Современное искусство в россии: Современное искусство в России и в мире — Российская газета

Современное искусство: зачем ему технологии и кто его объяснит

Современное искусство стало технологичным. Создавать его может даже искусственный интеллект, а вот понимает не каждый. Как распознать ценность современных произведений — в новом выпуске подкаста «Что изменилось?»

Современное искусство вызывает шок и отторжение у одних людей и невероятный интерес — у других. Художники стали создавать высокотехнологичные проекты. Но чтобы они были успешными, приходится выбирать: ориентироваться на запросы массовой аудитории или на признание кураторов и музеев.

В подкасте общаемся с членами жюри проекта Digital Earth, виртуальной платформы цифрового искусства, запущенной Фондом поддержки современного искусства Винзавод и re: Store зимой 2020. Антонио Джеуза, доктор философии, специалист по видеоарту и куратор, рассказал, какое искусство создано для размышления, а какое — для развлечения.

Светлана Тэйлор, искусствовед, независимый куратор, директор программы на кафедре дизайна РАНХиГС, объяснила, почему иногда художник хотел бы использовать высокие технологии, но не может этого сделать.

Ведущий подкаста — Гоша Рудаков, мультимедийный продюсер РБК Трендов.

Таймлайн беседы

1:34 — Что такое технологии?

7:49 — Заменят ли роботы художников?

9:15 — Какие технологии используют современные художники?

14:48 — Чем современное искусство отличается от массового?

22:50 — Как художники могут способствовать развитию технологий?

24:27 — Конкурирует ли высокотехнологичное искусство с тем, к которому мы привыкли?

35:18 — Какие тренды будут в ближайшее время в современном искусстве?

Технологии и проблема авторства

Когда в начале XIX века изобрели фотографию, это вызвало в обществе ненависть и презрение. Эксперты говорят, что именно тогда техническое устройство впервые стало соавтором произведения.

Оно эволюционировало до того, что сейчас оно есть в каждом смартфоне. Кажется, что со временем технология сможет заметить самого автора.

Раньше люди боялись фотоаппарата, будто он забирает души люди. Светлана Тэйлор замечает: сейчас похожее отношение к искусственному интеллекту. Люди боятся, что алгоритмы «украдут» у них способность что-то создавать.

Искусственный интеллект создает человек. Оценивает работу алгоритмов, удивляется и пугается их совершенству также человеческий разум. Поэтому робот не заменит художника, думает Антонио Джеуза. Но искусственный интеллект становится отдельным направлением современного искусства.

Технологичные направления современного искусства

Каждые пять лет в немецком Касселе проходит международная выставка современного искусства documenta. Крупнейшей за 60 с лишним лет существования программы стала documenta 6 1977 года — она же ознаменовала собой важный этап в развитии интерактивного, высокотехнологичного искусства.

Приуроченная к 150-летию фотографии, выставка акцентировалась на визуальной стороне искусства: например, тогда состоялось первое в мире лазерное шоу.

Сегодня художники активно работают с мультиканальными интерактивными инсталляциями, с генеративным, роботическим искусством, с био-атром (интервью с его основателем Джо Дэвисом здесь) и, шире, с сайнс-артом, с голограммами (в России — в меньшей степени). Пионеры net-арта — российские художники начала 1990-х годов Ольга Лялина, Олег Шульгин. Есть также технологии мэппинга — проекции на фасадах зданий.

В перспективе будут развиваться экранные технологии, а также проекты, направленные на поиск идентичности, считают эксперты.

Какие проблемы связаны с высокими технологиями в искусства

В России мало художников, которые хорошо разбираются в техническом оборудовании для своих работ, рассказывает Антонио Джеуза. Но и те, кто хотел бы создавать высокотехнологичные проекты, сталкиваются с рядом проблем.

То, какие технологии задействованы на выставке, зависит от финансовых возможностей проекта, говорит Светлана Тэйлор. Компании, которые продают технологии, не встроены в систему поддержки современного искусства. По словам куратора, для того, чтобы это происходило, нужно менять культурную политику.

Экспериментальные разработки требуют вложений. Но если в сфере энергетики, системе безопасности или работы с данными это обусловлено экономически, то современное искусство финансируется менее охотно, объясняют эксперты.

Есть и другие проблемы. Не хватает высокотехнологичных площадок, где можно было бы показывать проекты. При мэппинге нужно договариваться с местными властями, чтобы установить технику в городе, перекрывать улицы.

В чем ценность современного искусства

Массовое искусство может нравиться публике и, следовательно, хорошо финансироваться — кураторы приводят в пример шоу «Ожившие полотна».

Современное искусство же может не быть популярным, но помогает понимать мир, объясняют эксперты. Это не только эстетическая, но и философская практика. Художник знает контекст истории искусств — авторов, с которыми он ведет диалог. И при этом он должен вести интеллектуальное общение со зрителями.

Художники видят то, что могут не замечать ученые. Например, в направлении net-арт разработали концепции, которые потом стали частью программирования и способствовали развитию интернета, говорит Антонио Джеуза.

Своеобразный «знак качества» как для классического, так и для современного искусства — музей. Причем скорее государственный: частные музеи часто подчинены логике коллекционера, уточняет Джеуза. Попав в коллекцию Пушкинского музея, «Третьяковки», Эрмитажа, Помпиду, Тейт, произведение приобретает культурное бессмертие. Даже если для художников была чуждой и враждебной концепция музея, как в случае с группой «Флюксус». Подробнее о технологиях в современном музее читайте здесь.

По мнению экспертов, искусство, которое создается прямо сейчас, должно пройти проверку временем. Кураторы и искусствоведы помогают отбирать то, что действительно ценно.

---

Следите за новыми эпизодами и подписывайтесь на подкаст на любой удобной платформе: Apple Podcasts, CastBox, «Яндекс. Музыке», Google Podcasts, Spotify и ВК Подкасты. А еще следите за нами в Telegram и Instagram «Что изменилось?» — там мы подробно обсуждаем то, что не успели проговорить в выпуске, и делимся интересными материалами по теме.

Современное искусство в России: союз с властью обречен?

19 сентября 2013

В Москве открывается пятая биеннале современного искусства.

Основной проект биеннале называется «Больше света»/More Light», в событиях которого примут участие более 70 художников и групп художников из многих стран мира. Проект сопровождается целым рядом параллельных событий и проектов, начиная с художественной ярмарки, заканчивая перформансами, выставками, диспутами и международной философской конференцией «Judgment Day, или Проблема эстетического суждения».

Патронами биеннале, в числе прочих, являются министерство культуры России и правительство Москвы. Государственный патронаж события современной художественной жизни такого масштаба вызвал разноречивые отклики в среде деятелей искусства.

О непростых взаимоотношениях художников и государства в современной России, а также об отношении властей к современному искусству корреспондент Русской службы Би-би-си Марк Григорян говорил с галеристом Маратом Гельманом и известным куратором Виктором Мизиано.

Марат Гельман: временное перемирие искусства и властей

Би-би-си: В России сложилась ситуация, в которой, с одной стороны, власти помогают современным художникам, например, министерство культуры России и правительство Москвы патронируют Пятую московскую биеннале. А с другой — мы то и дело слышим и читаем о том, закрывают выставки, подают в суд на художников… Что происходит?

Марат Гельман: У властей есть концепция, по которой современное искусство надо поддерживать как некую форму развлечения, культурного досуга. Иногда они вспоминают о том, что искусство интернационально и надо использовать искусство как способ выстраивать имидж России как части мира, части Европы.

Но как только художник начинает говорить на острые социальные проблемы, власть говорит: «Это уже не искусство».

И большинство людей в обществе готово с этим согласиться, потому что у них есть с советского времени представление о том, что художник — это по ведомству красоты и по ведомству удовольствия, а не по ведомству критики, аналитики и так далее.

И поэтому с одной стороны они максимально пытаются использовать современное искусство, а с другой стороны, пытаются пресечь… Причем запреты случаются не так часто. Гораздо чаще бывают пропагандистские наезды, когда они пытаются доказать, что если художник хочет высказаться по поводу ситуации в стране, по поводу, например, «болотного дела», то это уже вообще не искусство.

Например, мы сейчас готовим выставку художников, которые рисуют в зале суда, и уже объявляется, что это чей-то политический заказ.

Би-би-си: Когда я думаю об этой ситуации, у меня в голове постоянно вертится слово «постмодернизм». Такой постсоветский постмодернизм, когда в искусстве видят не поиск прекрасного, а проявление красивого. Не здесь ли кроются проблемы?

М.Г.: Вообще искусство никому ничего не должно. В разные исторические эпохи искусство играло разную роль. В России традиционно художник был больше, чем художник, он был и политик в то же время. Помните — «Поэт в России больше, чем поэт»?

Сейчас так получилось, что литература для власти не очень опасна, потому что население книжек не читает. А визуальное искусство оказалось гораздо более опасным, потому что с помощью интернета картинки распространяются мгновенно, и не надо тратить ни времени, ни интеллектуальных усилий, чтоб их читать. Поэтому власти решили, что [изобразительное] искусство гораздо опаснее.

А что касается постмодернизма, то в России он касается, в первую очередь, самой политической ситуации. Например, наша Дума — она же ничего не решает. Депутаты вместо поступков совершают жесты. Можно даже считать, что они такие коллективные художники, потому что политик у нас один — это Путин. А все остальные просто выступают с художественными проектами.

[Власти] говорят: мы хотим вашу свободу ограничить. Не полностью забрать ее у вас, а ограничить. А художественная среда этому сопротивляется.

Многие задают вопрос: как так — на Московской биеннале ни слова не будет о Pussy Riot, ни слова о «болотном деле», ни слова о фальсификации выборов.? Это получилось в результате филигранной работы комиссара и куратора биеннале, которые решили, что для них важнее сохранить саму институтцию — биеннале все-таки не первый год проходит.

Мое мнение, что если искусство в России не является авангардом общества, то оно вообще не нужно. И поэтому нынешнее перемирие между частью художественного сообщества и властью, я думаю, будет временным.

Надо понимать самое главное: искусство не может развиваться в несвободной ситуации.

Би-би-си: В истории мы видим множество примеров того, как художники стремятся к власть имущим, потому что власть — это заказ, а заказ — это возможность прокормить семью. И мы знаем, что в разные века было множество художников, композиторов, поэтов, архитекторов, которые искали покровительства властей.

М.Г.: Времена меняются… В эпоху Ренессанса художники шли к буржуазии, а не к власти, и считалось, что буржуазия дает свободу художнику. Были времена, когда основным заказчиком была не власть, а церковь…

Сегодня найден новый партнер для искусства, гораздо более важный и интересный — город. Когда имеешь дело с властью, власть говорит «прославляй меня», делает идеологический заказ. Когда художник взаимодействует с бизнесом, тот говорит: «Сделайте нам красиво, сделайте гламур, украсьте нашу жизнь». А художнику иногда этого совсем не хочется делать.

А когда художник сотрудничает с территорией, с городом — чего хочет город? Ну, например, стать известным на весь мир.

Художник говорит: «Я тоже хочу сделать проект, который сделает меня — и город — известными на весь мир».

Город говорит: «Сделайте так, чтобы люди вместо того, чтобы пьянствовать, ходили в музеи, на концерты».

Художник говорит: «Я бы тоже хотел, чтобы на мои выставки в музеях и на концерты ходили люди и стояли очереди».

Поэтому сейчас более интересным партнером для искусства является город, особенно в России. И Москва, и другие города сейчас идут на очень серьезное партнерство с художественным сообществом.

Вопрос в том, что параллельно с этим позитивным процессом взаимодействия художника и города идет процесс взаимодействия художника и так называемой федеральной политической власти.

И вот там эти процессы прямо противоположны. Федеральная власть говорит: «Я буду финансировать только те фильмы, которые прославляют, которые дают «правильную оценку» политическим событиям, фигурам и так далее». И там искрит. Там все время искрит.

И эти два процесса — они, вроде, разные, но проходят через одних и тех же людей, так что кажется, что идет один противоречивый процесс.

Би-би-си: Мы говорим о власти как о чем-то монолитном. Но ведь на самом деле имеет значение, кто именно находится у власти. А может, правильнее говорить о личности у власти и взаимоотношениях этой личности с современным искусством?

М.Г.: Это лужковский стиль. Лужков считал себя просвещенным Медичи, который сам приближал кого-то, кого-то отдалял, кому-то дарил целые музеи… Но это очень несовременная ситуация, потому что во время Медичи люди были невежественными, а знать просвещенной. А сейчас… Знаете ли вы, например, вкусы мэра Лондона? Думаю, если вы не были в его спальне, то вы его вкусов не знаете.

Власть должна опасаться проявлять свой вкус, потому что есть культурные институции. Когда Мединский, наш министр культуры, хвалится, что он сам читает киносценарии, я понимаю, что он занимается не своим делом.

У нас запрещена цензура, значит надо всем это разъяснить, надо перестать вмешиваться, надо привыкнуть к тому, что художник — иногда даже несправедливо — может и должен высказываться по поводу политической или социальной ситуации, и что это иногда бывает неприятно, но это надо терпеть.

Би-би-си: И наконец, художник, как и любой другой человек, имеет право на свое собственное мнение и имеет право его высказывать…

М.Г.: Сейчас идет такой нехороший процесс, потому что искусство и власть пошли по разным направлениям. В 90-е годы при всех трениях у нас у всех было одинаковое направление: мы все — и искусство, и власть — двигались в сторону объединения с миром, устанавливали связь с Европой… Мы стремились в будущее.

Сейчас наоборот: власти забыли слово «модернизация», мы говорим только о сохранении неких традиций, то есть власть смотрит в прошлое и ищет в прошлом свои основы. И она достаточно беззастенчиво декларирует особость России.

Да, конечно, говорят они, на Западе производят айпады, боинги, но мы, хотя и пользуемся ими, — особые, мы — отдельные, мы не такие, как все, мы не часть мира.

Эти — ровно на 180 градусов разные — векторы власти и искусства делают проблематичным сотрудничество с ней. Это очень скользкая дорожка.

Би-би-си: Вы обрисовали ситуацию гибели истории в одной отдельно взятой стране…

М.Г.: (Смеется) Ну, внутри этого рисунка есть такие феномены, как московская биеннале, которая все еще существует, хотя она как бы из прошлого, потому что пытается демонстрировать, что Россия, или по крайней мере Москва — все-таки часть мира.

Но общая тенденция именно такова. И сейчас возможен любой изыск истории, кроме одного: если они отменят свободу, тогда этот конфликт перестанет быть конфликтом, скажем, Марата Гельмана с какими-то конкретными политиками и станет конфликтом искусства и власти.

Виктор Мизиано: альянс власти и искусства дал трещину

Виктор Мизиано — главный редактором «Художественного журнала», трижды курировал российский павильон на Венецианском биеннале.

Би-би-си: С одной стороны, мы видим, как власти оказывают давление на современных художников. А с другой стороны, те же власти помогают художникам, выступают в качестве патронов и организаторов выставок и, в частности, Московской биеннале. Получается, что в отношении властей к современному искусству есть некая двойственность?

Виктор Мизиано: Безусловно, есть. Мне кажется, это имеет отношение не только к искусству, а ко всей современной общественной жизни, что дает основание очень многим наблюдателям, политологам и кремлеведам говорить о наличии разных кланов, групп во власти, которые борются между собой, перетягивая эпицентр власти то в одном, то в другом направлении.

Вы правы: с одной стороны мы имеем патронирование биеннале современного искусства, а с другой — явные случаи репрессий по политическому или иконографическому характеру выставок. И дело не только в биеннале — например, в Москве сейчас идут разговоры о том, чтобы создать музей современного искусства. В это позитивно и конструктивно вмешивается Собянин, который очень хочет связать со своим пребыванием во главе московского правительства появление такой ультрасовременной институции. Мы действительно имеем здесь дело с двумя тенденциями.

И эти два вектора существуют уже давно. Ставка на поддержку актуальной культуры как репрезентанта, как наглядного носителя модернизации был у новой российской власти первых послесоветских лет. И точно так же с первых послесоветских лет мы сталкиваемся с примерами цензуры, скандалов, которые провоцировали выставки, вызывавшие внимание, вызывавшие резкую реакцию неприятия со стороны общественности и в конечном счете (а иногда изначально) у представителей российской власти.

Этот контрапункт сопровождает постсоветскую художественную жизнь с первых ельцинских лет.

Би-би-си: А давайте теперь посмотрим на ситуацию с обратной стороны. Нет ли двойственности в отношении художников к власти? Ведь художники ищут покровительства властей, и в то же время хотят быть свободными?!

В.М.: Эта двойственность, конечно, присуща не только обществу и власти, но и художественной среде. Собственно говоря, в чем суть проекта современного искусства в постсоветской России? Он в чем -то отражал умонастроения молодых либеральных реформаторов. Идея была — если суммировать, редуцировать до квинтэссенции — следующая: политическая свобода неотторжима от рынка. То же самое, в понимании большинства в художественном мире начала 90 -х годов, верно и в отношении художественной свободы.

Умонастроение было таково: надо служить рынку, надо убедить власть в том, что искусство — носитель новых современных ценностей и поэтому оно власти нужно, и надо поддерживать рынок. И это неумолимо приведет современное искусство к свободе, к расцвету и мировым стандартам.

Этот проект с самого начала стал приводить к конфликтам — конфликтам с общественностью и с властью.

И в это же время умонастроение было по большей части не в пользу тех художников, которые стали субъектами скандалов. В то время художественная среда в лице своих ярких и авторитетных представителей как раз считала, что нужно избегать скандалов, потому что наша задача — создать рынок, стать привлекательными, затребованными и найти свое место в новой общественной конфигурации.

С другой стороны, скандалы защищали. Но не с точки зрения тех ценностей, которые деятели искусства, провоцировавшие скандал, вкладывали в те или иные свои жесты (если эти ценности вообще были — чаще всего, признаться, их и не было). Защита скандала часто сводилась к промоутирущему эффекту бурного общественного события.

Считалось, что, да, конечно, может, мы и потеряем каких -то симпатизантов, но зато все общество узнает, что современное искусство существует. И поскольку скандал всегда становится идеальным событием, то мы, таким образом, напоминаем широкой среде, что мы существуем. И это тоже очень позитивно.

Я бы сказал, что, большей частью, умонастроение в художественной среде было очень конформистским. И даже со скандалами и вызовом оно связывало стратегию захвата общественного внимания и привлечения к себе интереса медиа, общественности и власти.

А с конца 2011 года ситуация изменилась. Сейчас мы имеем дело с конфликтом между властью и художественной средой: у художественной среды возникло ощущение, что власть, или, по крайней мере, ее авторитетная часть, какие -то авторитетные группы или кланы во власти, явно не связывают дальнейшее общественное строительство с современным искусством.

Союз, альянс [между властью и современным искусством] дал трещину. И это, с одной стороны, заставило многих стать еще более конформистски настроенными, чем прежде. Ну, а у части художественной среды — в первую очередь, молодой, — начало формировать более зрелое, более продуманное и ответственное ощущение того, что искусство — это сфера искания ценностей, отличных от ценностей истэблишмента, власти, особенно той власти, которая критикуется за авторитарность и консерватизм.

И это делает для меня ситуацию художественной среды сейчас несравненно более интересной и продуктивной, чем она была в период путинской стабилизации 2000 -х. Тогда, в атмосфере конформизма и лизоблюдства, признаться, я лично, и многие другие мыслящие деятели художественного мира просто задыхались в удушливой атмосфере тех лет. Сейчас дышится намного легче.

Би-би-си: Может, сейчас дышится интересней…

В.М.: Дышится! Просто дышится. Стало дышаться.

Би-би-си: Но ведь наверняка можно художнику быть свободным, и в то же время находиться под покровительством властей. И история знает такие примеры. Но когда мы говорим реалистично, о ситуации, которая есть, а не о ситуации, какой она могла бы быть, мы видим, что власть имущие создают рынок и требуют, чтоб им «сделали красиво».

В.М.: Действительно, я мог бы адресовать многим прогрессистски настроенным деятелям актуальной художественной сцены в Москве упрек в том, что они демонизируют власти. Они связывают свое взыскание свободы исключительно с противостоянием консервативному повороту, который наметился во внутренней политике России, но при этом они не подвергают сомнению прямое отождествление искусства с рынком.

В то время как их западные коллеги, критически настроенные интеллектуалы и художники, в очень большой степени видят поиски свободы именно в преодолении рыночного пресса.

Вот это сознание пока не сформировалось в художественной среде [России], хотя, конечно, это понимание приходит к наиболее продвинутым, аналитически, интеллектуально и интернационально ориентированным художникам и критикам. В этом смысле мы сделали очень важный шаг по сравнению с рыночной апологией 90 -х.

Но помимо этого я бы сказал еще вот что: ситуация представляется мне довольно запутанной. Далеко не всегда те или другие скандалы или протесты спровоцированы властью. Часто происходящее действительно носит характер некоего общественного конфликта.

Часто современное искусство вызывает протест неких объединений, ассоциаций, сообществ, которые действительно находят в тех или иных высказываниях художников, формах, мотивах, иконографии нечто для себя оскорбительное. И тут, как мне кажется, происходит опасная вещь, когда все эти конфликты моментально «вмазываются» в некую консервативную политику власти, отождествляются с властью. Что, с моей точки зрения, не совсем верно.

В конце концов, кто сказал, что гражданское общество — это общество только либерально настроенных людей? Гражданское общество может включать в себя людей, мыслящих очень по-разному. И необходимость диалога, поиска взаимопонимания, поиска разумной, точной, корректной аргументации в свою защиту требуется не только со стороны консерваторов, но и со стороны либерально, инновативно, поисково настроенной художественной среды.

Демократия, гражданское общество — это и диалог, и спор. Подчас спор очень резкий. Это антагонизм, как говорят модные философы Шанталь Муфф и Лакло. Это процесс постоянного конфликта. Это тоже очень важный момент, который должен быть понят культурной средой России.

И есть еще важный момент. Когда конфликт представителей мыслящего класса с властью стал фактом широкого общественного достояния не только в России, но и на Западе, мы тоже должны признать: часто конфликты создаются, в том числе и потому, что у них есть прекрасный пиар.

Происходит промоутирование отдельных индивидуумов, у которых оказываются довольно сильные горловые связки. И конечно, крайне опасно говорить каждый раз, что любой скандал, происходящий под левыми лозунгами, есть исключительно воля к пиару. Но этот аргумент тоже нужно использовать крайне осторожно, иначе повторишь консервативную риторику.

Би-би-си: Мы с вами говорим о конфликте, происходящем в пространстве культуры, искусствоведения, художественной критики. Такие конфликты реализуют себя в спорах, диспутах — будь то в аудиториях, или в прессе или в блогосфере. Но в нынешней России конфликты переходят в суды и заканчиваются реальными сроками, тюрьмами и лагерями. А это не художественное восприятие конфликтов и их сущностей.

В.М.: Да, к сожалению. Но вот с чем, например, часто сталкиваюсь я как эксперт в области современного искусства с некоторым академическим статусом. Ко мне обращаются как к эксперту, чтобы я завизировал высокое художественное качество тех или иных художественных событий или фактов искусства.

Проблема моя состоит в следующем: часто я не имею внутренних условий для того, чтобы завизировать высокое художественное качество, поскольку я сталкиваюсь с нехваткой художественной информации, а часто и просто низким эстетическим качеством события, спровоцировавшего скандал.

Но я в то же время оказываюсь в ситуации морального давления, потому что мое воздержание от эстетического суждения может обернуться этическим уроном — человеку могут повысить срок, или вообще просто дать срок.

Может, нужно апеллировать к высокому авторитету искусства, чтобы облегчить человеку страдания? Это всегда очень трудная проблема. Она всегда сопровождает культуру, которая ориентирована на то, чтобы ломать статус-кво.

Почему этого не происходит на Западе, вернее, почему в европейских странах это никогда не доходит до такой степени ожесточения? Исключительно в силу демократической культуры, накопленного опыта толерантности.

Проблемы неизбежны. Неизбежны конфликты, которые регулярно происходят и в европейских странах.

Единственное, на что мы можем уповать, это то, что современная русская культура продолжит движение по пути инноваций, по пути ломки статус-кво, поиска новых ценностей, а общество научится с этим уживаться. И обе стороны в этом конфликте повысят свое чувство общественной ответственности и привыкнут к тому, что не все, находящиеся рядом с тобой, мыслят так же, как и ты. Мы, видимо, имеем здесь дело с процессом, который, надеюсь, не прервется, а выведет нас к новым общественным и эстетическим горизонтам.

Обзор изданий об искусстве регионов России

Край бунтарей. Современное искусство Владивостока. 1960–2010-е.

М.: Maier Publishing, 2016. — 144 с.

Издание приурочено к одноименной выставке, прошедшей в Центре современного искусства «Заря» во Владивостоке в 2015–2016 гг. Экспозиция включала произведения 23 художников, мало известных за пределами Приморья.

Для кураторов Алисы Багдонайте и Веры Глазковой важным было показать прежде всего «неофициальное» искусство региона, сделав упор на его концептуальную ветвь и вписав его в общероссийский художественный контекст. В каталоге опубликовано несколько статей, авторы которых предлагают различные подходы к изучению представленных в проекте работ.

Искусствовед Наталья Левданская в статье «1960–1970-е — нонконформизм или андеграунд» акцентирует внимание на особой закрытости Приморского региона и Владивостока в силу их приграничного статуса — по этой причине объективных условий для появления «другого» искусства здесь почти не существовало. Неофициальное искусство края в итоге основывалось на живописи, авторы которой, несмотря на, казалось бы, роднящий их экспериментальный характер работ, не смогли объединиться или организовать хотя бы одну коллективную выставку. Актуальная художественная среда в регионе зародилась с появлением здесь художественных групп («Владивосток», «Штиль», «Триада») и частных галерей и салонов («Артэтаж», «Арка» и др.). Однако в своей карьере местные авторы ориентировались в большей степени на соседние страны — Китай, Корею, Японию — и потому зачастую оставались невидимыми для российского искусства.

В статье Арсения Штейнера «Близкий Дальний Восток» поднимается вопрос невозможности для современников адекватно описать реальный художественный процесс. Юлия Лидерман в тексте «Документ революции (заметки культуролога)», напротив, представляет убедительную методологию анализа этого процесса — через реконструкцию контекста конкретных произведений.

Кураторы выставки и составители каталога не ограничили свой выбор лишь признанными «неофициальными» художниками края, но включили в этот ряд молодых художников, среди которых проект «33+1», Кирилл Крючков и Алексей Круткин. И это делает проект по-настоящему интересным.

Настоящий каталог — одна из важнейших попыток ввести в научный оборот не только новые имена, но и историю искусства целого края. Вопрос же, каким образом произведение, возникшее в локальном контексте, может продолжить жизнь за его пределами, остается открытым. И. Б.

Современное искусство: как изменилось искусство с приходом новых технологий

Мы уже рассказывали о том, как на искусство повлияло обоняние и как ароматы стали в один ряд с кистями и красками. А как насчет новых технологий? Илон Маск уже чипирует поросят и шимпанзе, а Марк Цукерберг считает, что скоро мы будем телепортироваться на важные встречи и путешествовать виртуально. Самое время узнать, что в этот момент происходит в мире искусства. 

Искусство в некотором смысле подобно экономике – может расти количественно и качественно. В первом случае – за счет расширения спектра органов чувств, которые оно захватывает. Сначала искусство либо слушали, либо смотрели. Потом еще читали. В какой-то момент стали и слушать, и смотреть. И нюхать. И ощущать. В конце концов мы получили иммерсивное искусство – полное погружение и особое взаимодействие автора и зрителя. Причем для этого необязательно использовать новые технологии. Рассказываем, как сейчас выглядит иммерсивное искусство в России и за рубежом.

Иммерсивное искусство в России

SAMSKARA в ArtPlay

2017–2019, Москва

Выставочный проект художника Андроида Джонса совместно с FULLDOME.PRO и студией «360Арт». Область интересов Джонса – инсталляции и интерактивные проекции. Московская экспозиция «Самскара» – это одна из недавних и масштабных работ Андроида. Погружение гостей достигалось за счет технологии полнокупольного кинотеатра Full Dome HD (название говорит само за себя). 

Джонс представил свои арт-объекты в девяти разных формах, среди которых были видеоинсталляции, цифровые полотна, динамические скульптуры и фильмы, созданные с помощью приложения виртуальной реальности Microdose VR. Кроме работ самого Андроида, зрители могли изучить и детища российских художников. Одним из них был Kuflex и его проект Symbiosis. Инсталляция «оживала» лишь тогда, когда подходил человек и начинал двигаться – появлялись проекции изображений. 

Спектакль «Вернувшиеся»

Санкт-Петербург

Это постановка по мотивам пьесы Генрика Ибсена «Привидения». Правда, нет ни сцены, ни кулис, ни антрактов (иначе о каком полном погружении может идти речь?). Место действия – особняк XIX века, который некогда принадлежал этнографу, меценату и коллекционеру В. А. Дашкову. Да-да, такой таинственный, загадочный и мистический – прямо как в книгах или кино. Вместе с персонажами спектакля зрители за три часа проходят 50 комнат, коридоров и даже потайных ходов. Что касается сюжета: в жизни главной героини случается драма – события и образы прошлого не отпускают и мучают ее, влияя на будущее девушки. 

RESET 2.0 в центре «МАРС»

Москва

Выставка-исследование, которая по сути изучает то, о чем мы пишем тут: цвет, звук, запах, их влияние на человека и его восприятие мира и, главное, как все это может помочь эмоционально «перезагрузиться». Получается своего рода арт-терапия. Семь залов, в которых произведения искусства, созданные различными инструментами и воздействующие на разные органы чувств, помогают гостям лучше узнать себя и расслабиться. RESET 2.0 проходила в несколько этапов. В финальном, третьем, например, появились новые инсталляции, digital-проекции, программа виртуальной реальности и «аромат радости».

Спектакль «Дом 19|07»

Москва

Еще один иммерсивный спектакль – в старинной усадьбе Поливанова XIX века. Цифры в названии даны неспроста: действия разворачиваются в 1907 году, а постановка начинается в 19:07. Один дом, восемь героев, их жизненные пути и истории любви и предательства. Погружение зрителей в атмосферу и события достигается не только благодаря историческим интерьерам, но и за счет новых технологий.

Мультимедийный проект «Айвазовский, Кандинский, Дали и Бэнкси. Ожившие полотна»​​

2021, Санкт-Петербург

В креативном пространстве «Люмьер-Холл» гостям предлагают погрузиться в полотна знаменитых художников – благодаря лазерным проекциям и объемному звуку. «Ожившие полотна» – не новый проект для «Люмьер-Холла», тут не раз проходили выставки, созданные с помощью современных технологий. Например, в 2016 году здесь экспонировали «Ожившие полотна» Фриды Кало. Но прогресс не стоит на месте (как и работа этого креативного пространства). 

Иммерсивное искусство в мире

Выставка «Эдвард Хоппер и американский отель» в Виргинском музее изящных искусств

2019–2020, США

Экспозиция была посвящена отелям в творчестве американского художника Эдварда Хоппера. На первый взгляд традиционная выставка – несколько десятков картин из галерей и частных коллекций, письма, дневники и путевые записки. А потом вы заходите в один из залов и обнаруживаете там воссозданный интерьер «Западного мотеля», в котором можно забронировать ночь – прямо как в настоящем. 

Выставка работ Амедео Модильяни в галерее Тейт Модерн

2017–2018, Великобритания

Проект Modigliani VR: The Ochre Atelier с помощью технологии виртуальной реальности воссоздал парижскую мастерскую живописца Амедео Модильяни. Предметы (которых в комнате несколько десятков) не выдуманы организаторами экспозиции – они на самом деле находились в мастерской итальянского художника, это подтвердили историки искусства. 

Выставка «Спальни ван Гога» в Чикагском институте искусств

2016, США

В детстве мы с друзьями очень хотели остаться на ночь в школе – казалось, что под покровом тьмы там происходит что-то необыкновенное. А как вам идея переночевать внутри картины? Экспозиция в Чикагском институте искусств впервые показала зрителями сразу все три версии полотна, на котором изображена комната Винсента Ван Гога в Арле. А вместе с Airbnb (онлайн-площадкой для размещения и поиска краткосрочной аренды частного жилья по всему миру) музей воссоздал интерьер этой комнаты в реальной квартире, которая располагалась неподалеку от института. Там можно было переночевать.

Картина Винсента Ван Гога «Спальня в Арле»

© Art Institute of Chicago

Воссозданный в рамках выставки в Чикагском институте искусств совместно с Airbnb интерьер комнаты Винсента Ван Гога 

© Art Institute of Chicago

Вернемся к началу наших размышлений. Говоря о «количественном» росте искусства, мы уже постепенно начали затрагивать и «качественный» его рост (дело в том, что одно без другого практически не существует). То есть те самые новые технологии, которые выводят арт-объекты на другой уровень. Кроме того, они помогают авторам делиться своим творчеством. Например, у многих современных художников сейчас есть инстаграм-аккаунт с фотографиями работ и анонсами мероприятий. 

Приводя примеры для каждой отдельной технологии, я пришла к важному выводу. Одна из ключевых черт «нового современного искусства» – это

синтез. Становится все сложнее классифицировать художников и их работы, потому что они все чаще творят «на стыке». То есть каждая технология может применяться сама по себе, а может вместе с другими новыми инструментами и форматами. Например, проекция и объемный звук или видео и скульптура, еще бывает VR и холст – вариаций множество. Видимо, когда-нибудь мы придем к тому, что вся наша жизнь будет искусством – эдаким иммерсивным гиперреалистичным спектаклем. 

Все же попробуем рассказать по отдельности о каждой технологии. При этом стоит помнить, что большинство из них как раз способствуют иммерсивности искусства.  

Аддитивность 

Есть такое словосочетание – «аддитивные технологии» – это послойное наращивание для создания какого-либо объекта. Так мы в конце концов получаем аддитивное искусство. Проще говоря, это применение технологии 3D-печати в творчестве. Если раньше у художников и скульпторов были только глина и камень – и попробуй преврати эти природные материалы в произведение искусства, то сейчас можно запустить принтер, который выдаст трехмерное изображение. Но, конечно, не все так просто. Не стоит думать, что технологии обесценивают труд авторов. Значительное преимущество 3D-печати перед, например, бетоном или гипсом – вариативность и легкость материалов. Благодаря этому можно экспериментировать с конструкциями и формами. 

Примеры

Ник Эрвинк с помощью трехмерного принтера создает футуристические скульптуры. Роб и Ник Картеры пошли дальше. Вместе с 3D-компанией MPC они сначала напечатали 3D-модель полотна «Подсолнухи» Винсента Ван Гога, а затем отлили ее в бронзе. Дизайнер Джи Ли оставил небольших кроликов, созданных с помощью 3D-печати, в разных уголках мира – этот проект он назвал Mysterabbit. Более того, если у вас есть 3D-принтер, можно скачать файл, любезно оставленный автором, и напечатать кролика самостоятельно. В центре «МАРС» в Москве прошла экспозиция «Виртуальные зеркала Константина Худякова» – свои объемные работы художник отразил в зеркальных композициях, а после еще оживил на экранах (вот опять синтез!).

Виртуальная реальность

Историк искусств Майкл Раш в своей книге «Новые медиа в искусстве» пишет о том, что VR – это новая форма общения автора и зрителя, возможность полного погружения в работу. К тому же сейчас эта технология становится все более доступной. Виртуальная реальность – это расширение возможностей не только художников, но и галерей, музеев, выставочных пространств. Первые создают свои удивительные вселенные и произведения искусства, а вторые – устраивают виртуальные туры. Небольшая техническая справка: пропуск в виртуальную реальность – специальные очки со встроенным экраном с большим углом обзора. На него транслируют виртуальную реальность, а у человека появляется ощущение погружения.

Примеры

Британская художница Грехтен Эндрю создала проект Alternate Reality. В рамках него зрители могли увидеть не только сам арт-объект, но и процесс работы над ним – надевая VR-очки. Здесь же нужно вспомнить про воссоздание мастерской Модильяни – об этом мы рассказали чуть раньше, говоря об иммерсивных выставках. А в 2018-м в Новой Третьяковке можно было виртуально изучить мастерские Натальи Гончаровой и Казимира Малевича. Двумя годами раннее в центре «МАРС» прошла выставка «Метаформы», в рамках которой было представлено два варианта для каждой работы – традиционный и виртуальный. VR позволил углубиться в арт-объекты и изучить их на новом – метауровне.

Дополненная реальность

Это то, что мы знаем под аббревиатурой AR, – близкий друг VR. Если виртуальная реальность – это новый, цифровой мир, в который зритель попадает через экран, то дополненная реальность – это наша действительность, в которую «проникают» созданные объекты и образы. Работает это примерно так: человек наводит камеру мобильного телефона и видит на экране те самые дополнительные объекты – виртуальную реальность. То есть это наложение виртуального на реальное, а не обособленный фантазийный мир. Как устройство понимает, когда и где показывать AR? Либо благодаря так называемым «маркерам» (специальным меткам), оставленным в действительности, либо по координатам, либо с помощью ландшафтов (и сетки – то есть сам ландшафт становится «маркером»). AR может не только дополнять реальность предметами, но и «оживлять» статичные работы, заставлять изображения двигаться.

Примеры

В 2019 году нью-йоркский Новый музей вместе с компанией Apple работали над проектом [AR]T Walk. В нем приняли участие такие художники, как Карстен Хеллер, Джон Джорно, Пипилотти Рист, Ник Кейв, Цао Фэй, Натали Юрберг и Ханс Берг. Они создали дополненную реальность для бесплатных арт-прогулок по шести городам. Полтора-два часа (в зависимости от программы) участники смотрят, как преобразились Париж, Лондон, Нью-Йорк, Сан-Франциско, Гонконг и Токио благодаря арт-объектам AR. 

Представление технологии AR на Всемирном компьютерном конгрессе (World Computer Congress) 2020 в Международном центре культуры и искусства «Мэйсиху» (Meixi Lake International Culture Art Centre)

© Getty Images

Цифровое искусство и искусственный интеллект

Цифровое искусство – это и видео-арт, и графический дизайн, и проекции (о которых мы тут уже довольно много написали), и все картины и арт-объекты, созданные с помощью компьютера, а не холста и красок. Сюда же можно отнести использование искусственного интеллекта и нейросетей в творчестве. Кстати, у этих двух понятий есть разница. Если кратко, то первое – это общее название области, в которой есть раздел «машинное обучение», а второе – частный случай машинного обучения. Правда, это все еще суперновый и вызывающий дискуссии аспект современного искусства. Для работы с ИИ и нейросетями необходимо писать коды. То есть без участия человека все равно ничего не получится. Но насколько такая искусственно сгенерированная, например, картина остается искусством? Это пока что вопрос, близкий к философскому. Правда, работа, созданная с помощью компьютерного кода, была даже продана на аукционе за внушительные 0,5 миллиона долларов. Речь идет о портрете Эдмонда Белами – одного из полотен серии «Семья Белами». Семейство это, к слову, выдуманное. 

Примеры

Японский проект teamLab – это не только художники, но и инженеры, математики и дизайнеры интерфейсов. Все они исследуют и создают цифровое искусство. После того как выставки teamLab стали популярны и успешны, создатели основали постоянный музей – MORI Building DIGITAL ART MUSEUM: teamLab Borderless. Это пространство, где все заполнено проекциями, digital арт-объектами и искаженным пространством (например, кривые стены) – в общем, искусством, созданным с помощью новых технологий. Кстати, забавная отличительная черта не только этого проекта, но и многих других современных экспозиций – фотографировать можно. И даже нужно. Понятно, что старинные ценные полотна боятся вспышки из-за хрупкости своего материала. Но мне что-то подсказывает, что дело не только в этом. Когда речь идет о новых арт-объектах, зритель часто становится их неотъемлемой частью – и запечатлевает этот момент на камеру. 

Кроме средств, эдаких новых инструментов, у современного искусства есть и новые черты – свойства. Основное – конечно, иммерсивность, с которой мы начали наш рассказ. Но вот еще один важный момент – интерактивность.

Это возможность взаимодействовать с объектом. Это о том, что можно трогать, щупать, на что можно влиять и так далее. Один из наиболее интерактивных музеев в Москве – Еврейский музей и центр толерантности. Там есть и панорамные кинотеатры, в которых история становится ближе, и аудиовизуальные инсталляции, и интерактивные экраны. 

Другой пример – перформанс российского художника Ростана Тавасиева «Океан. На дне 3D» в шоуруме Audi City Moscow. Это проект, который визуализирует творческую мысль, идею и ее судьбу. Все начинается с объемных красных рыбок с полотна Анри Матисса. Им угрожают разные опасности – акула, книжная полка – они метафорично изображают то, что может погубить идею. После на экран выводятся сразу два видео – документальный фильм «Коралловый рай» (так называемый красный канал) и постановка пьесы Максима Горького «На дне» в театре «Современник» («синий канал»). Автор сравнивает поведение рыб и людей в сложной ситуации. Интерактивность работы Тавасиева заключается в выборе, который делает зритель на этом этапе, – цветофильтры позволяют человеку решить, что он будет смотреть.

Машина времени уже существует

Получается, новые технологии в искусстве выполняют сразу две на первый взгляд противоречащие друг другу (на самом деле, вовсе нет) функции – отправляют зрителя как в прошлое, так и в будущее. Кроме того, есть и третий вариант – абсолютно новый мир, другая реальность, фантазия. 

Проникновение технологий в искусство не значит, что мы «бросаем с парохода современности» достижения прошлых лет и даже веков. Наоборот – углубляемся в историю уже созданного и созидаем новое, всеобъемлющее, воздействующее практически на все органы чувств искусство. Ощущение, словно сама жизнь постепенно становится этим искусством – настолько сильно мы в него погружаемся.

Вероятно, вам также будет интересно:

Где покупать искусство онлайн

12 фильмов о художниках и скульпторах, которые вдохновляют

Как найти современных художников, чье искусство вам по карману

13 популярных российских художников, которые живут в наше время

Современное искусство в регионах и где его искать, от Владивостока до Тамани

Пока московские музеи закрыты, а путешествия ради искусства возможны в основном онлайн — если не считать непременно приходящего на ум Санкт-Петербурга, куда в декабре стоит отправиться и ради южнокорейской художницы Ли Бул, и ради Сесила Битона. В конце месяца часть своей коллекции на российском Севере выставит Андрей Малахов: в обозримом будущем он планирует возвести в родных Апатитах (Мурманская область) центр современного искусства «Сияние», а пока готовится открыть там же проект With Love in Cold Climate/«В холодном климате, с любовью». Работы Уорхола, Хокни, Рондиноне, Леже, а также Синди Шерман и российских современных художников — Павла Отдельнова, Петра Белого, Антона Ольшванга — будут показывать в местной библиотеке им. Гладиной начиная с 27 декабря.

На российском юге же, в фонде искусства «Голубицкое», который в этом году появился неподалеку от Анапы, только что открылась выставка «Таманский декамерон» (11 декабря — 3 апреля 2021 года) — исследовательский проект Сергея Куликова и Николая Смирнова с участием Алины Десятниченко, группировки ЗИП и Владимира Мигачева. По этому случаю мы расспросили главного куратора фонда Алису Багдонайте, занимающую аналогичную должность в ЦСИ «Заря» во Владивостоке, о ключевых художественных институциях в российских регионах. Коротко о Выксе и Эрике Булатове, Уральской биеннале и премии «Инновация», а также о многом другом — ниже.

Алиса Багдонайте

Однажды я задала Андрею Ерофееву (искусствовед, куратор, сопредседатель Международной ассоциации художественных критиков (AICA). — Прим. Vogue) вопрос: какая концепция могла бы объединить самые разные уголки нашей страны, такие отдаленные друг от друга? Его ответом стала выставка «Пустырь и пустошь», которая находила общей чертой всех мест России запустевшее пространство. Рассказчиками этой печальной истории выступили Семен Файбисович, Владимир Немухин, Олег Васильев, Валерий Кошляков и многие другие звездные имена русского искусства, которые оплакивали унылое заброшенное тело родины в залах Центра современного искусства «Заря». В проекте было много молодых художников, которые хуже встраивались в минорное повествование. При всей гениальности концепции, на мой взгляд, выставка вышла хоть правдивой, но поколенческой, грустно, через плечо, оглядывающейся в прошлое. 

Пустое пространство для поколения путешественников и оптимистов значит скорее место с потенциалом — будущее, новое, такое, которое они создают сами

Сегодня печальное поколение, охваченное ностальгией, сменяется поколением путешественников и оптимистов, которые уже не помнят, утрату чего именно символизируют пустыри. Пустое пространство для них значит скорее место с потенциалом — будущее, новое, такое, которое они создают сами. На разных территориях большой размер нашей страны предлагает нам посмотреть, как по-разному художественные институции в разных ее краях решали, из каких кирпичей прошлого они собираются строить свое будущее. Иногда это было продиктовано сознательным выбором, но чаще — его отсутствием. 

Фабрика «Заря». Архитектурный объект. Беседка «Сень» авторства «Обледенения архитекторов», 2018

Владивосток

Мое путешествие по России в поисках искусства, которое может дать ответы на некоторые вопросы, начинается в Центре современного искусства «Заря» во Владивостоке, основанном Александром Мечетиным, который мне посчастливилось возглавлять с 2014 по 2020 год. «Заря» гордо несет имя швейной фабрики, градообразующего предприятия и района, который вокруг него образовался. Обанкроченное в 1990-х «женское место» в 2000-х стало преобразовываться, а в 2010-х сделало ЦСИ флагманом джентрификации. 

Изменить отношение метрополии с провинцией мы не могли, но могли повернуть шахматную доску, воображая, что мы в центре мира

Сюда не привозили прокатные выставки — их создавали на месте. Такими, чтобы из-за них хотелось полететь в самую дальнюю «провинцию у моря», такими, чтобы в одних музейных залах возникали и работали вместе серьезные кураторы, большие художественные имена, новые пассионарные художники и владивостокские деятели культуры. Изменить отношение метрополии с провинцией мы не могли, но могли повернуть шахматную доску, воображая, что мы в центре мира, и, вооружившись иголкой и ниткой, «пришивать» владивостокскую окраину к большой сцене искусства. Так, во Владивостоке были впервые показаны работы Казимира Малевича, Натальи Гончаровой, Ильи Чашника, Льва Нусберга, Вячеслава Колейчука, Александра Бродского и других классиков русского искусства XX и XXI веков. 

Фабрика «Заря». Объект «Место для курения», группировка ЗИП, 2018

Здесь же была создана самая бодрая в России международная и арт-резиденция, здесь первым делом описали местную художественную сцену, по сути, поддержав новый тренд на региональное, здесь же впервые открылся музей институции, посвященный самой себе. Теперь в «Заре» можно видеть самые яркие предметы из ее коллекции. А на территории фабрики раскинулся музей уличного искусства под открытым небом — с работами таких художников, как Тимофей Радя, Валерий Чтак, Никита Номерз, Слава Птрк, Дмитрий Аске, и не только.

Красноярск

По ту же сторону от Урала, помимо «Зари», есть не так много мест, где путешественнику открываются выставки современного искусства. Но, без сомнения, один из самых мощных центров притяжения — музей «Площадь мира» в Красноярске. В нем интересно все: здание в стиле советского модернизма, превращение из филиала Центрального музея Ленина в очаг современного искусства в Сибири, также впечатляет коллекция современного искусства, в которой есть работы Леонида Тишкова, Юрия Аввакумова, Константина Батынкова, Ирины Затуловской и событийная программа, которая из Сибири в 1995 году запустила биеннальное движение в России и до сих пор проводит Красноярскую биеннале. Переживая трансформацию из музея Ленина в «гнездо актуального искусства России», как его называет художник Леонид Тишков, этот музей продемонстрировал на своем примере, как можно органично и правильно сохранять, использовать наследие советского модернизма и направлять энергию идеологических противоречий в нужное русло. 

Екатеринбург

Помимо модернистской архитектуры и культов личности от Советского Союза нам досталось и богатое индустриальное наследие, руда которого обогатилась новыми смыслами тоже при помощи искусства. Куратору Алисе Прудниковой удалось создать одну из самых интересных и заметных в мире биеннале современного искусства, благодаря которой раз в два года Екатеринбург становится художественной Меккой современного искусства в России. 

Помимо биеннале здесь имеет смысл посетить Уральский филиал Пушкинского музея (ГЦСИ в Екатеринбурге) и дом Метенкова, при котором работает арт-резиденция «Новая история Екатеринбурга», а также «Ельцин-Центр», который предлагает не только взгляд на историю возникновения нашей страны, но также временные выставки, театральные и музыкальные программы. А вот галерею уличного искусства «Свитер» можете не искать — она закрылась в прошлом году.

Уральский филиал Пушкинского музея (ГЦСИ в Екатеринбурге)

© Фото: Аня Марченкова

Нижний Новгород

Культурный ренессанс переживает Нижегородская область, которая может похвастаться великолепным филиалом ГМИИ — ГЦСИ «Арсенал» (реконструкция Арсенала Нижегородского кремля — работа архитектора Евгения Асса), который теперь проводит Государственную премию в области современного искусства «Инновация», организуя главный слет арт-деятелей в стране, так что если вы не выберетесь сюда на богатое празднование 800-летия Нижнего, приезжайте на «Инновацию» и посетите всю параллельную церемонии программу, в которую обязательно входит уличное искусство, посещение художественной мастерской «Тихой», галерей Futuro и 9Б. Не забудьте зайти в Музей собрания русского авангарда и погулять по городу, чтобы увидеть редкое и гармоничное сочетание старинной деревянной архитектуры и уличного искусства.

Стине Дея. Жесткая сердцевина, мягкие тела. Инсталляция. 2018. Выставка «Extemporary_ искусство вне времени». Арсенал, Нижний Новгород

Примечание Vogue: Восемь персональных выставок авторов, представленных на «Инновации» в номинациях «Художник года» и «Новая генерация», проходят в нижегородском Арсенале до 17 января 2021 года.

Выкса

Больше уличного искусства и паблик-арта вас ждет только в городе Выкса, где из года в год проводят фестиваль «Арт-овраг». В городе можно увидеть работы Славы Птрк, Стаса Багса, а на заводских стенах (обязательно попадите на завод!) следует увидеть самые большие в мире граффити авторства Миши Моста и национальную достопримечательность — мурал Эрика Булатова. А еще выксунская резиденция в следующем году переедет в новое здание, и вы сможете увидеть, как запущенное модернистское здание станет центром городской культуры. 

В другом городе Нижегородской области, Дзержинске, в отличие от Выксы, современного искусства нет, зато есть постапокалиптические пейзажи, которые в своих проектах проанализировал и воспел художник Павел Отдельнов.

Воронеж

В Центральном Черноземье за пульс современного искусства отвечает Воронеж, который нам дал много имен современного искусства: Арсений Жиляев, Илья Долгов, Кирилл Гаршин, Николай Алексеев и отец и сын Сергей и Иван Горшковы. В Воронеж наведывался Лев Толстой, посетите его и вы, но ваша цель — не бал, а фейерверк искусства, который Иван Горшков устраивает у себя в мастерской, в других местах и при участии галереи «Хлам». Будучи в Воронеже, посетите и расположенное неподалеку место силы, питающее местное искусство: заповедник «Дивногорье». 

Ростов-на-Дону

В Ростове-на-Дону современного искусства немного, поэтому там я предлагаю посетить богатый рынок, поесть раков с пивом, а потом в хорошем настроении погулять по южному городу и среди прочего посмотреть на скульптуру Сергея Коненкова «Разин с дружиной» и на конструктивистское здание Ростовского театра драмы имени М. Горького, выполненного по проекту В. Щуко и В. Гельфрейха, о котором любители искусства знают благодаря проектам художника Сергея Сапожникова (The Drama Machine. — Прим. Vogue). Обязательно обратите внимание на расписание концертов и вечеринок — в этом городе любят музыку, Ростов-на-Дону подарил нам таких музыкантов, как Юрий Башмет, Баста, «Каста» и Motorama.

Краснодар

Краснодар — дом многих известных художников, в том числе Людмилы Барониной, Валерия Пчелина, Владимира Колесникова, Владимира Мигачева, а также участников группировки ЗИП, которые вместе с куратором Еленой Ищенко делают самую мощную и прогрессивную в России самоорганизацию — Центр современного искусства «Типография». Сюда следует приходить на выставки, а также можно поддержать ежегодный аукцион, сделав ценное приобретение современного искусства. Из дополнительной программы посетите парк «Краснодар» (в народе парк Галицкого): здесь хорошая архитектура, иногда бывают кинопоказы, а еще вы сможете увидеть впечатляющие арт-объекты группы Recycle.

Таманский полуостров

Из Краснодара двигайтесь на запад. На Таманском полуострове, где так не понравилось Лермонтову, должно понравиться вам. Среди возрождающихся после хрущевского беспредела виноградников выросло еще одно винодельническое хозяйство. Здесь ваша покорная слуга по приглашению винодельни курирует новый Фонд искусства «Голубицкое», который возводит арт-парк и открывает новую арт-резиденцию. Здесь же проходят художественные и кураторские выставки, которые переосмысляют это место с такой непростой историей. Знали ли вы, что именно отсюда в средневековую Европу попала чума? Что именно здесь располагались генуэзские колонии, которые ее распространили? Что Тамань — колыбель русской археологии и одно из немногих мест в России, где можно увидеть раскопки античных городов?

Фонд искусства «Голубицкое»

Конечно, художественных достопримечательностей в России гораздо больше, чем здесь перечислено, но если вы услышите про художественное событие в месте, где никогда не были, то сразу поезжайте туда, потому что искусство — это не цель, но способ для путешествий по России и во времени, в пространстве реальном и воображаемом.

Выставка «Таманский декамерон» в фонде искусства «Голубицкое»

© Фото: Иван Ерофеев

Фонд искусства «Голубицкое»

Дмитрий Гутов о современном искусстве в России / DMITRIY GUTOV ABOUT CONTEMPORARY ART IN RUSSIA / DOCA / Москва

5 октября оргкомитет фестиваля Days of Contemporary Art 2018 запустил серию открытых лекций DOCA-talk. Первым спикером стал Дмитрий Гутов. Он один из немногих современных российских художников, чьи работы выставляются и содержатся в собраниях таких галерей, как Центр современного искусства Луиджи Печи в Прато и Центр Помпиду в Париже, Музей Гуггенхайм и Лувр. Кроме того, Дмитрий Гутов известен как куратор, историк и теоретик искусства, арт-критик, идеолог и член редколлегии журнала «Художественная жизнь», организатор «Института Михаила Лифшица», автор различных образовательных проектов, связанных с историей, теорией и практикой современного искусства.  В своей лекции он рассказал на примере своего творчества историю российского современного искусства с 80-х годов, дал прогноз о его будущем и поделился несколькими советами с начинающими художниками. On October 5, the Organising Committee of the Days of Contemporary Art 2018 festival launched a series of open lectures DOCA-talk. Dmitriy Gutov is one of the few Russian contemporary artists whose works are exhibited and collected at such venues as the Luigi Pecci Contemporary Art Centre in Prato, the Pompidou Centre in Paris, the Guggenheim Museum, and the Louvre Museum. In addition, he is known as an art supervisor, art historian and theorist, ideologist and member of the editorial board of the Khudozhestvennaya Zhizn journal, organiser of the Mikhail Lifshitz Institute, and author of various educational projects related to history, theory, and practice of contemporary art.  During his lecture, Dmitriy Gutov told about the history of the Russian contemporary art starting with the 1980s using his own works as examples. He made forecast regarding its future and gave several pieces of advice to beginning artists.

Блокада российского искусства? Почему сейчас надо покупать отечественное

https://ria.ru/20190410/1552531082.html

Блокада российского искусства? Почему сейчас надо покупать отечественное

Блокада российского искусства? Почему сейчас надо покупать отечественное — РИА Новости, 03.03.2020

Блокада российского искусства? Почему сейчас надо покупать отечественное

Политическая ситуация и мода сказываются на всех сферах жизни, но, наверное, острее всего это проявляется в искусстве. Российские художники нуждаются в… РИА Новости, 03.03.2020

2019-04-10T08:00

2019-04-10T08:00

2020-03-03T13:57

культура

московский музей современного искусства

россия

/html/head/meta[@name=’og:title’]/@content

/html/head/meta[@name=’og:description’]/@content

https://cdnn21.img.ria.ru/images/155252/71/1552527172_0:167:3051:1883_1920x0_80_0_0_ef5e5c0079da4fb4d73c300adbe0356a.jpg

МОСКВА, 10 апр — РИА Новости, Ирина Овчинникова. Политическая ситуация и мода сказываются на всех сферах жизни, но, наверное, острее всего это проявляется в искусстве. Российские художники нуждаются в поддержке и получают ее — в том числе на аукционах. Один из них, «Герои нашего времени», состоится завтра в Московском музее современного искусства. О том, почему стоит покупать работы отечественных авторов и возможно ли импортозамещение на арт-рынке, — в материале РИА Новости. Проблемы решаемы»Россиянам уже мало — да и поздно — гордиться балетом и космосом, — считает Александр Шаров, директор 11.12 Gallery. — Возникает важный вопрос: что останется от нашего времени спустя годы? Мой ответ — современное искусство, которому сейчас, к сожалению, уделяют не так много внимания, как хотелось бы».У этого, по мнению эксперта, несколько причин: экономическая ситуация — коллекционеры не вкладывают деньги в искусство, мало спонсоров, верящих в пресловутое «светлое будущее». Не хватает и общения с мировым арт-сообществом.»Участие в международной выставке обходится в 40-100 тысяч евро, а при отсутствии гарантий, что работы удастся продать, на такие риски мало кто решается, — добавляет Александр. — Для художников же это оборачивается нелучшим образом — ведь «насмотренность» по интернету не получишь».Еще одна трудность для галеристов, которые часто выполняют для молодых художников менеджерские функции, — необходимость конкурировать с музеями, располагающими относительно большими бюджетами. Но продвигать, уверены многие, есть кого, и даже понятно, как именно.Аукцион в помощь»Надо направлять все усилия на создание насыщенной культурной программы внутри страны, — говорит Владимир Овчаренко, галерист, основатель и руководитель аукциона современного искусства VLADEY. — Я не сомневаюсь, что такое своеобразное импортозамещение раскроет скрытый потенциал российского искусства и позволит рано или поздно реализовать его на мировой арене».Аукцион «Герои нашего времени», который пройдет 11 апреля в ММОМА, игроки отечественного арт-рынка называют уникальным.»Обычно аукционы действуют на вторичном рынке, то есть продают работы одних коллекционеров другим, тем самым представляя интересы покупателей, — поясняет Сергей Попов, генеральный директор Pop/off/art gallery. — Но на «Героях» будут работы «первичные», отобранные из галерей. Это своеобразная попытка помочь непосредственно художникам».Интересен и набор лотов: только ныне живущие художники — и каждый представлен одной работой. Тут и мастера старшего поколения, такие как Зураб Церетели или Эрик Булатов и Ростислав Лебедев, и молодые авторы.»Получился обзор современного искусства России, — подчеркивает Сергей Попов. — Изучив лоты аукциона, можно понять, что сейчас у нас происходит».Искусство в блокаде?»Нельзя сказать, участвуют ли в российских аукционах иностранные покупатели, ведь торги часто проходят в условиях анонимности, — комментирует Сергей Гридчин, основатель галереи Gridchinhall. — Но ведь преград для этого нет никаких. Также как ничто не мешает художнику выйти на международный рынок. Реакция в основном такая: «Русский? Ничего, со всеми бывает».Эксперты согласны: мировой спрос на российских художников в данный момент не очень высок, тем не менее он есть, хоть и снизился по сравнению с концом нулевых. «Тогда были «тучные времена», денег не считали, а потом все схлопнулось», — отмечает Александр Шаров.Но есть и другие мнения. Так, Дмитрий Ханкин, основатель галереи «Триумф», уверен, что арт-рынок в России умер. «Сейчас за рубежом все российское токсично, — рассуждает эксперт. — Но дело еще и в том, что мы все в середине нулевых стали жертвами карго-культа: вешали на стены какие-то картины, наливали дорогое шампанское и приглашали гостей с крокодиловыми сумками».Новые смыслы»Айвазовский в XIX веке, до изобретения фотоаппарата, писал море. Теперь любой может сделать снимок, обработать его в редакторе и легко посоперничать с классиком, — говорит Владимир Овчаренко. — Сегодня искусство — это не фигуративная реалистичная картинка, а нечто большее — новые смыслы».По мнению эксперта, эти смыслы, возможно, не всегда сразу понятые и принятые, ищут коллекционеры. И именно такие смыслы готовы предложить российские художники.Эксперт считает хорошим инструментом влияния продвижение бренда страны на государственном уровне — ведь в итоге современное искусство как раз и представляет страну в глазах мирового сообщества.

https://ria.ru/20190403/1552332667.html

россия

РИА Новости

[email protected]

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

2019

РИА Новости

[email protected]

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

Новости

ru-RU

https://ria.ru/docs/about/copyright.html

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/

РИА Новости

[email protected]

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

https://cdnn21.img.ria.ru/images/155252/71/1552527172_0:0:2731:2048_1920x0_80_0_0_abdb4002421b2d2239d69b00c0f7e015.jpg

РИА Новости

[email protected]

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

РИА Новости

[email protected]

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

московский музей современного искусства, россия

МОСКВА, 10 апр — РИА Новости, Ирина Овчинникова. Политическая ситуация и мода сказываются на всех сферах жизни, но, наверное, острее всего это проявляется в искусстве. Российские художники нуждаются в поддержке и получают ее — в том числе на аукционах. Один из них, «Герои нашего времени», состоится завтра в Московском музее современного искусства. О том, почему стоит покупать работы отечественных авторов и возможно ли импортозамещение на арт-рынке, — в материале РИА Новости.

Проблемы решаемы

«Россиянам уже мало — да и поздно — гордиться балетом и космосом, — считает Александр Шаров, директор 11.12 Gallery. — Возникает важный вопрос: что останется от нашего времени спустя годы? Мой ответ — современное искусство, которому сейчас, к сожалению, уделяют не так много внимания, как хотелось бы».

У этого, по мнению эксперта, несколько причин: экономическая ситуация — коллекционеры не вкладывают деньги в искусство, мало спонсоров, верящих в пресловутое «светлое будущее». Не хватает и общения с мировым арт-сообществом.

«Участие в международной выставке обходится в 40-100 тысяч евро, а при отсутствии гарантий, что работы удастся продать, на такие риски мало кто решается, — добавляет Александр. — Для художников же это оборачивается нелучшим образом — ведь «насмотренность» по интернету не получишь».

Еще одна трудность для галеристов, которые часто выполняют для молодых художников менеджерские функции, — необходимость конкурировать с музеями, располагающими относительно большими бюджетами. Но продвигать, уверены многие, есть кого, и даже понятно, как именно.

Аукцион в помощь

«Надо направлять все усилия на создание насыщенной культурной программы внутри страны, — говорит Владимир Овчаренко, галерист, основатель и руководитель аукциона современного искусства VLADEY. — Я не сомневаюсь, что такое своеобразное импортозамещение раскроет скрытый потенциал российского искусства и позволит рано или поздно реализовать его на мировой арене».

Аукцион «Герои нашего времени», который пройдет 11 апреля в ММОМА, игроки отечественного арт-рынка называют уникальным.

«Обычно аукционы действуют на вторичном рынке, то есть продают работы одних коллекционеров другим, тем самым представляя интересы покупателей, — поясняет Сергей Попов, генеральный директор Pop/off/art gallery. — Но на «Героях» будут работы «первичные», отобранные из галерей. Это своеобразная попытка помочь непосредственно художникам».

1 из 5

Посетительница у работы Франциско Инфанте-Арана и Нонны Горюновой из цикла «Альпийский снег», Московский музей современного искусства

2 из 5

Лоты аукциона Vladey в одном из залов Московского музея современного искусства

3 из 5

Картина Павла Киселева «Новое сообщение: postimage.jpg»

4 из 5

Посетительницы в одном из залов Московского музея современного искусства, где выставлены лоты аукциона Vladey

5 из 5

Посетительница у работы Игоря Шелковского «Небесный город», Московский музей современного искусства

1 из 5

Посетительница у работы Франциско Инфанте-Арана и Нонны Горюновой из цикла «Альпийский снег», Московский музей современного искусства

2 из 5

Лоты аукциона Vladey в одном из залов Московского музея современного искусства

3 из 5

Картина Павла Киселева «Новое сообщение: postimage.jpg»

4 из 5

Посетительницы в одном из залов Московского музея современного искусства, где выставлены лоты аукциона Vladey

5 из 5

Посетительница у работы Игоря Шелковского «Небесный город», Московский музей современного искусства

Интересен и набор лотов: только ныне живущие художники — и каждый представлен одной работой. Тут и мастера старшего поколения, такие как Зураб Церетели или Эрик Булатов и Ростислав Лебедев, и молодые авторы.

«Получился обзор современного искусства России, — подчеркивает Сергей Попов. — Изучив лоты аукциона, можно понять, что сейчас у нас происходит».

Искусство в блокаде?

«Нельзя сказать, участвуют ли в российских аукционах иностранные покупатели, ведь торги часто проходят в условиях анонимности, — комментирует Сергей Гридчин, основатель галереи Gridchinhall. — Но ведь преград для этого нет никаких. Также как ничто не мешает художнику выйти на международный рынок. Реакция в основном такая: «Русский? Ничего, со всеми бывает».

Эксперты согласны: мировой спрос на российских художников в данный момент не очень высок, тем не менее он есть, хоть и снизился по сравнению с концом нулевых. «Тогда были «тучные времена», денег не считали, а потом все схлопнулось», — отмечает Александр Шаров.

Но есть и другие мнения. Так, Дмитрий Ханкин, основатель галереи «Триумф», уверен, что арт-рынок в России умер. «Сейчас за рубежом все российское токсично, — рассуждает эксперт. — Но дело еще и в том, что мы все в середине нулевых стали жертвами карго-культа: вешали на стены какие-то картины, наливали дорогое шампанское и приглашали гостей с крокодиловыми сумками».

Новые смыслы

«Айвазовский в XIX веке, до изобретения фотоаппарата, писал море. Теперь любой может сделать снимок, обработать его в редакторе и легко посоперничать с классиком, — говорит Владимир Овчаренко. — Сегодня искусство — это не фигуративная реалистичная картинка, а нечто большее — новые смыслы».

По мнению эксперта, эти смыслы, возможно, не всегда сразу понятые и принятые, ищут коллекционеры. И именно такие смыслы готовы предложить российские художники.

«Отечественное современное искусство на международной арене воспринимается больше как интересная экзотика, а не как крупное явление, — полагает кандидат искусствоведения доцент НИУ ВШЭ Павел Родькин. — Но нельзя недооценивать значение глобальной конъюнктуры — мода же легко может поменяться».

Эксперт считает хорошим инструментом влияния продвижение бренда страны на государственном уровне — ведь в итоге современное искусство как раз и представляет страну в глазах мирового сообщества.

3 апреля 2019, 08:00КультураХайп дороже денег. Слухи и правда о скандальных кражах картин

Российский рынок современного искусства

Саймон Рис, арт-директор Международной ярмарки современного искусства Cosmoscow, рассказал The Moscow Times о состоянии рынка современного искусства в России сегодня.

Судя по выставке этого года, рынок процветает. Искусство прибыло из Аргентины, Австрии, Бельгии, Болгарии, Эстонии, Франции, Германии, Гонконга, Грузии, России, Швейцарии и США. Цены на произведения искусства варьировались от примерно 3500 рублей (примерно 50 долларов) за небольшое произведение до почти 18 миллионов. рублей (около 250 000 долларов) за произведение, проданное галереей Pearl Lam Galleries, Гонконг.Ряд стендов был полностью распродан.

Саймон Рис Федор Битков

Неравномерное игровое поле

Все же российские галеристы находятся в невыгодном положении. Европейские галеристы получали государственные субсидии во время пандемии, что помогло им сохранить как свой бизнес, так и своих сотрудников, хотя и на неполной ставке.

В России, к сожалению, «правительство еще не осознало и не осознало роль культурного сектора как реальной движущей силы экономики», — сказал Рис The Moscow Times. «При этом, насколько я могу судить, желание местных коллекционеров поддержать свои любимые художественные галереи в своих регионах, совершая покупки в период изоляции, было примерно одинаковым как в России, так и в европейских странах».

Cosmoscow Сергей Ведяшкин / Московское информационное агентство

Грядущая стрела

По оценке Риса, стране требуется около 30 лет, чтобы развить стабильный и процветающий рынок искусства.В России и Москве он начнет отсчет в 2000 году, а это значит, что стране осталось еще 9 лет.

Зачем использовать год тысячелетия в качестве отправной точки? «Хотя аукцион Sotheby’s 1988 года в Москве имел большой резонанс, а неофициальное советское искусство произвело фурор во всем мире, оно все же не привело к систематическим изменениям», — сказал он. «Я выбрал 2000 год в качестве отправной точки, потому что именно с этого момента возник систематический интерес к современному искусству как в России, так и на постсоветском пространстве в целом.Произошел качественный скачок в менталитете к современному искусству, и это касается сразу всех аспектов, от музеев и фестивальных программ до галерейного бизнеса ».

Об этом свидетельствует стремительное расширение рынка современного искусства далеко за пределы Санкт-Петербурга и Москвы. «Интересные мероприятия и яркие галереи появляются далеко за пределами этих городов и привлекают все больше и больше людей. Россияне теперь готовы сесть в самолет и отправиться на выставку или фестиваль в Воронеже, Казани, Выксе или даже в совершенно неизвестное место, если там происходит что-то захватывающее и интересное.”

В некотором смысле пандемия даже сыграла на руку молодому поколению художников, которым еще только предстоит создать себе имя, сказал Рис. Они чувствуют себя более комфортно в цифровом пространстве, которое играет ведущую роль в продвижении и распространении современного искусства и художественных практик. Сформировалось молодое поколение, которое умеет существовать одновременно в двух реальностях, умело маневрируя между своей активной физической жизнью и активностью в социальных сетях. В этом смысле молодое поколение находится в гораздо лучшем положении, чем их старшие соотечественники.

Cosmoscow Сергей Ведяшкин / Московское информационное агентство

Коллекторы новые

«В России сейчас наибольшее количество новых коллекционеров приходится на возрастную группу 45–55 лет», — сказал Рис. «Эти люди пришли к пониманию того, что современное искусство занимает важное место в сегодняшнем космополитическом мире. У них есть свой дом, машина, может быть, загородный дом или дача, и другие материальные вещи.И тогда возникает вопрос, чем они заполнят все это пространство, как оно будет выглядеть и ощущаться эмоционально, эстетически. Ответ на этот вопрос естественным образом ведет их в сторону современного искусства и дизайна. Аудитория Cosmoscow состоит из людей, которые понимают эту логику, и, к счастью, их становится все больше и больше ».

Однако есть еще некоторые проблемы. Один из них заключается в том, чтобы российские галереи заняли более открытую позицию. «Когда, скажем, русские, латыши или эстонцы приезжают на Венецианскую биеннале по какой-то необъяснимой причине, они как бы тушатся в собственном соку, общаясь только со своими соотечественниками», — сказал он.«Очень грустно видеть это, потому что это упущенная возможность».

Художественный фестиваль в Выксе Выксунский фестиваль

Обыск 11 часовых поясов для выставки современного русского искусства

МОСКВА. Это была старая советская традиция: ни одна национальная художественная выставка в Москве не обходилась без хотя бы одной работы из каждого региона.

Неважно, что географическая сбалансированность часто приводит к китчу.Взгляните, например, на «Фонтан Дружбы народов», который возвышается над крупным парком, который до сих пор называют Выставкой достижений народного хозяйства. (Советский или какой?) Фонтан состоит из 16 позолоченных девушек, каждая в национальных костюмах одной республики Советского Союза, разносящих местную награду, такую ​​как пшеница или кукуруза.

Итак, Музей современного искусства «Гараж» столкнулся с определенным затруднением, поскольку он взял на себя задачу собрать первый репрезентативный образец современного искусства сегодня в России — должен ли это быть традиционный географический каталог, или какой-то другой критерий будет работать для страна, охватывающая 11 часовых поясов.

«Страна такая огромная, что мы не всегда ее понимаем», — сказала Дарья Котова, пресс-секретарь «Гаража». Музей был создан коллекционером Дашей Жуковой и ее мужем-нефтяником-миллиардером Романом Абрамовичем.

Шесть кураторов обыскали около 40 городов, от Калининграда до Владивостока, изучив работы сотен художников и сократив выборку до 68 работ в семи представительных категориях.

«Мы обнаружили критерии, категории, оптику и размеры, которые мы никак не могли себе представить перед поездкой», — сказала Татьяна Волкова, одна из кураторов.

Получившаяся выставка, получившая довольно амбициозное название «Триеннале современного русского искусства», открылась 10 марта на два месяца и получила неоднозначные отзывы, подчеркивая, насколько сложно свести такую ​​обширную и сложную страну к одной выставке. Критики отметили, что, несмотря на попытки найти неизвестные таланты в глубинке, большой процент работ был из Москвы и Санкт-Петербурга. По крайней мере, один утверждал, что универсальная тема была бы лучше, чем семь.

«Хотелось бы видеть больше нового, но, может быть, его нет», — заявила в интервью искусствовед газеты «Ведомости» Ольга Кабанова.«Триеннале действительно дает представление о современном искусстве в России — есть национальные звезды и есть неизвестные художники, достойные внимания и поддержки».

В конечном итоге на веб-сайте Триеннале будут размещены в общей сложности 200 портфолио.

Музей «Гараж» находится здесь с 2015 года в бывшем советском кафетерии на 1200 мест в Парке Горького, переоборудованном Ремом Колхасом. Основатели помогли разжечь среди московских магнатов что-то вроде гнева на строительство частных художественных музеев, около 10 из которых открыты или строятся.

Русские плутократы тоже покупают много дорогого западного искусства, но, как вдова, которая носит на публике только свои каменные украшения, они склонны прятать своих Пикассо, Бэконов и Рихтеров за границей. Учитывая непостоянство российского законодательства, дорогое искусство служит не в последнюю очередь в качестве сберегательных счетов типа Мидаса, недоступных за границей.

Напротив, эти новые учреждения в основном специализируются на русском искусстве разных эпох. Г-жа Жукова с самого начала сказала, что хотела бы использовать «Гараж» для изучения современного российского искусства, а затем дать ему международное признание.

Кураторы раскопали неожиданные работы в неожиданных местах.

Возьмите Чечню. Эта северокавказская республика наиболее известна как довольно жестокая вотчина Рамзана Кадырова, военачальника, получившего дополнительную известность в этом месяце на фоне обвинений в том, что его отряды головорезов безопасности систематически арестовывают и убивают гомосексуалистов.

И все же одна из кураторов Екатерина Иноземцева обнаружила там две поразительные работы. В категорию «Общий язык» входит короткое видео начинающего режиссера Заурбека Цугаева, 33 года, под названием «Руки-iPhone.В нем пожилая бабушка водит руками по iPhone, похоже, пытаясь понять, как он работает. «Какой контраст между ландшафтом ее рук и ровностью нового устройства», — сказала г-жа Иноземцева во время экскурсии по выставке.

Еще один экспонат из Чечни в категории «Верность месту» состоял из черно-белых металлических номеров домов на Грозненской улице, половина которых пропала случайным образом. Художник, 25-летний Аслан Гайсумов, сказал, что искал артефакты в старом Грозном, и 50 потрепанных мемориальных досок — это все, что он смог найти на одной из многих улиц, выровненных во время недавних войн с Россией.

«Для меня это было похоже на контрмемориал, вернувший некую память о довоенных», — сказала Роксана Маркочи, старший куратор Музея современного искусства в Нью-Йорке, приехавшая в Москву на открытие Триеннале. «Это было сделано постконцептуально, но с исторической точки зрения».

Г-жа Маркочи нашла категорию «Искусство в действии» — в основном политическое искусство — особенно интригующей, потому что внутренняя политика России редко попадает в заголовки газет за рубежом. Большая часть произведений искусства в этом разделе, часто создаваемых коллективами, посвящена тяжелому положению русских женщин.

Например, произведение творческого объединения «Наденка» в Омске на юге Сибири взяло предметы повседневного обихода, такие как прихватки или трусики, и вышило на них важные даты или факты, связанные с женщинами.

На трусиках, например, было написано «1920 1936 1955 мое право на аборт», имея в виду годы, когда вступили в силу законы об абортах. На одной из вышитых рукавиц было написано: «В результате домашнего насилия в России ежегодно умирает более 14 000 женщин. Законодательство о домашнем насилии принято в 140 странах, но не в России.С Новым 2016 годом! »

Г-жа Иноземцева сказала, что она видела так много портфолио фотографий, что к тому времени, когда она добралась до Калининграда и кто-то упомянул талантливого фотографа, ее первой реакцией было: «Пожалуйста, Боже, нет!»

Одно портфолио «Мой друг уличный музыкант» посвящено Олегу Фомину, новосибирскому музыканту. Вот г-н Фомин выступает в метро. Вот он мочится в своей ванне.

«Это сибирский плейбой со звездным лицом, — сказал 58-летний фотограф Евгений Иванов.

«Он был душой города, все его знали».

Г-н Фомин умер вскоре после того, как серия была завершена, и на следующей серии фотографий видно, что его квартиру подметали родственники всех безделушек, которые он накопил за десятилетия. «Это жизненный цикл», — пожал плечами фотограф.

Учитывая историю страны, периодические упоминания о советской жизни были неизбежны.

Хореограф Саша Пирогова, 31 год, создала клип «Очередь» танцевального номера по известному роману Владимира Сорокина.

В книге подробно рассказывается о почти биологической жизни бесконечных очередей всего в Советском Союзе. В «Queue» некоторые исполнители написали свою позицию в очереди — например, № 1227 — прямо на своих телах, поскольку линия, казалось, продолжалась вечно.

Госпожа Пирогова будет среди художников, представляющих Россию на следующей Венецианской биеннале.

В категорию «Мастерская фигура» входят художники с давней репутацией. 58-летний Ильгизар Хасанов из Казани на юге представил трилогию «Женщина, мужчина, красный цвет», посвященную гендерным вопросам.

Яркий центральный элемент, «Красный», был вдохновлен совершенно разными ролями полов в Советском Союзе. Он состоял из гигантского мобиля, состоящего из десятков обычных предметов — все цвета коммунистического красного цвета — которые использовались обоими полами по мере их взросления. На одной стороне находятся такие предметы, как расческа и платье; мужские символы, такие как боксерские перчатки и игрушечные машинки, с другой.

Г-н Хасанов сказал, что его поразила растущая ностальгия по Советскому Союзу, несмотря на его многочисленные проблемы, поэтому он хотел выяснить, почему люди «снова хотят стать советскими».

Множество работ скрывает, насколько тяжело стать художником, — отметила 33-летняя Таус Махачева, чья работа «Путь объекта» состояла из трех кукол, созданных по образцу музейных предметов из ее родного Дагестана, собственная жизнь.

Советский Союз хорошо относился к художникам, отметила она, предоставляя им субсидированные квартиры, студии и отпуск, а также помогая распространять их работы. По ее словам, ни одна арт-сцена ни в одном городе России не получает хоть сколько-нибудь похожей поддержки.

«Все эти сцены существуют« вопреки »- вопреки действительности, несмотря на отсутствие поддержки, несмотря ни на что», — сказала г-жа Махачева. «Это искусство, несмотря на то, что делает его невероятно реальным и невероятно красивым».

В целом, как местные, так и посторонние находят Триеннале неравномерным, но, в конечном счете, интересным началом знакомства с современным русским искусством в мире.

Г-жа Маркочи из MoMA назвала выставку «открытием для глаз» с «чувством разговора».

«Это первая триеннале русского искусства, а что такое Россия?» она сказала.«Россия — это место, основанное на множестве культур — это неравномерно, но это было похоже на выставку с большой энергией и элементом разрушительности».

Музей современного искусства Эрарта, Санкт-Петербург, Россия — Google Arts & Culture

Эрарта — крупнейший глобальный проект современного российского искусства, который необходимо посетить, чтобы познакомиться с современной Россией. В основе Эрарта лежит совершенно уникальный подход как к искусству, так и к зрителю, желание построить новую систему взаимоотношений между людьми и искусством.Абсолютный фокус и приоритет музея сосредоточены на самом важном человеке в Эрарте — посетителе. Вся деятельность Эрарта направлена ​​на увеличение числа людей, которые ценят и любят современное искусство, потому что в основе этого учреждения лежит вера в то, что любовь к искусству может сделать жизнь любого человека более интересной и полноценной, тем самым, в конечном итоге, распространяя страсть к искусству. искусство делает мир счастливее.

В Санкт-Петербурге одно из крыльев его 12000 кв.м отведено под постоянную экспозицию коллекции музея Эрарта, крупнейшего частного музея в России, в котором хранится 2800 работ более 300 художников со всей страны. Еще два крыла предназначены для временных выставок и полностью меняются каждые три месяца, всего ежегодно проводится более 40 шоу. Эрарта открыта каждый день, кроме вторника, с 10:00 до 22:00.

Досуг и шоппинг:
Гости могут пообедать в ресторане с обслуживанием по меню с просторной летней террасой, где подают блюда русской и европейской кухни. удостоенного наград шеф-повара, или попробуйте широкий выбор вкусных домашних десертов и выпечки в кофейнях с открытым балконом.На первом этаже выставочного крыла находятся магазины Erarta Home Stores, где вы можете найти все, от прекрасного сувенира до произведения искусства. Мы продаем стильные подарки, дизайнерскую мебель и предметы интерьера, а также книги на русском и английском языках, репродукции картин и оригинальные работы современных российских художников.

Билеты и членство:
Билет на один день стоит 600 рублей и дает доступ как к постоянной экспозиции коллекции, так и ко всем временным выставкам.Членство в Erarta (годовой абонемент) стоит 1000 рублей (около 17 долларов США) и дает неограниченный доступ ко всем выставкам в течение года, а также скидки в ресторане, кофейнях и всех магазинах, работающих в здании. Члены приглашаются на открытие выставок и на предварительные просмотры и могут получить доступ к специальной очереди быстрого доступа.

Экскурсии с гидом:
Экскурсии по Эрарте найдут что-то для всех, поскольку они адаптированы к потребностям аудитории и позволяют как новичкам в искусстве, так и экспертам открыть для себя что-то интересное.Самый популярный тур длится около 90 минут и дает гостям обзор наиболее интересных произведений коллекции и понимание проблем, касающихся современной России и ее жителей, которые отражены в произведениях искусства на выставке. Есть также специальные варианты, такие как частный ночной тур с фонариками или расширенные интерактивные элементы с актерами, воплощающими в жизнь определенные произведения искусства. Все экскурсии необходимо бронировать заранее по электронной почте [email protected] или по телефону +7 812 324 11 96 или.Аудиогиды можно взять напрокат на стойке регистрации.

Интересные факты:
Название музея Эрарта образовано от объединения двух слов «Эра» и «Арта», сочетание которых с русского переводится как «эпоха искусства». Первое, что видят все гости при посещении музея, — две скульптуры Эра и Арта перед зданием, специально созданные для Эрарты петербургским художником Дмитрием Жуковым.

Здание Эрарта — образец позднего сталинского классицизма, первоначально построенное в 1951 году для местной штаб-квартиры коммунистической партии, а затем занятое Научно-исследовательским институтом синтетического каучука СССР.Потребовалось полное трехлетнее обновление интерьера, чтобы превратить это пространство в пространство, подходящее для музея современного искусства, и в 2010 году Эрарта наконец открыла свои двери для посетителей.

Всего за третий год своего существования Эрарта вошла в число лучших. 10 музеев по всей России по версии Trip Advisor Travelers Choice Awards. В списке лучших музеев, в который также входят Эрмитаж и Третьяковская галерея, Эрарта был единственным музеем современного искусства и единственным негосударственным музеем.На четвертый год Эрарта вошла в список «главной достопримечательности» Санкт-Петербурга по версии Lonely Planet Travel Guide.

Эрарта имеет 300 000 подписчиков в социальных сетях и имеет самое большое количество подписчиков в Интернете среди всех музеев России.

Есть несколько уникальных проектов, которые можно испытать только в Эрарте: комплексные инсталляции под названием «U-Space», которые призваны вызывать определенные чувства или эмоции во время частных 15-минутных сеансов для посетителей, проект «Театр без актеров», который включает мультимедийный спектакль с персонажами картин, оживленных с помощью специальных аудио- и видеоэффектов, проект «Art-Animation», в котором серия юмористических и художественных мультфильмов превращает момент, запечатленный художником на холсте, в продолжительный рассказ, Проект «Художественная литература», который дает каждому посетителю возможность поделиться мыслями, вдохновленными конкретным произведением искусства из коллекции, опубликованным и выставленным рядом с этими произведениями для других, и, наконец, проектом «Аудиоинсталляции», который представляет саундтреки к произведениям искусства, записанные профессиональными музыкантами, призванные улучшить восприятие зрителем.

В 2014 году в музее Эрарта состоялась премьера собственного мультсериала об искусстве под названием «Приключения на площади Би-би-си», который оживляет некоторые из самых известных произведений искусства и помещает их в ситуации повседневной жизни. Английская и русская версии учебно-развлекательного мультфильма собрали более 4 миллионов просмотров на YouTube.

Контактная информация:
Адрес: 199106, Россия, Санкт-Петербург, Васильевский остров, 2, 29 линия,
Время работы: 10:00 — 22:00 ежедневно, кроме вторника
Телефон: +7 812 324 08 09
Веб-сайт : www.erarta.com

В соцсетях:
facebook.com/erarta
instagram.com/erarta_museum
youtube.com/user/erartamuseum
twitter.com/erarta_museum
pinterest.ru/erarta
vk.com/erarta

Московская биеннале (Россия) — Биеннале Фонд

Московская биеннале призвана стать не только особо мощным событием, но и новым институциональным проектом, который укрепляет отношения между кураторами, искусствоведами, менеджерами, федеральными властями, спонсорами и попечителями, средствами массовой информации и общественным мнением о современном искусстве как в России, так и за ее пределами. сам.По замыслу организаторов, Московская биеннале станет воспроизводимой сильной структурой, которая найдет свое место в сети других крупных международных арт-форумов.

Одним из наиболее очевидных последствий политической и экономической стабилизации в России является растущий интерес российского общества к современной культуре, а точнее к современному искусству. В последнее десятилетие новая инфраструктура российского искусства появилась благодаря арт-ярмаркам, галереям, некоммерческим выставочным площадям, фестивалям и конференциям.По этим причинам 2005 год был подходящим временем для Москвы для создания крупного международного арт-события, первого в своем роде в стране.

Первая Московская биеннале современного искусства, инициированная Министерством культуры Российской Федерации, ознаменовала важный шаг вперед в процессе реинтеграции современного российского искусства в международный художественный мир. Московская биеннале призвана стать не только крупным событием в художественной жизни Москвы и России, но и сыграть важную социальную, культурную и политическую роль на международном уровне.

Первое издание (28 января — 28 февраля 2005 г.) вызвало большой резонанс как в России, так и за рубежом. Основная выставка «Диалектика надежды» включала проекты 41 художника из 22 стран и представляла искусство, которое фокусируется на одном из самых фундаментальных переживаний современного человека: надежде. Основной проект реализован в бывшем музее Ленина, недалеко от Красной площади. В рамках специальных проектов и параллельной программы биеннале было представлено более 50 выставок актуального российского искусства, а также европейских, американских и азиатских художников.Кураторы (основной проект): Йозеф Бакштейн, Даниэль Бирнбаум, Яра Бубнова, Николя Буррио, Роза Мартинес и Ганс Ульрих Обрист.

В основном проекте Второй Московской биеннале современного искусства (1 марта — 1 апреля 2007 г.) «СНОСКИ о геополитике, рынке и амнезии» были представлены работы 115 художников из 20 стран мира. Разные кураторы и кураторские команды реализовали 5 выставок основного проекта, объединенных одной темой. В рамках проекта были организованы выставки на различных площадках, в том числе в Государственной Третьяковской галерее, Московском центре современного искусства Винзавод, Московском музее современного искусства.

Комиссаром Биеннале был Йозеф Бакштейн. В выставочной программе Третьей Московской биеннале современного искусства (24 сентября — 1 ноября 2009 г.) был представлен основной проект «Против исключения» и более 39 спецпроектов и 7 показов специальных гостей.

Источник: www.moscowbiennale.ru

Топ-6 современных российских художников

Галерея за галереей, художественная выставка за художественной выставкой, множество популярных картин и людей, формирующих российскую культуру сегодня.Это то, на чем будет сосредоточена данная статья.

Мы поговорим о некоторых из самых известных российских художников, чье искусство оставило след в российской художественной сцене, культуре и наложило отпечаток на общественную жизнь.

Список лучших современных российских художников

Сцена современного российского искусства огромна, но мы решили, что вам нужно услышать об этих 6 невероятных художниках!

Несмотря на то, что большинство из них в настоящее время не проживают в России, все они родились в этой стране.На родине они изучали искусство.

Продолжайте читать, чтобы узнать больше о некоторых из самых талантливых современных российских художников.

Если вы хотите узнать больше о России и знаменитых россиянах, вам следует прочитать эту статью: 13 самых известных россиян.

1. Андрей Бартенев

Первым в нашем списке стоит Андрей Бартенев, родившийся в 1975 году в городе Норильске. Многие считают Бартенева одним из лучших русских художников на постсоветской арт-сцене.

Его можно охарактеризовать как скульптора, исполнителя (с большим количеством выставок) и экспериментатора, создающего современные интерактивные инсталляции.

В прошлом веке он фигурировал во многих художественных каталогах, выставках и галереях современного русского искусства. Все это сделало его одним из самых известных художников на российской арт-сцене (он также известен во всем мире).

Его работы выставлялись в галереях и музеях по всей Европе: Германии, Швейцарии, Польше, Литве, Латвии, Норвегии, Австрии и Франции.

После европейского турне его вызвали в другие части мира, чтобы проводить выставки и представлять свое современное искусство.

У него было несколько выставок в США, в том числе выступления для Центра водяных мельниц Роберта Уилсона.

Работы Бартенева экспонировались в American Visionary Art Museum в Балтиморе. Премьера его перформанса («Встряхивающие ангелы») состоялась в Национальном клубе искусств в парке Грамерси в Нью-Йорке.

Андрей описывает свою работу как междисциплинарный подход: «Искусство — это всего лишь единое течение, и мне все равно, какие формы оно принимает» [1].

Например, одна из его инсталляций «Black Caviar Road» хорошо показывает его подход и то, как он манипулирует формами и формами.

В 2009 году был одним из организаторов и кураторов Третьего Международного фестиваля иллюстрации в Москве.

Кроме того, он участвовал в создании костюмов для нескольких театральных постановок, а также редактировал и издавал несколько книг о русском боди-арте и иллюстрациях.

2. Александр Молдаванов

Александр Молдаванов, как и предыдущий русский художник, родился в конце ХХ века в маленьком русском городке Урюпинске. В какой-то момент он переехал в Волгоград, где учился в художественной школе, а затем в Волгоградском государственном университете.

Этот художник использует скрытность и преувеличение в своих работах для достижения тонкостей, которые нечасто можно увидеть в произведении искусства. Александр Молдаванов сочетает несовместимые темы или элементы для создания большинства своих работ.

Он рассматривает современный мир как сумасшедший и странный, и это именно то, что он хочет донести до аудитории, пробуждая ее чувства.

Этот современный художник преуспевает в совершенствовании своего стиля и техники, но при этом он часто возвращается к классической масляной живописи и портретам, передавая самые разные эмоции.

Александр определенно принадлежит к группе известных современных русских художников, сочетающих современное и традиционное. Как он однажды сказал: «Я всю жизнь рисовал и продавал свои картины».

3. Илья Кувшинов

Илья Кувшинов входит в число лучших современных художников, и именно поэтому он в этом списке. Этот русский художник с ранних лет создавал цифровых персонажей (в основном в видеоиграх).

Кувшинов однажды сказал, что «Призрак в доспехах» Мамору Осии был главным источником вдохновения для его страсти к искусству.Он увидел этот покой, когда ему было всего шесть лет, и с тех пор он стал большим фанатом аниме.

Это была главная причина его переезда в Японию. Время показало, что это был правильный шаг. Он быстро увлекся крупными анимационными проектами.

Для западной аудитории он больше всего известен созданием персонажей «Призрака в доспехах»: SAC 2045 (2020). Он также известен созданием персонажей в фильме Кейчи Хара «Страна чудес дня рождения» (2019).

Вы можете найти его в социальных сетях (это его Instagram), а также купить некоторые из его книг, посвященных его современному искусству.

МГНОВЕНИЕ: Искусство Ильи Кувшинова — его первая книга, популярность которой растет.

В этом произведении искусства читатели могут увидеть завораживающее сочетание очаровательных девушек с большими глазами в стиле манга и задушевных японских пейзажных иллюстраций.

Его вторая книга ( ETERNAL ) включает более 300 произведений современного искусства, в основном из социальных сетей этого художника.

4. Олег Живетин

Олег Живетин — русский художник из Ташкента (ныне столица Узбекистана).Он родился в 1964 году. Образование в области живописи и монументального искусства окончил в Московском университете в 1988 году. Там он получил степень бакалавра, а в 1990 году — степень магистра.

После учебы он переехал в Соединенные Штаты, где начал сольную выставку и международную карьеру в музее Mission San Juan Capistrano.

Его работы появлялись во многих галереях и журналах (одна из них — Southwest Art).

Как художник, получивший образование в области живописи и монументального искусства, Олег разработал стиль, сочетающий эти два направления.

С одной стороны, он тяготеет к русской иконописи, с другой — к рисованию геометрических фигур, анатомии человека и абстрактным узорам.

В этом отношении у Олега искусно изображены лица, руки и ноги. Ему нравится общаться с помощью жестов рук, а не зрительного контакта.

Хотя жесты наделены тонким смыслом, существует глубокое чувство общего опыта, которое создается благодаря контролю языка тела. Лица его персонажей развиваются от плоских, похожих на маски изображений до полностью реализованных образов с использованием интеллекта и эмоций.

Также он использует религиозные образы — золотые нимбы, Мадонны, ангелов и святых. Кроме того, в его работах вы можете найти сердца, музыкальные инструменты, книги, небесных существ и цветы — символы красоты и духовного развития.

О своем искусстве Олег говорит: «Я показываю в своих картинах то, что люди не видят в реальной жизни, я показываю индивидуальность, мечты и эмоции, что все люди разные, и поэтому они прекрасны».

5. Илья Кабако

Илья Иосифович Кабаков родился в Днепропетровске в 1933 году.Тридцать лет проработал в Москве (с 1950-х до конца 1980-х). Сегодня он живет и работает на Лонг-Айленде, США.

Учился в Московском художественном училище по специальности графический дизайн.

В 1962 году Кабаков стал членом Союза советских художников. Этот статус обеспечил ему студию, стабильную работу иллюстратором и приличный доход.

Его работы представляют конфликт с государством, что не является необычной темой для политического художника.Этот конфликт можно увидеть в его произведении 1965 года: «Душ».

В этой работе мужчина стоит под душем, но не принимает душ (воды нет).

Кабаков интерпретировал произведение как простую, но универсальную метафору человека, который всегда чего-то ждет, но никогда ничего не получает.

Некоторые критики коммунизма истолковали эту работу как символ советской культуры и отсутствия материальных вознаграждений.

Идеи, которые он вынашивал, не позволяли Кабакову устроиться иллюстратором в течение четырех лет.Чтобы найти работу, ему пришлось использовать другое имя. Он будет использовать свое альтер-эго во многих будущих работах, которые можно отнести к категории неофициальных произведений искусства.

В 70-е годы он увлекся более концептуальным подходом из-за нескольких факторов.

Во-первых, он сделал советскую адаптацию французской структуралистской теории, чтобы сосредоточиться на конкретных обстоятельствах, а не на предметах искусства как таковых.

Вместе со своими друзьями и коллегами Кабаков сформировал группу, известную как московские концептуалисты.

В конце 70-х — начале 80-х многие советские художники покинули Россию и уехали на Запад. Кабаков был одним из немногих художников, которые оставались в России до 1987 года. Позже он уехал в Грац, чтобы получить свою художественную резиденцию у Кунстверайна.

Кабаков не имел постоянного места жительства до конца 80-х годов. Он ездил из одной страны в другую, прожив несколько месяцев на одном месте. Многим художникам из России, которые искали успеха на Западе, не повезло больше, чем Кабакову.

Кабаков сразу добился успеха и с тех пор остается на этой траектории. В период с 1988 по 1989 год у него были выставки в Берне, Венеции, Париже и Нью-Йорке. За почти 20 лет Кабаков сделал более 150 инсталляций.

Прочтите : Русские тюремные татуировки

6. Николай Блохин

Блохин родом из Санкт-Петербурга. Он родился в 1968 году и начал свое образование в раннем возрасте. Учился в художественной школе для одаренных детей. После этого он поступил в аспирантуру, а затем получил должность в престижной школе St.Петербургская Академия Художеств.

Он учился 20 лет и является одним из ярчайших творческих умов. Николай — молодой знаток своего дела и художник с огромным даром к деталям.

Я могу охарактеризовать его стиль как сочетание классики и современных подходов. Его новаторские приемы быстро были замечены арт-сценой [2].

Среди полученных им наград — золотая медаль «Молодой художник года» в 1996 г., Гран-при 1999 г. (выставка / конкурс «Окно в Китай») и Гран-при Американского общества художников-портретистов от Метрополитена. Художественный музей в Нью-Йорке.

Николай — очень активный художник. У него было большое количество выставок (более 40 международных выставок). Некоторые его работы можно увидеть в галереях и музеях России (в том числе в Московском музее).

Итог

Как и все в этой вселенной, эта статья подошла к концу. Надеюсь, вы узнали об интересных русских художниках. Мир современного русского искусства полон великих новичков из Санкт-Петербурга в другие части мира.

Культура России хорошо известна на Западе (в основном своими замечательными авторами), и многие люди уже знают о важности русских художников сегодня.

Список литературы

1. http://www.timmag.com/Summer11/pdfs/Page_16.pdf
2. https://www.nikolai-blokhin.com/

Московский музей современного искусства

0 1 94261 94254 94249 94255 94238 94226 92653 / images / Exhibitions / say3562_01.jpg Sciarsism и Sciarsists Гоголевский бул., 10/2 21 октября — 21 ноября Московский музей современного искусства при поддержке галереи Fine Art представляет международную выставку Sciarcism and Sciarcists, впервые проводимую в Москве. / ru / выставки / gogolevsky_10_2 / sciarsism_and_sciarsists / /images/exhibitions/akrasulin531_01.jpg Андрей Красулин.Практика, процесс, разрез. ММОМА. Гоголевский 10 6 октября — 21 ноября 2021 г. Московский музей современного искусства совместно с галереей pop / off / art представляют масштабную выставку Андрея Красулина «Практика, процесс, огранка». На выставке, составленной из скульптурных, живописных и графических произведений, представлено более 200 работ, созданных в период с 1960-х по 2021 год. / ru / Exhibitions / gogolevsky / andrey_krasulin_practice_process_cut / / images / Exhibitions / khz098_04.jpg НАРОД И ПОЛИМЕРЫ Большой Перовский пруд, ул. Кусковская, 26Б 23 сентября — 31 октября 2021 г. Спецпроект витрины современного московского искусства Здесь и сейчас / ru / Exhibitions / vadim_sidur_museum / people_and_polymers / /images/exhibitions/nenaz7389_01.jpg Необычный Нижний Новгород, Кремль, д. 6, Арсенал 23 сентября 2021 — 20 февраля 2022 Московский музей современного искусства (ММСИ) с гордостью представляет выставку «Неизвестное», подготовленную специально для показа в Волго-Вятском филиале Государственного музея изобразительных искусств им. А.С. Пушкина в Нижнем Новгороде (Центр современного искусства «Арсенал»). / ru / Exhibitions / special / unnamable / /images/exhibitions/atitova72018_01b.jpg АННА ТИТОВА. УДИВИТЕЛЬНОЕ ПУТЕШЕСТВИЕ РАЗНОГО МАЛЬЧИКА МУЗЕЙ ВАДИМА СИДУРА. УЛ. НОВОГИРЕЕВСКАЯ, 37 А, 7 СЕНТЯБРЯ 2021 — 27 ФЕВРАЛЯ 2022 ГОДА Музей Вадима Сидура и Московский музей современного искусства представляют исследовательский проект художницы Анны Титовой «Удивительное путешествие озорного мальчика», представляющей обновленную постоянную экспозицию музея Вадима Сидура. / ru / Exhibitions / vadim_sidur_museum / anna_titova_the_amazing_journey_of_a_mischievous_boy / /images/exhibitions/jeffcowen832_03.jpg ДЖЕФФ КОУЕН. ФОТОГРАФИИ ММОМА, 25 ПЕТРОВКА 1 СЕНТЯБРЯ — 24 ОКТЯБРЯ 2021 г. Московский музей современного искусства совместно с MAP Collection, Эриком Шлоссером и Майклом Вернером Кунстханделем представляет первую персональную выставку американского фотографа Джеффа Коуэна в России. / ru / выставки / петровка / jeff_cowen_photoworks / /images/cms/thumbs/a4dc6d623fd7d8ad10fb514bbe31c17d02e91a6d/9_1000_auto_jpg.jpg УЧЕБНЫЙ ЦЕНТР МОСКОВСКОГО МУЗЕЯ СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА Образовательный центр MMOMA в Ермолаевском переулке, 17 открылся зимой 2017 года на одной из четырех площадок Московского музея современного искусства. Создание такого Центра стало логическим развитием деятельности музея в сфере просвещения и популяризации современного искусства, что позволяет консолидировать и расширить все существующие образовательные проекты музея. / ru / Exhibitions / ermolaevsky / education_center_of_the_moscow_museum_of_modern_art /

Вторник — воскресенье: 12:00 — 21:00 Музей закрыт по понедельникам Последний вход за 30 минут до закрытия музея Вход бесплатный во вторник каждой третьей недели месяца ЗДЕСЬ +7 495 690-68-70

Танец: выставочная архитектура в современной России — Критика

Никакой другой контекст, который я знаю, не придавал бы выставочной архитектуре такого значения, как сегодняшняя Россия.Уровень амбиций очень высок: возводятся и окрашиваются стены и другие сложные конструкции, стелены ковры, сооружаются дорожки, комнаты освещаются, как в театральном представлении. Как посетитель или (что лучше) опытный человек, вы очарованы. Это напоминает мне о Gesamtkunstwerk девятнадцатого века и о знаменитом описании Борисом Гройсом характерно плотной и атмосферной среды Ильи Кабакова как «тотальных инсталляций». Но с большим отличием: в то время как Gesamtkunstwerk и общая установка полагаются на сходство и соответствие между структурой дисплея и отображаемым, создавая синергетические эффекты, стиль, который преобладает в России, имеет тенденцию идти своей собственной гонкой.

Выставочная архитектура, безусловно, может выделить искусство как таковое и придать энергию тому, что выставляется, но она также может затруднить доступ к искусству. Одним из примеров продуманного и дорогостоящего дизайна, сделавшего эту связь напряженной, была выставка Музея современного искусства «Гараж» «Предполагаемое расстояние: домыслы, подделки и прогнозы в эпоху Коронакена» (26 марта — 1 августа), где посетителей водили вокруг освещенной « подиум ». Это создало досадное противоречие между похвальной инициативой — поддержать артистов в России щедрым производственным бюджетом во время пандемии — и поверхностной и эффектной презентацией образа жизни.Как если бы ответственные за это хотели, чтобы посетитель чувствовал себя моделью на показе мод, установив произведения искусства за пределами подиума, на должном расстоянии от зрителей. Действительно, он идеально подходил для селфи.

Приз китча, однако, достается дизайну Даниэля Либескинда для многослойной выставки «Мечты о свободе. Романтизм в России и Германии »(22 апреля — 8 августа), прекрасное и уникальное собрание произведений искусства и других предметов, большинство из которых датируется примерно 1800 годом, в Новой Третьяковской галерее.Архитектура выставки была лабиринтной, усложняя как развешивание произведений искусства, так и движение посетителей, превращая путешествие в пируэт, погруженный в себя. Другой аспект этого — экономический; По словам коллег, работающих в учреждениях, бюджет выставочной архитектуры, включая гонорар архитектора, обычно равен бюджету на искусство и художников или превышает его. В то же время, надлежащее вознаграждение художников в учреждениях, как само собой разумеющееся, а не исключение, еще не кажется на местном уровне.

Но почему именно сейчас выставочная архитектура так популярна в России? Друг предполагает, что это культура представления с долгой историей; Большое значение придается тому, как что-то преподносится на публике, и поэтому имеет тенденцию к торжественности и торжественности. Другой говорит, что иногда это может служить компенсацией за современное искусство, которое само по себе плохо выполнено или произведено дешево. Третий указывает, что это часть новой, жестко коммерциализированной выставочной культуры по образцу глобальных мегасобытий, когда конгрессы и ярмарки в России вкладывают значительные средства в форму и внешний вид.Это распространилось на сферу искусства.

Во всяком случае, последнее не относилось к яркой и проработанной выставке «ВХУТЕМАС 100. Школа авангарда» в Музее Москвы (10 ноября 2020 г. — 11 апреля 2021 г.): в стиле функционализма и Была представлена ​​воздушная деревянная архитектура, работы учителей и учеников легендарной художественной школы. Различные направления или отделы советского Баухауза, включая «пространство», «объем» и «цвет», сопровождались богатым документальным материалом в пространстве, созданном для удовольствия открытий.Здесь форма и содержание шли рука об руку, удачно адаптированные к необработанным помещениям музея в старом арсенале.

Еще один интересный пример — показ художницей Анны Титовой абстрактных скульптур Вадима Сидура в стиле позднего модерна в скромном музее Вадима Сидура в еще не облагороженном жилом районе Москвы («Удивительное путешествие озорного мальчика», 7 сентября 2021 г. — 27 февраля 2022 г.). Имея в своем распоряжении ограниченное пространство, она создала круглую структуру с длинной вставленной внутри нее полкой для небольших скульптур из бронзы, камня и дерева, к которым посетители могут прикоснуться — с конца 1980-х годов музей Вадима Сидура был музеем Вадима Сидура. первый в России музей, ориентированный на посетителей с разноплановыми физическими возможностями, в том числе с ослабленным зрением.В середине она поместила скульптуру, прославляющую материнство, которая ведет к монументальному реконструированному ансамблю, состоящему из выброшенных предметов, которые Сидур нашел в своей мастерской и вокруг нее, — работа, являющаяся прообразом более поздних инсталляций Кабакова.

Есть еще одна причина, по которой выставочная архитектура так заметна: повествовательный импульс. Ощутимое желание в России рассказать историю демонстрирует персональная выставка Томаса Деменда в Музее современного искусства «Гараж» («Зеркало без памяти», 10 сентября 2021 — 30 января 2022), где стены напоминают огромные стопки бумаги. .«Духовный труд: продолжительность, трудность и влияние», параллельная групповая выставка, посвященная исполнительскому искусству в Восточной Европе и Юго-Восточной Азии в том же учреждении, со стенами, имитирующими бетон, подчеркивает исходные места ряда представлений, представленных в выставка.