческим событиям и деятелям, а также социально значимым явлениям в истории общества.

Каприччо

(произошло от итал. capriccio, буквально – каприз, прихоть) – архитектурный пейзаж-фантазия. Самые известные художники писавшие каприччо: Франческо Гварди, Антонио Каналетто.

Марина

МОРСКОЙ ПЕЙЗАЖ  (произошло от фр. marine, итал.marina, от лат. marinus – морской) – жанр изобразительного искусства, изображающий морской вид. Яркий представитель этого жанра – И.К.Айвазовский (1817-1900).

Сентиментализм

(произошло от лат. sentiment – чувство) – направление западного искусства второй половины XVIII., выражающее разочарование в цивилизации, основанной на идеалах разума. Сентиментализм провозглашает чувство, уединенное размышление, простоту сельской жизни “маленького человека”. Идеологом сентиментализма считается Ж.Ж.Руссо. Художники, писавшие в этом жанре: Я.Ф. Хаккерт, Р.Уилсон, Т.Джонс, Дж.Форрестер, С.Дэлон.

Символизм

(происходит от фр. symbolisme) – одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России. Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Их экспериментаторский характер, стремление новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образцом для большинства современных направлений искусства. Художники символисты: Обри Бердслей, Михаил Врубель.

Стрит-арт

(от англ. street art – уличное искусство) – искусство, получившее развитие на улицах и в городских публичных местах. Включает в себя граффити, тэги, трафаретное граффити, стикер-арт, постеры, видео проекции, флэш-мобы и уличные инсталляции.

Материал подготовлен студией Art-Spb

интервью о сложностях понимания современное искусство.

Его работы находятся во многих крупных музеях мира. Один из самых известных представителей современного арта Георгий Пузенков поговорил с Дарьей Калачевой о том, почему так сложно понять современное искусство.

— Как правило, люди боятся того, что не понимают. В России это случилось с современным искусством. Можете попробовать развеять стереотип, что современное искусство — это только «гениталии на брусчатке», провокация и непонятность?

— Для начала скажу, что современное искусство — это то, что художники делают сегодня. В искусстве важны образы, которые созданы впервые, их нельзя повторять, как нельзя повторить уходящее время: они связаны друг с другом эстафетой. В музее мы видим искусство прошлого и думаем о прошлом. Современное искусство заставляет думать о настоящем. Но не надо забывать, что девяносто девять процентов актуального искусства никогда не попадет в музей по причине вторичности и отсутствия качества. Настоящий арт действует как вдох и выдох: вдыхается жизнь — выдыхается форма. Солнце встает день за днем, но каждый восход уникален, и поэтому он волнует. Так же и с искусством: искусство ремесленников все равно как восходящее фанерное солнце. Пикассо однажды сказал: «По сути дела, все зависит от тебя самого, от солнца с тысячей лучей внутри тебя, все остальное — ничто. Матисс потому Матисс, что у него внутри есть это солнце…» Это про искусство всех времен.

«Так и я смогу», — говорит обыватель своей жене про «Черный квадрат» Казимира Малевича. Сможете! Только вам надо придумать это и осуществить 100 лет назад»

Конечно, современное искусство не только «гениталии и провокация». Просто наивные зрители чаще реагируют в этой зоне.

Давайте выделим трех актеров на арт-сцене — художника, зрителя и масс-медиа — и рассмотрим по отдельности их роли и столкновение интересов.

Художниками рождаются и тратят на это «неблагодарное» занятие всю свою жизнь, 24 часа в сутки, 365 дней в году. Много лет учатся, читают об искусстве, думают, спорят с коллегами, ищут деньги на реализацию проектов (ведь даже маленький холстик чего-то стоит!) — и становятся профессионалами. Это значит, что художники, живущие в 2016 году, в курсе, что делали их коллеги в 1516 и 1916 году. Они также в курсе, что во все времена главной задачей в искусстве была новизна формы. Даже тогда, когда искусство находилось в рамках канонов, художник старался привнести новый взгляд и найти в каноне новый поворот. Это легко заметить на образцах ренессанса или барокко. Выдающийся пример — Иеронимус Босх, потрясающая выставка которого идет сейчас в музее Прадо в Мадриде. У него есть двусторонняя картина из жизни Христа: на одной стороне он обнаженный младенец, толкающий перед собой колясочку для хождения, а на другой — несет распятие! Скандал?! Его работы ценились элитой европейских дворов — он был признан при жизни, но неизвестно, что думали о нем обыватели. В нашем анализе это важный момент, потому что «мнение народа» сегодня играет совершенно иную роль нежели 500 или 100 лет назад. Возьмем другой пример: наш великий соотечественник Казимир Малевич с его супрематизмом и «Черным квадратом». Весь мир считает его главным художником ХХ века! В чем причина? Черное пятно вместо изображения — и такой успех… Кто интересуется искусством, понимает почему и знает, что Малевич, прекрасный рисовальщик, шел к этому отсутствию изображения, как Эйнштейн к своей формуле

E = MC2.

Стертый Малевич. 2002. Акрил, холст. 255 × 260 × 8 см. Московский музей современного искусства

Теперь вступает зритель — тот, который непрофессионал. Да-а, думает он, дурят нашего брата! «Так и я смогу, — говорит обыватель своей жене, — это все обман!» Обычно на такие реплики я отвечаю так: «Вы правы! Только вам надо придумать это и осуществить 100 лет назад. Поэтому немедленно отправляйтесь в 1913 год и сделайте выставку своего «Квадрата» на несколько дней раньше Малевича — и все, успех обеспечен! Только не забудьте вернуться в наше время и получить миллионы на аукционе…» Простодушный человек на вещи смотрит поверхностно, но уверен, что прав. Ему не приходит в голову давать советы физику или математику, но «улучшить искусство» он готов. Правда, бывает и другой зритель — благодарный зритель-профессионал, который не крушит выставки, не занимается самоуправством и самосудом, он хочет понять, почувствовать искусство и критиковать его по законам искусства, а не жизни.

Тут мы подошли к важному моменту: где кончается современное искусство и где начинается реальность? Я бы предложил так определить современное искусство: современное искусство — есть свободное высказывание художника по любому поводу, возникающее и существующее в зоне, называемой зоной искусства. Эта зона вступает в контакт с зоной жизни, существующей вне проявления авторской воли, и сталкивается с ней в процессе восприятия зрителем и презентации в массмедиа.

Башня времени Мона 500 (Mona Time Tower 500). 2004. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Все обозначенное художником как искусство — это есть искусство, но качество его зависит от других параметров и оценивается только исторически. Сегодня мы замечаем, что искусство стремится расшириться до социальных, политических, экономических, технологических, финансовых, юридических и этических границ самой жизни, хотя, как правило, этот процесс сопровождается неприятием и скандалами. Эстетика в меньшей степени участвует сегодня в главных битвах «за расширение границ» (скандалов там нет), они происходят на «военном» театре соприкосновения жизни и искусства, пытающегося влиять на жизнь. Этим, например, занимается сегодняшний акционизм. Там есть определенная эстетика, селекция приемов и учет контекста действия. Будучи художником, я берусь утверждать, что эти акции — осмысленный художественный жест профессионалов. Подчеркну: я говорю об исключительных случаях, которые «тянут на рекорд», но они встречаются редко. Нужен талант и смелость, чтобы совершить «красивую и умную» акцию, — лично я на такое не готов, да и большинство художников не будет готово никогда. Повтор тоже не годится: это как одноразовый шприц — после употребления выбрасывают. Художник — не сумасшедший и не хулиган, но его действие часто интерпретируют так, ведь, как сказал Франк Стелла: «Ты видишь то, что видишь»! И неподготовленный зритель говорит: «Мне не нравится!» Ему можно ответить: «Не смотри!» Такой ответ тоже не нравится: он уже успел обидеться.

«Тренд — это куда хотят попасть все, а бренд — то, что от художника остается!»

Мне всегда режет слух пророчество: «А если все начнут так делать!» Не начнут, энергии и желания не хватит, да и выдумки тоже. И нет опасности, что все современные художники «все бросят» и займутся исключительно акционизмом. Для творческого ума работы хватит во всех направлениях. А оценочная сторона вопроса? Только через много лет будет обозначена важность вклада того или иного художника в искусство. Искусством занимаются люди, и смотрят на него тоже люди — сами по себе картины и инсталляции ничего не значат, они важны как объекты коммуникации, создающие фантомные иллюзии. Спорят не по поводу предметов, а по поводу образов!

Как однажды сказал Нильс Бор: «Нет человека — нет физики!» То же самое можно повторить: «Нет человека — нет современного искусства»…

— Слово «перформанс» пугает людей не меньше. Помнится, известный деятель современного искусства Наталья Эденмонт убивала кроликов и мышей во имя искусства. Есть ли приличные и понятные перформансы?

— Я бы прокомментировал ваш пример так: она не перформансист, а фотохудожник. Автор сообщает нам, что кролики и мыши были ею убиты (чего, к счастью, никто никогда не видел). Она создает миф, построенный на изображении и рассказе. В этом конкретном случае перформанс отсутствует, ибо в нем обязаны принимать участие зрители.

В 1960 году Ив Кляйн сделал свой знаменитый перформанс «Синяя антропометрия»: в присутствии публики оркестр исполнял Монотонную симфонию Кляйна, a создатель «абсолютного» синего цвета, краски IKB, словно дирижер, руководил обнаженными моделями, которые покрывали друг друга IKB и прижимались к холстам. Тела девушек Ив Кляйн называл «живой кистью», а их отпечатки — «антропометриями». Этот идеально исполненный перформанс вошел в историю искусства как образ «вживления модели в картину». Много лет спустя, в 2009 году, на выставке в ММСИ «Кто боится?», я устроил перформанс «10 стирателей». Это стало антитезой образу Кляйна, ответом из другого времени: я нарисовал 20-метровую картину «живыми ластиками», срывая-стирая заложенные в основу картины шаблоны-маски при помощи ассистировавших десяти натурщиц. Перформансом я хотел подчеркнуть технологичность нашего времени, в котором результат только кажется спонтанным. Хаотическое «срывание покровов» обнажило таящуюся под ними гармонию скрытой картины. И еще: результат созидания должен был превзойти элементы уничтожения — это и было катарсисом, который проявился эстетически. Перформанс, как классическая картина, придумывается автором как визуальная конструкция.

А вообще начало перформансу положил Джон Кейдж в 1952 году — это его знаменитые «4’33’’», когда в течение четырех минут тридцати трех секунд музыканты с инструментами в руках в полной тишине сидели перед публикой. Перформанс создавал образ напрасных ожиданий. Как видите, ясная, цельная, хотя и вполне безобидная акция, но многие зрители были возмущены именно своими собственными «напрасными ожиданиями».

— Инсталляция в понимании обывателя — это нагромождение необъяснимого, того, за чем можно скрыть любой смысл, а может, даже отсутствие смысла.

— Конечно, это не так! Любой роман, любой фильм, любую инсталляцию обыватель может отбрить как «нагромождение». Умберто Эко написал прекрасную книгу на эту тему: «Роль читателя». У зрителя есть неотъемлемое право домысливать, но он не должен сомневаться — это будет невежеством — в осознанности конструирования образа автором. Название произведения и имя автора — неотъемлемая часть образа. Если роман называется «Война и мир», то мы не имеем права считать, что он мог бы называться «Война 1812 года».

Догадаться о возможности создать образ из комбинации готовых предметов (позже названное «реди-мейд») было не так просто. Это сделал впервые Марсель Дюшан в 1917 году — его знаменитый «Фонтан», где выставленный писсуар попал в парадоксальный контекст художественного пространства. Это была революция — Дюшан открыл, что контекст презентации важнее самого текста. Добавилась «дополнительная степень свободы» в наборе инструментов искусства. Вместе с писсуаром Дюшан фактически выставил идею, что художественный акт — это не картина маслом, а те сложные процессы в голове и душе художника, которые этому предшествуют.

С тех пор прошло сто лет. Илья Кабаков развил этот жанр до понятия «тотальной инсталляции» и получил международное признание прежде всего за это, а не за тему «коммунальная квартира». Конечно, далеко не все инсталляции обладают высоким качеством исполнения, как, впрочем, и не все картины хороши, поэтому неискушенный зритель видит подвох в самом жанре. Но если бы ему показали только блистательные примеры, он бы почувствовал разницу, понял этот новый язык. Повторю: современное искусство — это форма высказывания, а не изощренное рукодельное писание картин. Другой вопрос — качество конкретного арт-объекта: он может оказаться и средним, и слабым, и прекрасным, как любая материальная вещь или материализованное явление.

Представьте, что в Большом театре гардеробщицы позвали зрителей, вышли на сцену и станцевали «Танец маленьких лебедей» — это был бы балет, но, скорее всего, плохой. А если этих самых гардеробщиц в ткань спектакля включит (зная как) современный профессиональный художник, то возникнет сконструированный образ. Смыслы, поданные одновременно, — это хаос.

Прекрасная инсталляция так же хороша, как прекрасная картина. Один пример: «Упакованный Рейхстаг» в 1995 году художника Кристо — он обернул здание Бундестага тканью из серебристого пропилена и перевязал его веревками. Возникло парадоксальное изменение образа. Громадный тяжелый Рейхстаг словно пришел в движение, отвечая на каждое дуновение ветра, сам он был скрыт, но новые сущности стали из-за этого явными — так работает продуманный художественный образ. Многих немецких политиков пришлось долго убеждать в том, что это не послужит «профанации истории», не будет оскорблением для парламента и всей страны, — теперь же ясно, что такой мощный образ, без сомнения, останется в истории искусства.

— Не так давно я ходила на выставку, где были собраны произведения современного арта. Их очень любопытно трактовала смотритель выставки, «музейная бабушка». И я подумала: уж если ей в голову пришло такое… Вас не смущают домыслы?

— Каждый человек на своем месте осознает уровень планки, задающей качество результата: инженер, редактор, врач, ученый, спортсмен. Там никто не слушает экспертного мнения «бабушек». Но в современном искусстве почему-то эта тема возникает! Конечно, в голову зрителя может прийти все что угодно — и это интересно. Искусство не оперирует точной информацией, а поставляет образы, которые вспыхивают в голове наблюдателя в соответствии с его фантазией, знаниями, опытом и умением интерпретировать увиденное. Чем больше домыслов, тем глубже произведение. Искусство не «принадлежит народу», а принадлежит авторам, а государством управляют не «кухарки», а политики. Пройдут годы, и нынешние девочки станут «бабушками» — в головах у них будут другие домыслы. Ничего страшного.

— Как трактовать современное искусство? Если я смотрю на Айвазовского — я оцениваю технику, контекст, сюжет, раму, в конце концов (шучу). А если я стою перед условным «не пойми чем»? Где градации, критерии? Есть ли современные проекты, которые вас развеселили или огорчили своей идиотичностью?

— Мне кажется, слово «развеселили» не подходит. Реакция с улыбкой — скорее показатель удачной формы. «Идиотичность» для тренированного зрителя — признак тотального провала, непрофессионализма и слабости автора, и не веселит. Сегодня мы не в силах отказаться от реди-мейда в искусстве, после ста лет его существования. Никаких «градаций и критериев», оговоренных заранее, арт не приемлет: судить надо потом, когда осуществится форма. Однажды, это было в 1995 году, я выиграл процесс у знаменитого фотографа Хельмута Ньютона о праве художника на цитату. Постановление Высшего суда в Гамбурге было таковым: идея не защищена — защищена форма! Почему? Потому что идея вне формы не существует, ее можно интерпретировать как угодно. И в этом смысле «не пойми что» потенциально может обрести убедительную форму.

— Куратор выставки — это скорее промоутер, редактор или маркетолог?

— В нашем усложнившемся мире посредники растут как грибы! Вы, наверное, обращали внимание, что количество комиссий, советов, кураторов, союзов и гильдий прямо пропорционально желанию одних управлять другими. Семеро с ложкой — один с сошкой. На деле художник все эти роли выполняет сам, исключая вариант, когда за ним стоит галерея с серьезным бюджетом — как продюсер за режиссером в киноиндустрии. Кураторы, которые склонны считать режиссерами себя, в большинстве своем отрабатывают ими же придуманный нарративный концепт и тащат на выставки тот арт, который под него подходит. Это люди пишущие и слышащие, но не видящие. Что касается «промоутерства и маркетинга», то это их мало интересует, они заняты конкретными выставками, своими стратегиями и собственным маркетингом. Институт кураторства обрел неоправданную значимость, считается, что без этого арт-процесс не имеет ценности. К счастью, хоть и редко, но встречаются выдающиеся теоретики «с глазами».

— Вы — автор первой инсталляции в истории Третьяковской галереи? Расскажите о проекте «Стена».

Инсталляция «Стена». 1993. Государственная Третьяковская галерея, Москва

— Это был 1993 год. Размер инсталляции — 42 на 6 метров. Стена на месте окна, стена образов, перекликающихся друг с другом и пространством музея. Это было очень круто для того времени — не только для России. Скажу, что осуществить проект «Стена» в Третьяковке тогда было очень трудно. Никаких спонсоров и денег инвесторов не было и в помине. Но мне, тогда сорокалетнему, очень хотелось ответить на вызов, брошенный самому себе.

— Ваши работы находятся в собраниях ГТГ, Русского музея, Музея современного искусства. Что о них говорят искусствоведы и что простые люди?

— Что говорили и говорят искусствоведы, можно прочесть в книгах и альбомах о моем творчестве. Я же современный живой художник, поэтому еще не покрылся «патиной классичности» и хочу продолжать искать, удивляя находками новой формы других — и себя в первую очередь.

От Малевича до Кабакова. 1994. Акрил, холст. 220 × 350 × 5 см (из двух частей). Московский музей современного искусства

Digital Homage to Rothko. 1999. Акрил, холст. 300 x 230 x 8 см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Digital Action Painting. 1999. Акрил, холст. 270 x 230 x 8 см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

— Вы прославились в том числе «стертыми» картинами? Что вы хотите сказать, стирая?

Московский Музей современного искусства, Москва «Большой черный квадрат», 2001 акрил/холст, 200 x 200 x 8 см

Государственная Третьяковская галерея, Москва «Дважды стертый де Кунинг», 2000 акрил/холст. 300 x 240 x 8 см

— Первая работа из цикла «стертых картин» появилась еще в 1997 году, но затем я занимался совсем другими вещами, словно забыл об этом опыте. Некоторые идеи родились давно, но я не осознавал их ценности. В 1997 году мне была непонятна уникальность жеста стирания. Если ты, скажем, стираешь живопись на холсте или бумаге, то единственное, что остается, — буквально снять скальпелем красочный слой и начать резать саму основу… Вначале меня привлек известный в истории искусства факт, что художник Роберт Раушенберг стер рисунок Виллема де Кунинга и выставил его под названием «Erased de Kooning Drawing» («Стертый де Кунинг»). Я сделал работу «Twice Erased Drawing de Kooning» («Дважды стертый де Кунинг»). Раушенберг в процессе своего «первичного жеста» стирания получил серо-белую бумагу. Это был скорее акционистский прием, но не метод, и никакой системой он не стал. У меня же все обрело иной смысл: в компьютере стираемое изображение исчезает целиком: там нет белого карандаша, а есть светящийся экран, и все висит в воздухе. В зависимости от того, как ты стер и какую часть, получается «action painting», но вывернутая наоборот. Когда я сделал первую работу, это был еще вполне постмодернистский жест: Раушенберг стер де Кунинга, а я стер его самого (эта картина есть в собрании Третьяковки). Маски и шаблоны, которые я использовал и использую в работе, — вовсе не техницизм, с их помощью артикулируется граница между человеком и компьютером. Это визуальный жест, это точное обозначение линии, разделяющей сознание человека нашего времени от более ранних эпох. Маски мне нужны для создания образа «нерукотворной» пластики. В остальном же это далеко не механический и очень сложный процесс. Все рукотворно и рукодельно.

Мы знаем, что искусство шло от «прямого» жеста к «непрямому». Прямой жест — это образ, который художник увидел в жизни и перенес в зону искусства, это прямое отношение к реальности, которое существовало в живописи, собственно, все последние 500 лет. А непрямой, нелинеарный жест — это когда новые формы создаются взаимными комбинациями всех предыдущих находок и в финале с помощью компьютера. Я себя ощутил именно в этом процессе — в нем присутствуют совершенно новые технологические возможности. Он пока еще не изучен, он слишком живой, но явно отличается от предыдущего, от эклектического постмодернизма. Он, по моему мнению, и есть чистый сегодняшний авангард, потому что его язык обладает новой степенью свободы. Когда, например, я говорю о «стирании», то подчеркиваю, что это можно сделать, только применяя компьютер. Компьютер — невиданная до сих пор кисть художника. В свое время Клод Моне стал авангардистом, потому что обратил внимание на достижения науки в области оптики. Михаил Ларионов изобрел лучизм в живописи, узнав об открытии радиоактивности. Но когда художник не готов чувствовать дух времени, когда в его сознании не укладываются новые понятия, это для искусства губительно.

«Главный вопрос — качество конкретного арт-объекта: он может оказаться и средним, и слабым, и прекрасным, как любая материальная вещь или материализованное явление»

Художник должен пропускать через себя открытия науки. Ведь наука и культура в принципе развиваются параллельно, как две важные составляющие цивилизации, а искусство, как интегральное явление, в себя все впитывает. Компьютер совершил революционный прорыв в применении новых технологий в искусстве, потому что художник стал работать конгломератами форм, он смог ими управлять, возвращать, стирать, запоминать формы, удерживать огромные блоки информации. Вот, например, я «стер» «Черный квадрат» Малевича (эта моя работа находится в ММСИ, а ранее она выставлялась вместе с реальным Малевичем 1915 года из Третьяковки в музее в Германии) — и это одновременно и художественный жест, и пластический результат: я нахожусь в диалоге с формой Малевича, но могу делать с ним что хочу, не повреждая его. Скандально известный актом вандализма над настоящим холстом Малевича художник Бренер тоже находился в диалоге, но он протекал в зоне реальной жизни, а не в зоне искусства, после чего автор закономерно попал в реальную тюрьму. По-моему, искусство — это способ выражения жизни не в тождественных жизни формах, без влипания в точку бытия, показывающий жизнь дистанцированно в зоне, которая называется зоной искусства. Художник всегда стремится выразить новыми средствами собственные переживания, представления и желания. В общем, художник — это философ, только его тексты визуальные. И как философ, желая смоделировать жизнь, он не уничтожает, например, трактат Гегеля, а пишет новый, «антигегельянский» текст. То же самое с искусством. Хочешь бороться против коммерциализации искусства — замечательно, но вовсе не обязательно при этом портить реальную работу художника Малевича. Тем самым ты просто совершаешь акт в зоне жизни, где равным образом можешь кого-то застрелить или взорвать World Trade Center, и это все произойдет, не имея дистанции от нее. Искусство же начинается тогда, когда в стремлении выразить образ художник находит необходимое остранение. Когда я стер «Черный квадрат», связь между мной и Малевичем сохранилась — в виде пикселя, борющегося с его квадратом, — в результате появилась метафора.

Между аналоговым и дигитальным. 2006. Выставочный зал «Малый Манеж», 1-я Московская биеннале современного искусства

Раньше я не думал, что жест стирания сильнее жеста созидания. Когда что-то стирается, это становится заметно сразу. Наверно, это связано с мгновенным выбросом энергии уничтожения. Ведь стирание пугает человека тем, что время начинает идти вспять, жизнь обессмысливается — приближается смерть. Природа сама по себе живет таким же энтропийным способом — она стремится к хаосу, но человеку присуще с хаосом бороться. Поэтому создание любых образов — это способ борьбы с энтропией. Хочется пожелать зрителю не бояться образов — это же миражи, фантомы и сны. Раньше у «классического» художника был оппонент: мир науки. Из него новые открытия приносили новые знания, что вело к появлению новых течений в искусстве. Но в какой-то момент классическая физика закончилась, и искусство в классическом виде закончилось. Постмодернизм появился именно потому, что человек обрел невероятный рефлексийный инструментарий благодаря присутствию компьютера. Впервые я стал думать и говорить об этом двадцать пять лет назад, и тогда мне захотелось выразить образ границы между дигитальным и аналоговым существованием человека. Он приблизился к этой границе, но не может шагнуть своим физическим телом за грань оболочки видимых объектов — в мир электромагнитных полей. Вот тут-то и начинается мистика, поскольку желание передать умозрительный образ пытается реализовать его в пространстве возможностей человеческого представления. И только художнику удается заставить вибрировать свое произведение магическими приемами, и эта вибрация передается зрителю, если он настроен на ту же частоту.

— Что дает автору участие в биеннале? Что вы планируете к биеннале в Венеции?

— Раньше биеннале была одна — Венецианская. Теперь их множество! Если речь идет о Венеции, то биеннале дает возможность приблизиться к публике — эту выставку увидят десять миллионов зрителей. Венецианскую биеннале можно сравнить с Каннским фестивалем в кино. Это шанс выступить на международной сцене и с большой вероятностью быть замеченным — не только художнику, но и стране. В смысле доходов — это одни расходы, и очень серьезные. У меня есть опыт участия в Венецианской биеннале 2005 года масштабным проектом «Мона Лиза летит в космос». Тогда, совместно с Европейским и Российским космическими агентствами, мы запустили мою версию «Моны Лизы» на Международную космическую станцию. Это была реальная картина 70 на 70 сантиметров, холст, акрил. Космонавты повесили ее (в невесомости!) рядом с портретом Циолковского и Гагарина. Полетел еще и ее нановариант, в микроскопическом размере, — он до сих пор кружит по орбите. Картина же через десять дней вернулась на Землю. В большом альбоме, который называется «Mona Lisa Trаvels» теперь можно видеть все фазы этого сложнейшего проекта, включая подготовку к полету, жизнь картины на МКС, российского и итальянского космонавтов (Сергея Крикалева и Роберто Виттори), парящих с «Моной Лизой» в невесомости. На 51-й биеннале в Венеции была построена инсталляция «Mona Lisa Tower» из 500 цветных модулей, 6 на 10 метров, как символ «абсолютного знака искусства». «Мона Лиза» относится к тем редчайшим объектам в истории искусства, которые, пройдя через стадию мифа, вырастают до размеров самостоятельного культурного явления. Такое произведение заменяет собой музей — в нем каждый найдет что-то для себя: ценитель и профан, традиционалист и авангардист… Когда художник вносит элемент авторства в пространство «Моны Лизы», он ищет актуальную для своего времени формулу описания мира — будь то дадаизм или поп-арт. «Мона Лиза» была и остается своего рода интерактивным полигоном для тестирования новых идей. Об этом проекте много писали, а в день полета картины в космос и открытия его на биеннале газета International Herald Tribune уделила целую страницу этому событию.

Инсталляция «Кольцо Моны Лизы». 2005. Алюминиевая конструкция, лакированный алюминий,
50 частей, 60 × 60 см, диаметр 10 м, длина 30 м. Московский музей современного искусства

«Каждое поколение должно строить жизнь и искусство свое на современном ей времени», — сказал Казимир Малевич в 1917 году. Ровно сто лет прошло. Перед нами стоят новые задачи. Вокруг проектов, вновь предлагаемых для Венецианской биеннале, всегда возникают споры и предположения — что хорошо, что полезно, что сильно, что убедительно? Так же верно и другое: невероятно сложно достойно выступить на сцене, которая более чем за сто лет повидала достижения выдающихся художников, учитывая, что глобальные перемены в нынешнюю эпоху принесли, наряду с невероятными технологическими возможностями, также и тектонические сдвиги религиозных противостояний, терроризм, утраченные ориентиры, депрессию и растерянность. Что показать, чтобы выразить нерв современности (Zeitgeist) так, чтобы противники и поклонники оценили бы по достоинству этот проект? Заметим, что соревнование в зоне краткосрочной актуальности в современном искусстве стало вредить самой актуальности, а время жаждет открытий, но где они? Как всегда, в зоне новой формы, которая находится в пространстве новейших технологий, и именно с ними последние десятилетия связывает себя современное искусство.

Байконур, 2005. Картина «Single Mona Lisa 1:1», 1997

Капитан Сергей Крикалев с картиной «Single Mona Lisa 1:1» в невесомости на борту Международной космической станции. Апрель 2005 года

Итальянский астронавт Роберто Витори с картиной «Single Mona Lisa 1:1» в невесомости на борту Международной космической станции. Апрель 2005 года

Картина «Single Mona Lisa 1:1», 1997 (холст, акрил, 70 х 70 см) на борту Международной Космической станции. Апрель 2005. Капитан Сергей Крикалев и итальянский астронавт Роберто Витори с картиной в невесомости

Программа «Национальная технологическая инициатива» как нельзя лучше может быть символизирована предлагаемым нами знаковым проектом, опирающимся на инновационные технологии. Тот, кто следит за искусством и чувствует наступившее время прорыва, понимает: кто заявит первым «Absolut Black Space», или «Абсолютно черное пространство», — войдет в историю. Венецианская биеннале 2017 года является самым подходящим местом для этого — главное, не пропустить момент, а детали технического воплощения мы хорошо понимаем и с ними справимся, так как давно уже работаем над воплощением этого образа. Скажем проще: наступил момент когда нанотехнологии позволяют создавать поверхность, поглощающую 99,99% света. Что это значит? Это когда испепеляющий свет лазера может исчезнуть в пространстве абсолютно черного цвета! Представьте: по полу, стенам, потолку — в пространстве света — плывут потоки видеопроекции, и вдруг посреди зала свет исчезает в «абсолютно черном», там, где царит «начало бытия» — вход в космическую бесконечность! Метафора, обладающая поэтическими возможностями интерпретации. Мостик от прошлого к будущему. Это и есть в первом приближении, сугубо эскизно, проект для биеннале в Венеции 2017 года. Такого нигде и никогда еще не было! «Абсолютно черное пространство», связанное с Малевичем, как Эйнштейн с Ньютоном, внесет поправки двадцать первого нано-компьютерного века, задавая парадигму нового времени. Это будет продолжением эстафеты абсолютных образов и полигон материализации идей — в науке и искусстве, где их сегодняшний сплав явит активность русского авангарда в новой эпохе.

Шестиметровая башня из 500 алюминиевых блоков с изображениями «Single Mona Lisa 1:1», составившими внутреннее пространство конструкции. 51-й Венецианская биеннале

Многочастная инсталляция «Mona Lisa Goes Space» на 51-й Венецианской биеннале в разных частях города

— Художественные династии в наше время имеют отношение к таланту, или это «просто бизнес»?

— Во-первых, художественные династии возникают крайне редко, во-вторых, некоторые из них вполне знамениты и успешны: Кранахи, Брейгели, Гольбейны, а в-третьих, у меня самого возникла «династия», и я очень этому рад. Pusenkoff & Pusenkoff — творческий союз двух художников, отца и сына. Я не смог бы работать ни с кем, кроме Ильи, как мне кажется. У меня очень талантливый сын.

— Назовите топ-5 классических художников, оказавших наибольшее влияние на современное искусство.

— Пит Мондриан, Марсель Дюшан, Казимир Малевич, Александр Родченко, Марк Ротко… Но этого мало — там будут и Босх, и Гольбейн, Леонардо и Поллок, Рафаэль и Андрей Рублев, Эйзенштейн и Стравинский.

«Нет человека — нет современного искусства…»

— Кто-то из современных художников станет в следующем веке классиком?

— На этот вопрос нет ответа, поскольку мир так стремительно меняется, что трудно предсказать, какие вообще люди будут жить через сто лет. Вдруг случится, не дай бог, апокалиптическая война или, наоборот, человек, научится телепортироваться или жить до двухсот лет… Оценка образной системы нашего современного искусства зависит от ментальности зрителей будущего.

— Есть ли в современном искусстве понятие «тренд». Покупают ли современное искусство и из чего складывается его цена?

— Извините за каламбур: тренд — это куда хотят попасть все, а бренд — то, что от художника остается! Художник сам является образом, и поэтому цена зависит исключительно от значимости его имени. Добавлю, что это общая формула, которая верна и в случае «музейной бабушки», которая может купить картину самого значимого художника для нее — любимого внука. Цена — это то, что платят, когда хотят купить и могут заплатить. А как мы знаем из опыта: нет пределов человеческой фантазии не только в созидании…

— Художник должен быть голодным? Сегодня вы работаете в Германии.

— «Голодный художник» может только искусать себя и других. Это апокриф и байка. Все выдающиеся художники достигали успеха не из-за голодного желудка, а от ненасытной фантазии. Вермейер, женатый на дочери банкира, не продавал своих картин, зато мог позволить себе невероятно долго над ними работать. Можно сказать наоборот — материальная поддержка художника дает возможность реализовать его невероятные планы, а голод убьет. Сегодня известно, что Ван Гог среди своих коллег был наиболее обеспеченным, но ему всегда не хватало холстов и красок. О современных художниках и говорить нечего. Только не спрашивайте, сколько стоит материал инсталляции 25 метров в высоту, и не вспоминайте, что малые голландцы рисовали миниатюры. Каждому свое и в свое время.

А теперь про мою жизнь в Германии. Так получилось, что в 1990 году меня пригласила сотрудничать одна из лучших галерей мира — немецкая Hans Mayer Gallery. Потом оказалось, что иметь рабочую базу в центре Европы, в Кельне, удобнее всего. Ведь мир стал открытым и связанным в единую арт-сцену. С одной стороны, я интегрирован в интернациональный процесс, вижу, что делают коллеги, и понимаю нерв современной культуры Запада, а с другой — неразрывно связан с тем, что происходит в России. Мастерская в Москве ждет меня так же, как и кельнская, — я работаю везде. Если мне удается какой-нибудь очередной грандиозный проект, то автоматически в первую очередь он привязан к России. И показан в России. Знаете, Шагал считается русским художником, а Пикассо испанским, несмотря на то, что почти всю жизнь они прожили во Франции. Сейчас особенно нельзя замыкаться в рамках этнографии и географии. Когда-то на заре перестройки, когда соц-арт мне еще не наскучил, я написал серию картин «Математика СССР», «Физика СССР», «Астрономия СССР». Вас развеселило? Это парадокс несовместимости всеобщего и конкретного. А вот «Искусство СССР», например, не явилось бы абсурдом, более того, оно существовало реально, в виде социалистического реализма в отдельно взятой стране. То, что это был специфический, сказочный, сладкий романтизм, лишенный диалектических противоречий, большинство населения не смущало — «бабушкам» нравилось. Но им и математика СССР понравилась бы — было бы проще считать! Патриотические задачи, на мой взгляд, должны стремиться к абсолютным рекордам, как в спорте. Сделанное должно говорить само за себя — тогда можно будет чем гордиться. Мне бы хотелось, чтобы в будущем нас помнили, как когда-то русский авангард, за «крутое искусство», за рекорды в области формы.

История современного искусства России, современная живопись России

Постсоветская (современная) российская живопись 


Многообразием контрастов сочетается лицо современного искусства в России. Начало XXI века - это тот некий переходный момент в истории искусств, когда происходит процесс переосмысления художественного наследия и намечаются линии дальнейшего развития изобразительного искусства. Мы живём в период, когда не только изживает себя уклад жизни прошлого поколения, но и как следствие меняется духовная составляющая. Люди и их мысли проходят своего рода обновление, и всё это является преддверием новой эпохи.
Роды новых идей, как и всегда в такие моменты истории, плодотворны, но как никогда явно выделяются среди имеющих художественный и идейный вес плодов, те, которые отражают неоднозначное, непривычное и подчас несерьёзное отношение художника к значению живописи, как к духовному поиску.

Возможно, бытующее мнение не вполне объективно и данный период стоит осмыслять только после полного его сформирования, ведь никто не исключает мысль о том, что живописи суждено стать чем-то другим и приобрести новое значение в лице концептуализма. Но это было бы неестественно для живописи, и вместе с этим большинство современных исследователей искусства говорят о том, что тенденции нового концептуального искусства, явившиеся очередным возрождением авангардной живописи начала XX века, являются разрушительными для продолжения линии “классической” живописи. По своей природе авангард отрицает традиции и тем самым губительно сказывается на роли "смысловой" живописи, в этом значении он предстаёт её врагом. Но само по себе мало изведанное, а значит, актуальное, авангардное течение отхватило себе часть нити истории развития живописи начала XXI века в образе концептуального искусства.

 

"Жречество" и "юродство" современной живописи

Помимо концептуальной линии выделяется и академическая. Поддерживает её Российская Академия художеств. Что касается второй институциональной структуры – Творческого союза художников России - то здесь более любопытная картина. Данная организация включает в себя большое количество художников, совершенно различных направлений живописи, какие только насчитывает наше культурное наследие, в том числе и деятели концептуального направления. Но так же и РАХ не провозглашает своей целью выпускать исключительно художников — академистов.
В таком “разношёрстном” мире современной живописи, не имеющем устойчивого фундамента и не объединённого общей идеей, в нашей стране тем не менее ясно сформировалось несколько направлений. Как называет два основных из них отечественный искусствовед Александр Якимович – “жречество” и “юродство”. Именно это “жречество” и питает надежды многих исследователей, художников и зрителей на будущее русской живописи.
В первое направление попадают современные русские художники, многие из которых ещё успели испытать на себе дух СССР. Эти мастера оставили нетронутой самую сокровенную суть живописи. Их полотна, пронизанные смыслом,  овеяны религиозным духом, дыханием древних сакральных образов, и теплом утопических идей. В их произведениях присутствует всё ещё философское воззрение на мир.


«Сашкин букет». Н. Нестерова. 2009


«Париж». Н. Нестерова. 2005


Такими являются поучительные творения Натальи Нестеровой - «Сашкин букет», «Париж». Наивностью своих изображений художница доносит до нас истину тщетности нашего бытия. Это не насмешка над бессмысленной деятельностью человека, но демонстрация человеческой недалёкости, которая может загубить всё то живое и глубокое, что в нас осталось. Эти идейные тенденции прослеживались ещё в её  ранних «маскарадных» произведениях.

«IX». Серия «Матриархат». О. Булгакова. 2007

 

«Возвращение блудного сына». Из цикла «Библейские эскизы». О.Булгакова. 2007


Древние немые образы Ольги Булгаковой, в страстном, пылающем колорите, обуревают сознание и взывают к праосновам наше существо. Серии «Матриархат» и «Библейские эскизы», а также другие работы О. Булгаковой — это прекрасный пример современной живописи маслом в экспрессивной манере, что лишь усиливает смысловой эквивалент произведений художницы.   Поистине можно считать достойным, чтобы называться шедевром, «Возвращение блудного сына». Лаконизм и выразительность форм, тлеющие фигуры, сцеплённые в порыве чувств. Здесь больше ничего и не нужно добавлять, этот образ передаёт любовь между ребёнком и родителем как она есть. Без какой-либо посредственности в картине воплощено то самое, подсознательное, что навсегда должно остаться беспрекословным в душе человека.  

 «Несущий». Серия «Город. Вход со двора». Д. Иконников. 2003

 


«В час раннего весеннего заката...». Из серии Петербургских работ. Д. Иконников. 2006


Неподражаем в передаче «мелочей» жизни Дмитрий Иконников. Требуется огромная сила воли, чтобы оторвать взгляд от его работ. Всё, что может уловить наше зрение, но пропустить сознание в будничный день запечатлевает художник. В его работах второстепенное нашей жизни выходит на первый план. У художника есть своя техника исполнения, благодаря которой каждое его произведение светится изнутри. Таким образом житейские моменты приобретают значение радостного, по-своему идиллического бытия, что можно увидеть в прекрасной серии работ, посвящённых Санкт-Петербургу, серии «Город. Вход со двора» и др.

 


«Всяк». А. Мосийчук. 2000


Особое впечатление вызывают и религиозно-мистические образы Анатолия Мосийчука. Через них мы можем причастица к сокровенной человеческой вере, к глубинам человеческой души и, подчас, неосвещённым, труднодоступным и неясным. Мастера иногда очень сложно понять. То, что он изображает не оговаривается словами, но считывается на интуитивном уровне. Например, картина «Всяк» представляет различных персонажей, а вернее сказать  призраков. И оттого они призраки, что не имеют индивидуальности. Хоть и имеют разные занятия, но не помогает им это сформировать в себе культурность, развить высокую духовность. Это души, которые никак не могут  обрести себя, и золотистый, дымчатый колорит, который характерен для произведений художника только подчёркивает эту мысль, мистический характер образов, которые так напоминают иногда возникающие внутри чувства у человека нашего времени.

«Мать и дитя». Л. Наумова. 2015

Лариса Наумова, как и предыдущие художники, проявляет свою любовь к примитивизму и наивности в исполнении. Её произведения отличает сочный, свежий, венецианский колорит, а сюжеты и персонажи не так просты, как предстают на первый взгляд. Часто религиозно-символические, а иногда кажущиеся бытовыми, сцены в её произведениях всегда наполнены высоким смыслом. В картине «Мать и дитя» поднимается тема любви в самом искреннем и чистом её проявлении, для этого художница прибегает к переосмыслению иконографии Мадонны с младенцем, тем самым превращая любовь в святыню. Помимо прочего творчество Л. Наумовой гармонично соединило в себе академическую школу и свободную технику.

«Титаник». Серия «Кукольный театр». А. Ситников. 2010

Совершенно экстравагантно творчество Александра Ситникова, на котором оставило неизгладимое впечатление Советское время. В своих произведениях художник выходит за грань сознательного, что можно увидеть в серии картин «Concerto», «Кукольный театр» и др. Стоит признать, что его творчество в каких-то моментах ближе к концептуальному,  так как идея у него стоит выше самой живописи.

 

Современное концептуальное искусство в живописи

Второе течение, которое выделяется на пёстром фоне современного мира изобразительного искусства — это в большей мере концептуальное направление. Как уже было сказано выше, большинство исследователей и ценителей живописи неодобрительно относятся к таким веяниям. Художников этого направления называют сомневающимися в ценностях живописи. В своих работах они прибегают к  уничтожению живописи с помощью самой живописи.

«Падение Икара». О. Ланг. 2012

Олег Ланг — один из основателей этого течения, один из первых «сомневающихся». Если до 2000 года в его работах можно было увидеть наполненность, неприкасаемую священность, то в более современных картинах мы можем наблюдать распад идейной целостности, полотна стали носителями пёстрой дисгармонии («Падение Икара»).

«Античный мальчик». О. Кошляков. 1995

Валерий Кошляков преподносит часто мастерские решения в плане изобразительности и техники исполнения. Но его произведения объединены одним замыслом —  насмешка над теми, кто боится разорвать связь с традициями. Это отчётливо передаёт серия «Коллажи» («Античный мальчик»), в которой заключается идея беспрекословных общепризнанных ценностей, но которые настолько неустойчивы, что распадаются на глазах и вот-вот вовсе рухнут в небытие.

«Завтрак на траве». И. Лубенников. 2013

Иван Лубенников — художник-монументалист - доводит живописные качества своих работ до такой крайности, что они становятся похожи на декоративные плакаты, суть живописи в них теряется («Завтрак на траве»).

 «Иоанн». К. Худяков. 2008

Константин Худяков подобно И. Лубенникову хочет сбежать от живописи. Художник работает в стиле цифровой живописи, особенности которой также ломают живописные устои. Нашему глазу уже не понятно, живопись ли то, что изобраено. С другой стороны визуальные возможности превосходят иллюзионизм «классической» картины («Иоанн»).

 

Альтернативная современная живопись

Так называемая альтернативная живопись – эта третья линия развития. Из известных художников России к ней относятся Владимир Дубосарский и Александр Виноградов, которые работают с 1994 года в дуэте. Как говорят сами художники: «Мы не классические художники-живописцы. Наш метод — поток» И действительно, их живопись отличается отсутствием наболевшего, а тем более возвышенного. Очень часто они берут части известных произведений и связывают их каким-то чересчур праздничным, вакханальным шумом. В этом плане их живопись пуста, как и работы тех, кто следует в том же направлении («Триумф титанов эпохи Возрождения»).


«Триумф Титанов эпохи Возрождения”. Дуэт Дубосарский - Виноградов. 2009

 

Две последних тенденции в живописи современных художников можно объединить под знаком безразличия к духовным исканиям. Такие течения заставляют опасаться за будущее живописи и как следствие за  духовное воспитание человека. Многообразие жанров, техник и стилей рождает огромную массу работ различных по качеству и смыслу. Сейчас среди картин современных художников  не часто можно встретить что-то выдающееся, но если такое происходит, то вряд ли их творчество останется неоценённым подобно произведениям Н. Нестеровой, О. Булгаковой, Д. Иконникова, Л. Наумовой и др.   

 

 

О нас | Музей современного искусства Хьюстон

Внешний вид Музея современного искусства Хьюстона, 1972 год.

Музей современного искусства Хьюстона (CAMH) - это учреждение, не занимающееся коллекционированием, посвященное представлению лучшего и наиболее захватывающего международного, национального и регионального искусства нашего времени. Основанный в 1948 году, музей гордится тем, что представляет новое искусство и документирует его роль в современной жизни посредством выставок, лекций, оригинальных публикаций и различных образовательных программ и мероприятий.

Художник Шэрон Энглестайн помогает с установкой ледяной скульптуры Берта Л. Лонга младшего, Roma Contemporanea в 1992 году.

CAMH занимает культовое здание из нержавеющей стали в самом центре Музейного квартала Хьюстона. Это очень узнаваемое здание было спроектировано для Музея современного искусства Хьюстона знаменитым архитектором Гуннаром Биркертсом и открыто в 1972 году. На двух этажах здания галереи ежегодно проводится от шести до восьми выставок. На выставках, представленных в галерее The Brown Foundation Gallery, представлены работы ведущих всемирно признанных художников, работающих в авангарде современного искусства, а также на тематических выставках, организованных вокруг вопросов, имеющих центральное значение для современной природы искусства и жизни.В галерее Нины и Михаила Зилха основное внимание уделяется работам признанных художников, а также тем, кто только начинает свою карьеру. Кроме того, Музейный магазин предлагает посетителям еще один опыт, ориентированный на искусство, с помощью множества тщательно отобранных товаров, покупка которых идет на поддержку программ и операций CAMH.

Каждая выставка в CAMH сопровождается публикацией, предназначенной для использования учеными и широкой публикой. Каталоги не только предоставляют прочную документацию о выставке, но и вносят вклад в приобретение оригинальных знаний и познаний в области современного искусства и международного дискурса вокруг него.


CAMH аккредитован Американским альянсом музеев, что является высшим национальным признанием, достижимым американским музеем. Аккредитация альянса означает превосходство и подотчетность всему музейному сообществу, правительствам и сторонним агентствам, а также публике, посещающей музеи.

Центр современного искусства

Эллен Асколи о повествовании 30 июня 2021 г.

Центр современного искусства, ASL видео... 26 мая 2021 г.

Центр современного искусства, ASL Tour ... 26 мая 2021 г.

Центр современного искусства, тур по ASL ... 26 мая 2021 г.

Центр современного искусства, тур по ASL ... 26 мая 2021 г.

Ракель Андре и Антониу Педро Ло... 06 мая 2020

Марк деЙонг | Воскресенье Connections 30 апреля, 2020

VHILS | Беседы с художником 07 апреля, 2020

Андреа Бауэрс и Ноэль Андерсон | Арт ... 08 апреля, 2020

SWOON | Беседы с художником 09 апреля, 2020

Уго Рондиноне, давайте начнем этот день... 27 марта 2018 г.

SWOON, Каньон: 1999-2007 гг. | ПРОДОЛЖЕНИЕ ... 27 марта 2018 г.

Пэт Стир, CAC: Вода и камень 27 марта 2018 г.

Синдзи Тернер-Ямамото из CAC: Disap ... 27 марта 2018 г.

Наполеон Мэддокс, дважды первый Ti... 07 октября, 2019

Intermedio, На прикосновении | Короткий TTT ... 22 апреля, 2020

NIC Кей, ПУШИТЕ! [упражнение в ... 23 марта, 2020

Таня Эль Хури, насколько мой палец ... 23 марта, 2020

На этот раз Завтра 2019 Итоги 23 марта, 2020

This Time Tomorrow Performing Arts... 23 марта, 2020

Что такое современное искусство? | Центр искусств Уокера

Ответ прост: современное искусство - это искусство, которое сегодня создают живые художники. Таким образом, он отражает сложные проблемы, которые формируют наш разнообразный, глобальный и быстро меняющийся мир. В своих работах многие современные художники исследуют личную или культурную идентичность, критикуют социальные и институциональные структуры или даже пытаются переопределить само искусство.В процессе они часто задают сложные или наводящие на размышления вопросы, не давая простых ответов. Любопытство, непредвзятость и приверженность диалогу и дебатам - лучшие инструменты, с помощью которых можно подойти к произведению современного искусства.

С момента своего основания в 1940 году Walker представляет современное искусство во всех его формах, включая изобразительное искусство, танец, музыку, театр, движущееся изображение, дизайн, архитектуру, новые медиа и многие гибридные формы. Эти работы часто бросают вызов нашим представлениям о том, как должно выглядеть искусство или как оно должно себя вести.Во время вашего визита вы можете встретить танец, в котором движение едва уловимо, скульптуру в виде живого дерева или картину, сделанную только из ткани и света.

Ставить под сомнение устоявшиеся формы - это то, чем художники всегда занимались, и поддержка современных творцов в их экспериментах с новыми, междисциплинарными способами работы является центральным элементом миссии Уокера. Но мы также стремимся предложить аудитории глубокий и значимый доступ к идеям, которые вдохновляют эти работы.Лекции, беседы после выставок, неформальные приемы и долгосрочные общественные мероприятия - это лишь некоторые из способов, которыми наши посетители могут в реальном времени получить представление о творческом процессе художника. Такое прямое взаимодействие с произведениями искусства и художниками нашего времени возможно только в центре современного искусства.

Если вы удивлены, озадачены или взволнованы тем, что вы видите в Walker, мы надеемся, что вы вдохновитесь размышлениями над проблемами, важными для вас и вашего сообщества.Пожалуйста, возвращайтесь почаще и помните: каждое произведение искусства когда-то было современным.

Современный Остин

НОВОСТИ

Атуи получит неограниченное денежное вознаграждение вместе с производственными расходами на премьеру персональной выставки в The Contemporary Austin, Техас, поездку в Фонд FLAG Art Foundation, Нью-Йорк, а также сопроводительный каталог выставки.

The Contemporary Austin рад сообщить, что Тарек Атуи (родился в 1980 году в Бейруте, Ливан; живет и работает в Париже, Франция) стал победителем премии Сюзанны Дил Бут / FLAG Art Foundation 2022 года.Помимо получения денежного вознаграждения в размере 200 000 долларов, Атуи представит персональную выставку, премьера которой состоится в Остине весной 2022 года в центре города, Центре Джонса на Конгресс-авеню, в центре The Contemporary. Затем выставка отправится в The FLAG Art Foundation в Нью-Йорке, где откроется осенью 2022 года. В дополнение к выставке и денежной награде приз включает в себя каталог научной выставки и публичные программы вокруг выставок в обоих местах.

The Contemporary Austin объявляет о получении гранта в размере 35000 долларов от Национального фонда искусств в поддержку предстоящей выставки Дебора Робертс: Я , которая откроется в центре Джонс-центра 23 января 2021 года.Премия Art Works входит в число грантов на 84 миллиона долларов, объявленных сегодня утром председателем Национального фонда искусств Мэри Энн Картер в рамках второго крупного объявления о финансировании Arts Endowment на 2020 финансовый год.

«Для нас большая честь получить эту награду Art Works от имени The Contemporary и очень важную выставку работ Деборы Робертс», - сказала Марджи Райн, временный исполнительный директор. «Практика Робертса направлена ​​на решение вопросов, которые, как мы надеемся, будут способствовать важным обсуждениям в нашем сообществе во время выставки.В ее увлекательных работах переплетаются история и культура, прославляется Черное тело и Черная идентичность, а также привлекается внимание к истории расизма в нашей стране. Мы благодарны Национальному фонду искусств за поддержку и признание художника такого авторитета и востребованности, как Робертс ».

Полный текст пресс-релиза можно прочитать здесь.

Валери Армстронг, президент Попечительского совета The Contemporary Austin, объявила сегодня, что Sharon Maidenberg была назначена новым исполнительным директором и генеральным директором музея Эрнестом и Сарой Батлер после международного поиска.Майденберг приезжает в The Contemporary Austin из Центра искусств Хедлендс в Национальной зоне отдыха Золотые Ворота к северу от Сан-Франциско, где она занимала должность исполнительного директора с 2010 года. Она вступит в должность в Остине 1 сентября, сменив Луи Грахоса. покинувшие музей в июне 2019 года.

«Я очень рада воспользоваться своей следующей профессиональной возможностью в одном из самых динамичных и быстро развивающихся городов страны», - сказала Шарон Майденберг. «Как и район залива, Остин - одно из самых инновационных мест в стране, и это очевидно. что культура, сообщество и творчество высоко ценятся.Я очень хочу стать частью богатой экосистемы искусства в Остине в это критическое для мира время - время, когда искусство может и должно играть неотъемлемую роль в обществе. Во время моей работы в Headlands я работал напрямую с артистами, построил стратегическую культуру актуального и заставляющего думать аудиторию и вложил большие средства в развитие значимых отношений. Я с нетерпением жду возможности применить свой опыт и точку зрения к уже и без того сильным программам The Contemporary, а также поработать с замечательными сотрудниками и Советом директоров над написанием следующей главы для организации.«

Полный текст пресс-релиза можно прочитать здесь.

В качестве лауреата премии Suzanne Deal Booth / FLAG Art Foundation 2020, нью-йоркская художница Николь Эйзенман (американка, родившаяся в 1965 году в Вердене, Франция) представит выставку в Центре Джонса, расположенном в центре города, в центре Остина. Avenue), с скульптурой под открытым небом, которая будет установлена ​​в парке скульптур на четырнадцати акрах в Лагуна Глория (3809 West 35th Street). Эта выставка, охватывающая рисунок, живопись, скульптуру и видео, исследует двух- и трехмерные работы художника за последние три десятилетия и включает в себя презентацию ее недавних крупномасштабных антимонументальных скульптур. Николь Эйзенман: буря и натиск - первая полномасштабная персональная выставка художницы в Техасе и первая презентация ее работ в Остине.

Осенью 2018 года Эйзенман был выбран для присуждения премии Suzanne Deal Booth / FLAG Art Foundation 2020 независимым консультативным комитетом, состоящим из известных кураторов и искусствоведов со всех концов США, во главе с Хизер Песанти, главным куратором и директором по кураторским вопросам в The Современный Остин. В качестве лауреата 2020 года Эйзенман получает неограниченную награду в размере 200000 долларов, а также персональную выставку, соответствующие публичные программы и научный каталог.Выставка будет представлена ​​в The Contemporary Austin с 27 февраля по 16 августа 2020 года, а соответствующая выставка отправится в The FLAG Art Foundation в Нью-Йорке, которая откроется 3 октября 2020 года и закроется 23 сентября 2021 года. с выставкой, публичными программами и призом можно ознакомиться здесь.

Полный текст пресс-релиза можно прочитать здесь.

Contemporary Austin и галерея grayDUCK рады представить выставку Crit Group 2019, на которой представлены работы восьми художников, которые участвовали в этом году в музейной группе Crit Group - программе, сочетающей групповую критику с профессиональным развитием для поддержки целостной художественной практики местных художников. .Эта восьмимесячная программа направлена ​​на создание поддерживающего сообщества художников Остина и укрепление их практики за счет вклада друг друга и признанных профессионалов в этой области.

Торжественная церемония открытия состоится в субботу, 27 июля, с 14 до 16 часов в галерее grayDUCK. Кроме того, участвующие художники расскажут в галерее о своей работе и своем творческом росте во время программы в субботу, 25 августа, в 15:00. Выставка находится в галерее grayDUCK до 25 августа 2019 года.Обычные часы работы галереи: четверг – суббота с 11:00 до 18:00 и воскресенье с 12:00 до 17:00. Все события являются бесплатными и открытыми для общественности.

Кульминация программы Crit Group, выставка включает в себя разнообразный спектр живописи, скульптуры, фотографии, гравюры, рисунка, видео, звукового искусства и инсталляций, созданных в рамках программы Crit Group. В динамичном и удивительном фильме представлены работы восьми талантливых художников из Остина, которые поставили перед собой задачу развивать свои художественные практики по-новому: Вероника Сеси, Мадлен Ирвин, Палома Майорга, Вирджиния Ли Монтгомери, Майкл Мюлхаупт, Маник Радж Накра, Мэттью Стейнке, и Дженн Уилсон.

Полный текст пресс-релиза можно прочитать здесь.

Выставленная в музее с 2017 года пронзительная монументальная скульптура, созданная одним из самых влиятельных художников в мире, теперь является частью постоянной коллекции музея, которую посетители могут оценить при каждом посещении музея Бетти. и Парк скульптур Эдварда Маркуса.

Приобретение Iron Tree Trunk , 2015 стало возможным благодаря щедрым пожертвованиям более семидесяти частных лиц и фондов в Остине и по всей стране.

Мелба Уотли, председатель Фонда Эдварда и Бетти Маркус, сказала: «Что может быть более чудесным, чем участие в приобретении уникальной работы Ай Вэйвэя Iron Tree Trunk . Мы верим, что великое искусство поднимает всех нас. С помощью монументальной скульптуры Ай Вэйвэя мы сталкиваемся с Китаем, иммиграцией, гражданскими правами, природой и впечатляющими гранями гения. Все остинцы могут гордиться тем, что это сообщество соответствовало финансовой поддержке Фонда Маркуса для этого важнейшего дополнения к культурному ландшафту города.”

The Contemporary также объявляет о продлении срока аренды велосипеда художника Forever , 2014, который теперь будет выставлен на обозрение до июня 2019 года в центре Уоллер-Дельта.

Эйзенман получит неограниченную денежную премию вместе с производственными расходами на научную публикацию и персональную выставку, премьеру которой состоится в The Contemporary Austin, штат Техас, с версией выставки, которая затем отправится в The FLAG Art Foundation в Нью-Йорке.

Луи Грахос, исполнительный директор Эрнеста и Сары Батлер и генеральный директор The Contemporary Austin, рад сообщить, что художница из Нью-Йорка Николь Эйзенман стала лауреатом премии Suzanne Deal Booth / FLAG Art Foundation 2020. Помимо получения денежного вознаграждения, она представит персональную выставку, премьеру которой состоится в феврале 2020 года в центре города, в Центре Джонса на Конгресс-авеню, с возможностью расширить выставку на 14-акровый парк скульптур в Лагуна Глория.Выставка должна открыться для публики в Остине в четверг, 13 февраля 2020 года. Соответствующая выставка затем отправится в The FLAG Art Foundation в Нью-Йорке, где она откроется осенью 2020 года. В дополнение к выставке и денежной награде , приз включает научную публикацию и разработку публичных программ вокруг выставок.

Престижный грант будет направлен на поддержку крупной групповой выставки, которая откроется осенью 2019 года на обоих площадках The Contemporary Austin.

Луи Грахос, исполнительный директор Эрнеста и Сары Батлер и генеральный директор Contemporary Austin, рад сообщить, что The Contemporary Austin получил грант в размере 100000 долларов от Фонда визуальных искусств Энди Уорхола для проведения предстоящей осенью 2019 года выставки The Sorcerer's. Бремя . Это второй грант Фонда Уорхола, полученный учреждением, которому уже пять лет. Ранее Фонд Уорхола выделил музею грант на поддержку выставки Strange Pilgrims 2015 года.

Исследуя пересечение искусства и антропологии, The Sorcerer’s Burden представит новые и существующие работы начинающих и молодых художников со всего мира. Финансирование Фонда Уорхола будет направлено на поддержку новых конкретных работ, направленных на активизацию городских и открытых объектов музея: Центра Джонса на Конгресс-авеню и Лагуна Глория на берегу озера Остин. Грант также поможет финансировать научный каталог, изданный в партнерстве с Radius Books, Санта-Фе. Бремя чародея курирует Хизер Песанти, главный куратор и директор по кураторским вопросам в The Contemporary Austin.

Contemporary Austin и Фонд искусства FLAG рады объявить об учреждении приза Suzanne Deal Booth / FLAG Art Foundation.

Благодаря дополнительному финансированию, предоставленному Гленном и Амандой Фурман, новая премия превратит существующую премию Сюзанны Дил Бут в размере 100 000 долларов США, которая в настоящее время празднует свою первую выставку, в одну из крупнейших наград, присуждаемых художникам.Премия Suzanne Deal Booth / FLAG Art Foundation Prize будет финансировать неограниченную награду в размере 200000 долларов США художнику, выбранному независимым консультативным комитетом, в который входят известные кураторы и историки искусства со всех концов США и других стран, научное издание и все производственные расходы на создание нового работа для персональной выставки, премьера которой состоится в The Contemporary Austin в Техасе, а затем будет представлена ​​в The FLAG Art Foundation в Нью-Йорке.

Мы рады сообщить, что мы завершили сбор средств для Фазы I генерального плана Laguna Gloria! Фаза I этого многолетнего проекта с рядом новых удобств для посетителей и новым входом изменит впечатления посетителей от излюбленного музея искусства в природе на берегу озера Остин.Проект откроется этой весной благодаря гранту в размере 3 миллионов долларов от фонда Moody Foundation и дополнительным грантам от Still Water Foundation, Edward and Betty Marcus Foundation, The Meadows Foundation, Austin Community Foundation и The O'Shaughnessy-Rivers Family. Fund вместе с подарками от попечителей правления Жанны и Микки Кляйн, Кэтлин Ирвин Лафлин и Криса Лафлина, а также Джаннетт и Пэт Китинг. Присоединяйтесь к нам на торжественном праздновании первого этапа в среду, 21 марта.

Репортер Los Angeles Times Каролина А. Миранда рассказывает о работе и идеях, стоящих за нашей первой выставкой художественной премии Сюзанн Дил Бут, Родни Макмиллиан: против гражданской смерти , которая откроется в Центре Джонса на Конгресс-авеню 1 февраля 2018 года.

Поздравляем LTL Architects, получивших The Architect's Newspaper за лучший дизайн 2017 года за адаптивное повторное использование за потрясающую реконструкцию Центра Джонса на Конгресс-авеню! По словам члена жюри конкурса Эрика Бунге, директора nARCHITECTS, «одновременно серьезный и причудливый, проект является маяком не только для Остина, но и для адаптивного повторного использования в целом, вдохновляя своей изобретательностью.”

Загрузи больше

Что такое современное искусство? | Райз Арт

У современного искусства слишком широкое разнообразие, чтобы определить его, и слишком быстрый темп, чтобы определить его. Это обобщающий термин для искусства сегодняшнего и недавнего времени, а не стиля или жанра. Проще говоря, современное искусство - это искусство о сегодняшнем дне, созданное сегодня.

Одна характеристика, которая является синонимом или, возможно, симптоматическим для современного искусства, - это авангардный подход.Как продолжение основных движений современного искусства, сформировавших 20-й век, от концепции кубизма до стиля сюрреализма , современное искусство также черпает свое влияние из постмодернистских идей в стремлении бросить вызов дискурсу традиционного искусства.

Я бродил голый, но изобрел брекеты Уилли Нэш

Экспериментирование является неотъемлемой частью развития современного искусства. Сложные и провокационные, современные художники сочетают в себе все, от нового и старого, до двухмерного и трехмерного.Используя прошлое как способ понять настоящее, современные художники создают искусство, устремленное в будущее.

Изучите нашу постоянно расширяющуюся коллекцию современного искусства и откройте для себя работы начинающих художников, а также некоторых из самых громких имен современного арт-рынка.

Восхождение (рисунок на стене) Пак Кеунг Ван

История современного искусства

По-прежнему остается широко обсуждаемая неопределенность в отношении хронологии современного искусства.В то время как одни считают, что современное искусство зародилось на пороге 1950-х годов, другие утверждают, что современное искусство действительно появилось в конце 70-х годов. В зависимости от точки, в которой современное искусство закончилось и началось современное искусство, такие движения, как Pop Art , Post-Modernism и Abstract Expressionism , технически могут быть отнесены к обоим направлениям, возможно, преодолевая разрыв между ними.

Давайте начнем снова (A2) - СБРОС Ребекки Мейсон

Хотя может показаться, что они относятся к одному и тому же периоду, современное искусство и современное искусство - это два разных направления.Современное искусство представляет собой прогрессию технологических достижений, охватывающих такие средства, как видеоарт и инсталляции , а также развивающиеся практики в живописи , скульптуре и фотографии .

Кровь цветочного шара (3D) от Такаши Мураками

Молодые британские художники в 1980-е годы

Одним из самых знаменательных моментов на сцене современного искусства в Великобритании должно быть собрание молодых британских художников в 1980-х годах.Состоящие из самых известных деятелей современного искусства, от Трейси Эмин и Дэмиена Херста до Гэри Хьюма и Гэвина Терк , YBA вышли на передний план основных средств массовой информации благодаря смелому использованию материалов и материалов. их непримиримое и порой скандальное отношение.

Темное лоно от Трейси Эмин

Захватив мир искусства штурмом, имена этих художников стали нарицательными.Художники продолжают свои традиции, стремясь подвергнуть сомнению истеблишмент, выделить современную культуру и создать новые средства повествования. Сегодня такие, как Такаши Мураками , Джефф Кунс, Дэвид Хокни и Бэнкси , продолжают продвигать современное искусство вперед, создавая искусство, отражающее мир, в котором мы живем, на зрителя.

А потом, что сделано ... Я изменился. То, чем я был вчера, это ... Такаши Мураками

Другие современные художники

Такаши Мураками и художники superflat

Японский художник и скульптор Такаши Мураками воплощает роль современного художника. Пионер движения superflat, которое стремится объединить элементы традиционной художественной практики и современной культуры, Такаши использует свое искусство, чтобы прокомментировать «плоскостность» потребительской культуры и ее мимолетное существование.Работы Такаши изобилуют бесконечными ссылками, включая кивки Энди Уорхолу, в то время как он обычно изображает своего фирменного персонажа, «мистера Доба», в таких работах, как . А потом, что сделано… Я изменился. Я был вчера… .

Благодаря сотрудничеству со всеми, от Марка Джейкобса до Фаррелла Уильямса, стиль Такаши мгновенно узнаваем и бесконечно универсален. Другие художники суперплоскости, работающие вместе с Такаши, включают Чихо Аошима и Ая Такано.

Горячий источник Чихо Аошима

Влияние Дэвида Хокни

Знаменитый современный художник Дэвид Хокни продолжает оставаться одним из самых влиятельных британских художников прошлого века. Выставляясь в престижных лондонских учреждениях Тейт Модерн и Королевской академии искусств в последние несколько лет, сегодня работы Дэвида так же популярны, как и прежде. Постоянно работая над развитием своего стиля и способа работы, Дэвид принимает в свою работу изменения в технологиях, что видно из его знаменитых рисунков на iPad.

Старый гитарист Дэвида Хокни

В Rise Art мы рады представить уникальную серию офортов Давида. В нашей коллекции представлены работы, напечатанные в пяти цветах с использованием техники Кроммелинка. Первоначально опубликованный в виде ограниченного портфолио издательством Petersburg Press в 1977 году, Дэвид черпает вдохновение из стихотворения Уоллеса Стивенса «Человек с синей гитарой» в таких произведениях, как Старый гитарист, и Поэт.

Поэт Дэвида Хокни

Новые художники в Rise Art

Rise Art демонстрирует начинающих художников, вызывающих волну на сцене современного искусства. От художников Магнуса Джоэна и Питера Хорват , следовавших подходу Уорхола Pop Art , до современных художников-экспрессионистов Стеллы Капезану и Дэйва Уайта .

С головы до ног, Магнус Гьен

Филип Мальтман и современное абстрактное искусство

Abstract Художник Филип Мальтман создает обширные картины, исследующие «прибрежную зону».Работы Филиппа, для которых характерны жестикуляция и обширные холсты, возрождают традиционный жанр пейзажных картин . Вместе с другими художниками-абстракционистами Даниэла Швайнсберг и Альберто Санчес, Филип является примером подхода современного художника, который возрождает и трансформирует традиционные практики, чтобы уступить место новому виду искусства.

Sweets of Sin 1 Филиппа Мальтмана

Что такое современное искусство и как его определить сегодня?

Как бы вы определили современное искусство ? Современное искусство в большинстве случаев определяется как искусство, которое создавалось и продолжает создаваться при нашей жизни.Звучит довольно просто, правда? Что ж, если это так, как мы можем объяснить, что никакое другое художественное определение, никакая другая художественная категория -измов не является столь запутанной и в то же время простой, как современное искусство? Этот термин требует уважения с самого начала, и его первое слово, «современный», почти предполагает, что вы должны знать, что это такое , не спрашивая. Не дай бог, потому что, может быть, тогда вас не будут рассматривать как человека, имеющего отношение к происходящему.Что ж, Widewalls не боится спросить, , что такое современное искусство и как мы можем его определить сегодня?


Лутц Бахер - Shadow Horse 2. Изображение предоставлено modernartdaily.com

Разница между модерном и современным искусством

В английском языке «современный» и «современный» являются синонимами. К сожалению, в мире искусства эти два термина описывают два разных периода творчества и два разных подхода к созданию искусства и функциональности искусства, и чаще всего они создают наибольшую путаницу .Для понимания категории «Современное искусство» мы должны сначала понять разницу между ними.

Термин Современное искусство обычно ассоциируется с искусством, созданным в период примерно с 1860-х по 1970-е годы. Искусство, созданное в этот период, отмечало эксперименты и отбрасывало традиции прошлого. Экспериментируя с различными материалами и способами восприятия искусства , функциональность искусства развивалась с переходом от повествования, характерного для традиционных искусств, к абстракции.Эта новообретенная свобода и революционный способ полагаться на внутреннее видение и выражение такого видения знаменуют собой самое большое влияние современного искусства. Это отразило не только движение к нефигуративности, но и повлияло на подход к реальной жизни, социальным вопросам и образам современной жизни.


Джефф Кунс - Леди Гага, Gazing Ball. Изображение взято с thedailybeast.com

The Cut-Off

Для многих период отсечки или конец современного искусства отмечается в 1970-х годах и с рождением термина Postmodern .К концу 20-го века, с развитием технологий, мы наблюдаем рост видеоарта и перформанса, наряду с экспериментами и заимствованием из множества дисциплин и источников. В то же время мы также наблюдаем рост теоретических и философских исследований термина Postmodern и доминирование настоящего, когда основное внимание уделяется тому, что у нас есть перед нами, и это то, что требует знания в последние тенденции. Сейчас время, когда все начинает складываться и формировать это эклектичное и разнообразное современное искусство.

Смотрите и исследуйте современное искусство на Widewalls Marketplace!

Под влиянием постмодернистских представлений о том, что все фрагментировано и в то же время существует само по себе, подвергая сомнению каждое определение, создает руководящий дух, стоящий за категорией «Современное искусство». Современное искусство с его разнообразием и сложным характером предлагает работы с динамичным сочетанием материалов, методов, концепций и предметов, которые бросают вызов традиционным и бросают вызов легкому определению .Современные художники исследуют идеи, концепции, вопросы и практики прошлого с целью понять настоящее и представить себе будущее. Именно из-за разнообразия этих подходов современное искусство часто рассматривается как не имеющее единого организованного принципа, идеологии или ярлыка, а временами настолько прямолинейное, что публика остается задаваться вопросом, упускают ли они что-то, и часто ставит под сомнение значение современного искусства. .


Бэнкси - Апеман. Изображение взято с wikipedia.com

Несколько слов о современном искусстве - что такое предмет современного искусства?

Давно ушло представление о том, что художник является единственным автором произведения.С развитием современного искусства аудитория стала неотъемлемой частью создания смысла и отражения созданных произведений. Процесс становится важным, и разнообразие различных подходов помогает создавать разные категории внутри категории. Этот уход от доминирующего определения современного искусства только укрепляет дух постмодерна. По сравнению с одним из доминирующих и влиятельных движений современного искусства, абстрактным экспрессионизмом, современное искусство кажется лишенным этой общей идеи и выражения , поскольку время, когда создается современное искусство, - это время постоянных вопросов, переоценок, и эксперименты.Это экспериментирование не оставляет ничего священного. Для современных художников все открыто и все может быть искусством. Благодаря всему этому, предметы современного искусства , сопровождаемые тенденцией момента, создают тенденцию самого момента и всегда пытаются расширить идеи того, что в первую очередь считается искусством. Темы таких работ чаще всего отражают острые проблемы современного общества с целью переопределения мира и общепринятых ценностей.


Яёи Кусама - Я молюсь со всей моей любовью о тюльпанах, вид на инсталляцию в Национальном художественном музее в Осаке. Изображение из Википедии

В конце

Что нам теперь делать? Что такое современное искусство в итоге? Если есть определенное ощущение, что отсутствует доминирующее определение современного искусства , а разнообразие подходов к искусству безгранично, как нам понять разницу между современным и современным искусством? Кажется, что одно из самых больших различий между этими двумя категориями заключается в следующем: современное искусство ссылается на прошлое , и с помощью этой ссылки и присвоения оно пытается понять настоящее время.Современное искусство также направлено на то, чтобы понять настоящее , но само настоящее теперь более фрагментировано и меняет форму. В этом контексте произведенные работы могут ссылаться только на безмерность предлагаемого разнообразия, и поскольку категория требует, чтобы человек был осведомлен об окружающем мире, вопросы, о которых идет речь, подобны ветру. Они там, и они влияют на то, как мы видим мир и относимся к нему, но в следующую минуту появляется что-то новое, и фокус смещается. С этим пробуждаются некоторые новые и переосмысленные произведения современного искусства.

Совет редакции: После современного искусства 1945 - 2000

В этой книге Дэвид Хопкинс обсуждает и пытается дать краткую интерпретацию сбивающей с толку и в то же время красивой природы современного искусства. Сосредоточившись на рассмотрении этой категории искусства в целом, книга концентрируется на соотношении американского и европейского искусства с конца Второй мировой войны до начала нового тысячелетия. Сосредоточенная на сжатой временной шкале, книга выделяет ключевые движения, а также ключевые фигуры и современных художников, которые являются топливом для искусства этого периода.

Показанное изображение в слайдере: Future Returns: Contemporary Art from China, вид из инсталляции в Художественном музее Эли и Эдит Броуд в Университете штата Мичиган, 2014 г. Изображение взято с broadmuseum.msu.edu. Изображения используются только в иллюстративных целях.

Оклахома Современная

Оклахома Современная

Сегодня

  • В честь значительного наследия Движения за гражданские права в Оклахома-Сити, «Мы верили в солнце» объединяет стипендиата Гуггенхайма, уроженца Оклахомы Рона Тарвера с Эбони Иман Даллас из OKC.Выставка, представленная в нашей галерее Мэри ЛеФлор Клементс Оклахома, отражает эволюцию истории опыта Блэков.

  • Посетите следующий крупный культурный центр Оклахомы. Забронируйте номер, чтобы познакомиться с Oklahoma Contemporary и посмотреть выставленные в настоящее время выставки. Все посетители (вакцинированные или непривитые) старше 2 лет должны носить маски, находясь в наших учреждениях.

  • Сейчас самое подходящее время, чтобы присоединиться к Oklahoma Contemporary. Ваша поддержка помогает гарантировать доступность искусства для всех видов аудитории - и для вас тоже есть несколько приятных льгот, включая ранний доступ и скидки на регистрацию в Studio School, открытую сейчас. Фото: Эд Руша, Mocha Standard. © Эд Руша.

  • Flight отмечает столетнюю годовщину одной из величайших публичных тайн Оклахомы: резни в Талсе 1921 года.Глядя на прошлое через призму настоящего, Полет поэтически парит между метафорой, упущением, вымыслом, слухами и исторической реальностью.

Позвонить 405 951 0000

Извините, сегодня мы закрыты. • Авг.17.2021 в 14:35

.