Современное искусство россии: Современное искусство в России и в мире — Российская газета

Где в России есть Центры современного искусства

Выставки современного искусства для российских туристов были одной из причин отправиться в страны Европы или в США. Сейчас это практически невозможно, поэтому «Газета.Ru» окинула взглядом пространства нашей родины и нашла, куда поехать ради красивых пространств в бывших промышленных зданиях и новых впечатлений.

Россияне активнее осваивают просторы своей родины: делятся гастрономическими впечатлениями от Казани и Северной Осетии, выкладывают в соцсети фотографии из Рязани и Пскова, хвастаются поездками на Крайний Север.

Однако без искусства жизнь была бы неполной. Поводом поехать в недоступные сейчас Роттердам, Бильбао или Берлин были (и будут после пандемии) музеи современного искусства. А пока придется искать в своей стране возможности познакомиться с произведениями художников, творящих здесь и сейчас.

Таких мест немного — но они есть. Во Владикавказе, Екатеринбурге, Калининграде, Нижнем Новгороде, Санкт-Петербурге и Томске открыты филиалы московского Государственного центра современного искусства.

А в некоторых городах бывшие промышленные помещения уже превращают в пространства, где вместо предметов создаются объекты, идеи и концепции.

«Октава», Тула

Два часа на юг от столицы и вы попадете в Тулу. Здесь три года назад на месте завода «Октава», производящего микрофоны и слуховые аппараты, построили одноименное креативное пространство. Теперь в бывших производственных помещениях — музей, выставочный зал, библиотека с книгами об искусстве и науке, студия звукозаписи и огромное помещение для проведения лекций, концертов и спектаклей. Это совместный проект «Ростеха» и частного инвестора Михаила Шелкова.

Самое интересное здесь — мультимедийный Музей станка, где ежедневно проходят digital-спектакли. Инфографика, голограммы, идеальная акустика: 20 минут — и уже можете хвастаться знаниями об истории промышленности России и Тулы, а также об изобретениях, изменивших мир.

Неподалеку проходит выставка «Хорошие/плохие» художника и дизайнера Андрея Люблинского, работы которого выставлялись в России, Европе и США. Это тотальная инсталляция, населенная героями собственной мифологии художника и известными фигурами истории и современной культуры. Специально к трехлетию кластера Андрей Люблинский создал новых персонажей своей коллекции, связанных с Тулой.

Помимо выставок здесь регулярно проходят мастер-классы, кинопоказы и лекции — об искусстве, науке и психологии.

PERMM, Пермь

Созданный весной 2009 года по инициативе галериста Марата Гельмана Музей современного искусства

PERMM успел реализовать более 70 выставочных проектов, часть из которых экспонировалась в Москве, Санкт-Петербурге, Самаре, Новосибирске и за рубежом. До 2014 года музей располагался в здании Речного вокзала. Сейчас он переехал в промышленный район Мотовилиха.

Сейчас PERMM – не только про выставки, но и про курсы арт-медиации, лекции, мастер-классы и воркшопы с известными искусствоведами, художниками и кураторами.

В настоящее время музей экспонирует две новые выставки. Одна из них — «Гастев. Как надо работать» — рассказывает историю поэта, исследователя, революционера, ученого, организатора Центрального института труда (ЦИТ) и основателя системы научной организации труда в СССР Алексея Гастева.

Значительный раздел выставки посвящен деятельности ЦИТ, его создателям и лабораториям — в частности, Проекционному театру Соломона Никритина и кинофотолаборатории. Помимо архивных документов и фото, ЦИТ будет представлен реконструированными «установками» и «станками» — опытными инструментами и тренажерами из лабораторий Института. По аналогии с учебными музеями 1920-х годов экспозиция позволит посетителям самостоятельно работать с архивом и публикациями.

Вторая экспозиция — «Предметы гордости и стыда». Это антропологический проект художника Владимира Архипова, который представляет феномен самостоятельного изготовления бытовой вещи. Автор в течение 25 лет путешествует по регионам России и находит удивительные «штуковины» в эстетике бытового коллажа — турецкий ковер, который служит фильтром для речной воды, телевизионные антенны из парусины, вилок и ракеток.

«Типография», Краснодар

В 2012 году Центр современного искусства открылся в Краснодаре — «Типография» разместилась в помещениях настоящей типографии «Советская Кубань», благодаря художника группировки ЗИП Степану и Василию Субботиным и Евгению Римкевичу, а также меценату Николаю Морозу. Теперь вместо грохота станков здесь можно слушать лекции и участвовать в дискуссиях, а также смотреть кино, участвовать во встречах с художниками из других стран (пока что онлайн), ходить на выставки и даже работать и проводить мероприятия в здешней библиотеке с огромным деревянным столом, большими окнами и белыми полками с книгами.

В «Типографии» устраивают своп-вечеринки, на которых можно обмениваться одеждой, кинофестивали, аукционы произведений искусства, исследовательские лаборатории и лекции и перформансы. И даже принимают вторсырье и рассказывают, куда можно сдать стеклотару, пластик, картон и батарейки.

Сейчас здесь до 30 мая работает выставка «Феминистские транслокальности», которая рассказывает об феминистском движении в регионах России. Еще одна временная экспозиция — это «Тренинг «Фантазия», созданная совместно с Гёте-Институтом: 11 работ художников из России, Германии и других стран посвящены попыткам осмыслить сверхъестественное, странное, страшное и непонятное.

Россия приехала в Москву — Strelka Mag

10 марта в Музее «Гараж» открылась первая Триеннале современного искусства. Это первый проект подобного масштаба: на выставке представлены работы более шестидесяти художников из разных городов. Цель Триеннале — отразить развитие российского искусства за последние пять лет. «Городской конструктор» выбрал лучшие цитаты из интервью Strelka Magazine с одним из кураторов Триеннале Александрой Обуховой о развитии современного искусства в регионах и поддержке художников в стране.

Фото: Алексей Народицкий / Музей «Гараж»

 

Нужно что-то сделать для России

«Идея Триеннале впервые была высказана главным куратором «Гаража» Кейт Фаул, которая буквально сказала следующее: «Нужно что-то сделать для России», — и с большим энтузиазмом была поддержана директором Антоном Беловым. При этом кураторы музея поначалу были растеряны, поскольку не знали, какую методологию выбрать для подготовки этого проекта. В итоге мы ушли от каких бы то ни было готовых рецептов, и сама мысль о том, что мы знаем, как устроено русское искусство, была отброшена. Так возникла идея полевых исследований в регионах. В каждом из них мы выявили наших возможных партнёров, художников и «тайных агентов», через которых пытались прояснить ситуацию с точками посещений: в какие города стоит ехать, а в какие нет. Благодаря филиалам ГЦСИ, которые были созданы в течение последних двадцати лет в Екатеринбурге, Калининграде, Нижнем Новгороде, Томске, Владикавказе, а также отдельным культурным центрам, галереям и специалистам, мы смогли составить общую картину и построить маршруты исследования. Мы поделили между собой федеральные округа нашей большой страны и в мае отправились в путешествия, которые длились до начала сентября».

Из серии «Старая утка», 2013 / Фото: Сергей Потеряев, Екатеринбург

Из серии «Старая утка», 2013 / Фото: Сергей Потеряев, Екатеринбург

Из серии «Старая утка», 2013 / Фото: Сергей Потеряев, Екатеринбург

«Поначалу у нас был очень широкий отбор. Проблема заключалась в том, чтобы уйти от стандартного кураторского диктата, который навязывает материалу свою волю, тематизирует те аспекты, которые ему лично интересны, но которые могут быть не интересны тем художникам, которые под его лекала не ложатся. Мы хотели быть более или менее объективными».

 

Вокруг огромная страна

«Всех, кого мы отсмотрели, показать не удалось бы физически, даже если бы нам дали ещё один «Гараж». И дело даже не в квадратных метрах, а в том, чтобы осмыслить этот объём. Чтобы передать его зрителю, нужно было провести интеллектуальную операцию, которая позволила бы систематизировать эту пёструю картину. Всем кураторским составом мы снова и снова возвращались к нашим путешествиям, пытаясь выявить общие сюжеты, технологические предпочтения или стилевые повторы.

«Смотрящий». 2017 / Эскиз проекта для Триеннале / Александр Шишкин-Хокусай, Ленинград

Таким образом, в каждом городе оказалась своя «мастер-фигура». Этот термин мы позаимствовали у социолога Алексея Юрчака, который с его помощью описывает персону, формирующую вокруг себя среду. В нашем случае это символическое присутствие в социальном контексте художественной среды того или иного города. То есть эта фигура самим своим присутствием вдохновляет окружающих и заставляет их работать, невзирая на сопротивление традиционного, костного, консервативного академического мира».

Работа арт-сообщества «33+1»

Работа арт-сообщества «33+1»

Работа арт-сообщества «33+1»

«Мы выяснили, что один из общих векторов развития во всех точках России — активистское искусство, очень сильно выросшее за последние пять лет после бурных событий 2012 года. В центре этого направления располагаются два феномена, самые динамичные или влиятельные на сегодняшний день. Первый — это Монстрации (художественная акция, по форме представляющая собой демонстрацию или шествие; на выставке будет представлена их фото- и видеодокументация. — Прим. ред.), возникшие в Новосибирске и распространившиеся по всем городам страны. И второе направление — это феминистское искусство, которое проявляет себя в самых разных форматах. Это может быть и такого рода активизм, который практически утрачивает визуальность».

 

Разность контекста

«Мы обращали серьёзное внимание на то общее, что нас объединяет. Региональные акценты так или иначе себя проявят: художник из Казани будет работать иначе, чем художник из Калининграда, именно потому, что по-разному формируются местные художественные школы и контекст, в котором они развиваются, очень разный».

Монстрация в Новосибирске 1 мая 2016 года, организатор — Артём Лоскутов / Фото: Сергей Мордвинов

«Разница в развитии арт-активизма связана с тем, насколько отличаются регионы нашей страны по степени открытости: что возможно в одном городе, совершенно невозможно в другом. Неслучайно поэтому один из выбранных видеофрагментов — это Монстрация 2014 года, проведённая в Симферополе. Из этого видео можно узнать две вещи. Во-первых, насколько небольшим является Крымское художественное активистское сообщество и, во-вторых, насколько агрессивно настроена социальная среда к разного рода выходам на площадь».

 

Открытые системы

«Это не первый опыт Музея «Гаража» в работе с контекстами других городов. В 2015 году мы провели проект под названием «Открытые системы»: фактически собрали справочник о художественных самоорганизациях разных городов России. Это опыт оказался очень успешным, потому что сами для себя мы раскрыли не только terra incognita нашей истории искусства, но и блистательные механизмы горизонтального взаимодействия. И уже возникают события, которые минуют наш музей для того, чтобы объединить эти плавающие острова и обнаружить какие-то дополнительные опоры, идущие не через Москву».

«Для меня было намного более важно, когда художники в Симферополе, которые находятся в достаточно отчаянном положении, поскольку там нет никакой поддержки современного искусства ни со стороны частного инвестирования, ни со стороны государства, открыли там квартирную галерею, действуя на свой страх и риск. Они не понимают, как это делать и зачем, но они чувствуют, что это нужно. И вдруг они узнают, что у нас был такой проект, и бесконечно радуются тому, что они не одни. В таких же обстоятельствах находятся художники в Москве, Владивостоке, Тольятти, Воронеже. Есть технологии и методы самоорганизации, которые позволяют искусству жить и развиваться вне институций».

Из серии «Деконструкция». 2013 / Картон, акрил / Кирилл Гаршин, Воронеж

Из серии «Деконструкция». 2013 / Картон, акрил / Кирилл Гаршин, Воронеж

«Конечно же, хотелось бы всячески избежать позиции такого столичного наблюдателя, который приезжает учить жизни и предлагает универсальный способ выхода из социальной и экономической изоляции художников. Я думаю, что здесь дело не в том, что художники из регионов чувствуют себя ущербными из-за того, что находятся не в центре. Самое важное следующее: горизонтализация, самоорганизация, экономическая помощь, социальная и информационная поддержка. Вот пять задач, которые мы должны выполнять. Причём совершенно не обязательно быть для этого куратором из Москвы. Самара, одно из самых благополучных в этом отношении мест, может помочь художникам из Симферополя. Именно она моделирует образцы поведения и выживания, солидарности и взаимоподдержки, так необходимые художникам, которые стоят против большого враждебного мира, имперского сознания, консерватизма и ретроградности».

«Я вас уверяю, что галерея «Электрозавод» в Москве открывается совершенно на других основаниях, чем маленькая галерея в Грозном, которая маскируется под антикафе, чтобы, не дай бог, случайные люди не поняли, что там выставляется современное искусство, и куда создательница приходит только в сопровождении своих братьев. Не стоит сравнивать напрямую эти вещи. Для людей в Грозном чрезвычайно важно, что два художника из Грозного будут представлены на Триеннале. И у тех людей, которые живут и дышат современным искусством там, ситуация гораздо хуже, чем в Самаре и даже чем в Волгограде, где всё тоже крайне непросто. Для них имеет значение, что с ними в одном контексте будут не столько основатели музея Даша Жукова и Роман Абрамович, а Елена Слобцева из Перми, Павел Шугуров из Владивостока, группировка «ЗИП» из Краснодара. И современное искусство — это как раз прекрасный инструмент для объединения и включения».

«Ирония как ландшафт», №1. 2015 / Антон Забродин, Калининград

«Если мы говорим об изменениях, к которым это приведёт, то прежде всего это счастливая возможность для Москвы перестать надуваться от собственной значимости. Хотя, с другой стороны, намного важнее то, что русское искусство, крайне недооценённое в мировом художественном сообществе, станет замеченным. В Музей «Гараж» сейчас приезжает большое количество международных кураторов, журналистов, пишущих об искусстве, музейщиков. Нужно не просто показать им срез современного русского искусства, но и обратить их внимание на то, что в этом случайном наборе событий, которые они застают в Москве, можно раз в три года вычленить такое, которое является не просто итогом волюнтаристского решения одного, двух, трёх кураторов. Оно итог серьёзной интеллектуальной аналитической работы. Ведь мы же не просто делаем выставку, которая будет повторяться раз в три года, а создаём информационную платформу, развёрнутый справочник имён и произведений художников из самых разных регионов».

Рынок современного искусства 2000–2020: обзор Artprice в разгар пандемии

Текст: Ольга Гурова23.12.2020   163525

Ежегодно портал Artprice публикует годовой отчет о состоянии мирового рынка современного искусства.

Но в 2020 году мировой арт-рынок взял паузу, и Artprice воспользовался этим, чтобы сделать обзор рынка современного искусства за последние двадцать лет так, как он видится сейчас, во времена глобального кризиса, связанного с пандемией.

Цзэн Фаньчжи. Тайная вечеря. 2001. Холст, масло. Продана в октябре 2013 на Sotheby’s, Гонконг, за $23,3 млн. Courtesy Sotheby’s

Вплоть до конца 1990-х годов современное искусство было маргинальным сегментом арт-рынка, сейчас же оно составляет 15% мирового аукционного оборота изобразительного искусства и является основным двигателем его роста: за 20 лет его рост составил 2100%. В наше время коллекционеры не зациклены на работах умерших художников, они позволяют новым художникам убедить себя с помощью новых форм, новых методов, новых ориентиров. Некоторые цены росли так быстро, что MoMA, например, упустил возможность приобрести картину Жан-Мишеля Баскиа. В то же время создан новый рынок доступных объектов с принтами и тиражными работами. Вдохновленное поп-артом, современное искусство продолжает демократизироваться, вступая в диалог с более широкой аудиторией.

Символом этого стал стрит-арт: работы Бэнкси известны во всем мире. Революцией стало признание женщин-художников молодого поколения, к которому следует добавить успех художников из Африки и африканской диаспоры.

Короче говоря, за 20 лет рынок современного искусства пережил глубокую трансформацию. Понятно, что пандемия, разразившаяся в 2020 году, нарушила ритм развития рынка. Таким образом, переживая эту паузу, мы можем провести серьезный анализ метаморфоз рынка современного искусства, таящего в себе самые большие риски и самые большие возможности, прежде чем он возобновит свою полную неожиданностей работу.

Рынок современного искусства находится на пике

За 20 лет рынок современного искусства претерпел глубокие структурные изменения: все больше художников (с 5400 до почти 32 тыс. представленных сегодня на аукционном рынке), все больше работ (с 12 тыс. до 123 тыс. лотов). Рынок рос и расширялся географически (с 39 до 64 стран, участвующих в аукционах). Его рост ускорился с распространением удаленных транзакций и теперь является наиболее динамичным и прибыльным сегментом всего арт-рынка. За 20 лет количество аукционных домов, участвующих в торгах на рынке современного искусства, увеличилось вдвое, количество сессий — втрое, а количество проданных лотов — в шесть раз.

	2000	2010	2019
Аукционный оборот ($)	92 млн	1145 млн	1993 млн
Цена топ-лота ($)	2,2 млн	16,9 млн	91,1 млн
Средняя цена лота ($)	7430	30 400	25 140
Лотов продано	12 355	37 670	79 290
Лотов выставлено на продажу	19 180	61 885	122 875
Доля непроданных лотов	36%	39%	35%
Число торгов	1794	2960	5874
Число художников	5425	18 284	31 918
Города	359	377	539
Страны	39	58	64
Аукционные дома	467	618	843
Комиссия покупателя	14,4%	16,9%	20%
Доля рынка	2,9%	8,6%	14,9%
Самый продаваемый художник	Жан-Мишель Баскиа

 

Оборот аукционов современного искусства уже обогнал по объемам такие сегменты арт-рынка, как искусство старых мастеров или искусство XIX века. Работы некоторых современных художников уже достигли статуса «исторических ценностей» и ценятся в денежном выражении так же, как и величайшие художники модернизма, такие как Моне или Пикассо. Баскиа является обладателем первого и последнего аукционных рекордов двадцатилетия. Одна из его работ в 1998 году первой для современного искусства преодолела планку в $1 млн, а другая в 2017-м стала самым дорогим произведением современного искусства, проданным на аукционе («Без названия» (1982), Sotheby’s, $110,5 млн) — аукционный рекорд Баскиа за 20 лет вырос в 65 раз. За этот же период средняя цена произведения современного искусства утроилась. Этот рост сделал современное искусство основным двигателем роста мирового арт-рынка в XXI веке.

Современное искусство 2000–2020: ключевые цифры

► В 6 раз больше художников и в 6 раз больше лотов.
► +2100% рост аукционного оборота.
► Баскиа — рекордсмен мировых аукционов в сегменте современного искусства: $110 млн.
► Современное искусство сейчас составляет 15% мирового арт-рынка против 3% 20 лет назад.
► На Китай и США приходится 68% мирового аукционного оборота рынка современного искусства.
► С 2000 года работы современного искусства принесли $22,7 млрд.
► Более 60% рынка современного искусства приходится на живопись.

Одним из основных факторов роста рынка современного искусства стало внезапное появление на нем китайских покупателей, приход которых привел к коренному изменению рынка. Быстрый рост китайской экономики позволил одним богатым предпринимателям начать коллекционирование произведений искусства, в то время как другие начали покупать произведения искусства, чтобы диверсифицировать свои инвестиции. Возникновение в Китае сектора «арт-бизнеса» было быстрым и впечатляющим, оно включало появление специализированных инвестиционных фондов. В подражание практике фондового рынка, предлагались «доли» в работах с целью получения быстрого и значительного прироста капитала. Большие суммы вкладывались, в основном, в произведения китайских художников, что значительно увеличило их стоимость. В 2011–2012 годах на аукционном рынке Китая было продано вдвое больше произведений современного искусства стоимостью выше $100 тыс., чем во всей Европе. С течением времени многие китайские покупатели стали серьезными коллекционерами — это основатель гиганта электронной коммерции Alibaba Джек Ма, Эдриан Чен или Лин Хан. Некоторые создали частные музеи для размещения своих коллекций — например, Буди Тек с его музеем в Шанхае.

Однако рост рынка современного искусства был обусловлен не только Китаем. Он возник как следствие продолжающейся глобализации арт-рынка. Цены росли на работы ведущих индийских, ближневосточных и западных художников. В Нью-Йорке и Лондоне началась целая череда новых аукционных рекордов.

Такаси Мураками. ДОБ в Странном лесу. 1999. Сталь, пластик, армированный стекловолокном, стекловолокно, смола, акрил. Courtesy автор. © 1999 Takashi Murakami / Kaikai Kiki Co., Ltd. All Rights Reserved

Мураками, японец в Нью-Йорке

Стремительный взлет Такаси Мураками стал символом трансформаций на рынке современного искусства. Почти отсутствовавший на радарах в 2000 году, в 2008 году он вошел в десятку самых продаваемых художников. Своего рыночного пика работы Мураками достигли в 2008 году, когда на аукционе Sotheby’s его работа «Мой одинокий ковбой», вдохновленная мангой и культурой кавай, была продана за $13,5 млн, в 10 раз выше эстимейта, что открыло для Мураками двери американского рынка. Сам художник присутствовал в аукционном зале, чтобы купить работу Ёситомо Нары «Зажги мой огонь» (2001) за $1,1 млн. Таким образом, современные японские художники вошли в число самых дорогих наряду с Джеффом Кунсом и Деймианом Херстом, также умело использующими в свою пользу коды массовой коммуникации и маркетинг.

Херст и Sotheby’s до и после события

В середине сентября 2008 года номинальному главе так называемых «Молодых британских художников» (YBA) удалось навсегда вписать свое имя в историю арт-рынка, когда он а) начал продавать свои работы непосредственно через Sotheby’s минуя обычную схему, включающую арт-галереи, и б) сделал это в критический момент в мировых финансах (проведение аукциона совпало с крахом крупного инвестиционного банка Lehman Brothers). Около 200 работ было доставлено из студии Херста прямо в аукционный зал, и общие результаты торгов Beautiful Inside My Head Forever были ошеломляющими. 45 работ было продано дороже $1 млн, несколько новых работ были проданы по исключительным ценам, в том числе «Золотой телец» (2008), ушедший за $18,5 млн. Это событие принесло Деймиану Херсту целое состояние и укрепило его славу, сделав его первым художником, сыгравшим решающую роль в коммерциализации своих работ.

Деймиан Херст. Золотой телец. 2008. Стекло, золото, позолоченная нержавеющая сталь, силикон, теленок и раствор формальдегида, постамент из каррарского мрамора. Фото: Prudence Cuming Associates. © Damien Hirst and Science Ltd. All rights reserved, DACS 2012

Крах Lehman Brothers ознаменовал начало мирового финансового кризиса и сразу после этого мировой рынок искусства резко сократился. Сокращение финансовых рынков и связанные с этим экономические последствия вызвали волну увольнений во всем арт-мире. Поскольку банки прекратили кредитовать коллекционеров на покупку произведений искусства, оборот аукционных домов неизбежно сократился. Сегмент современного искусства потерял две трети своего аукционного оборота в 2009 году ($588 млн против $1,6 млрд в 2008 году). Однако падение было кратковременным, и индикаторы рынка начали быстро восстанавливаться. В конце 2010 года объем рынка современного искусства вырос примерно до $1,1 млрд, а впоследствии достиг $1,5 млрд в 2011 году (против $1,59 млрд в 2008 году). Рынок работ Херста так и не вернулся к прежней эйфории времен торгов Beautiful Inside My Head Forever, но со временем стабилизировался. Его основные работы продаются более чем за $1 млн, но более медленными темпами: с января 2019 по июль 2020 года работы Херста принесли $5,5 млн по сравнению с $65 млн в 2008 году. За последние 20 лет Херст зарекомендовал себя как третий самый успешный современный художник (с общим объемом вторичного рынка $695 млн) после Баскиа и Кунса.

Новый пик 2014 года и быстрый рост китайского арт-рынка

В 2014 году на арт-рынке была отмечена беспрецедентная активность: на аукционах по всему миру было выставлено рекордное количество (более 100 тыс. ) лотов современного искусства, из которых 64 тыс. (тоже рекорд) нашли своих покупателей, глобальный оборот рынка современного искусства увеличился за два года на $1 млрд и достиг $2,4 млрд. Этот новый пик отразился на арт-рынке в целом, годовой оборот которого составил $16,4 млрд.

Китай стал играть гораздо более активную роль. Страна становилась все более привлекательной для мировых инвесторов, в том числе для аукционного дома Christie’s, который решил сосредоточить свои продажи в Шанхае. Со своей стороны, Sotheby’s предпринял попытку нарастить продажи в Пекине. Но сердцем азиатского рынка стал Гонконг, куда произведения искусства могли поступать без ограничений. В 2014 году на долю Гонконга приходилось 10% мирового аукционного оборота современного искусства, эта цифра актуальна и сегодня. Аукционный оборот Christie’s и Sotheby’s в Гонконге первоначально резко вырос из-за спроса на работы китайских художников, однако вскоре этот успех распространился и на известных западных художников. Совокупный оборот рынка современного искусства в Гонконге увеличился за 10 лет на 4200%: с $558 тыс. в 2000 году до $236 млн в 2011 году. В 2016 году на китайский рынок вышел и аукционный дом Phillips.

В 2019 году на эти три аукционных дома пришлось 86% всего оборота аукционов современного искусства в Гонконге, при этом Sotheby’s явно лидировал, обеспечив половину оборота аукционов современного искусства ($164,3 млн). На сегодняшний день Гонконг, на долю которого приходится 10% мирового оборота аукционов современного искусства, является третьей площадкой для продажи современного искусства после Нью-Йорка и Лондона.

Столпы рынка

Громкие имена известных современных художников — то, что привлекает толпы в музеи и придает престиж коллекциям. Их работы оцениваются в десятки миллионов долларов, поэтому значительная часть интереса рынка сосредоточена именно на них. Фактически, три четверти мирового аукционного оборота в сегменте современного искусства генерируется всего 100 художниками из 30 тыс. , представленных на аукционах. Другими словами, экономическое благополучие рынка современного искусства зависит от 0,3% представленных на нем художников.

Баскиа и Кунс вместе составляют 12% мирового оборота. За 20 лет было продано работ Баскиа, Кунса, Херста и Вула на $4,4 млрд — это почти 20% от мирового оборота рынка современного искусства. Баскиа был самым востребованным и самым дорогим современным художником уже в 2000 году. С тех пор изменился только уровень цен.

Жан-Мишель Баскиа. Без названия. 1982. © The Estate of Jean-Michel Basquiat / ADAGP, Paris / ARS

Локомотив Баскиа

Афроамериканский художник из Бронкса, Баскиа стал символом мультикультурализма. Спустя тридцать лет после его смерти его работы по-прежнему вызывают огромный интерес. Для рынка современного искусства он стал тем, чем Пикассо стал для рынка модернизма, но так было не всегда. В 1988 году его друзья, коллекционеры Ленор и Герберт Шорр предложили передать картину Баскиа Музею современного искусства, Нью-Йорк, но музей отказался от подарка. Музей считал Баскиа «мелким» и не смог предвидеть переломного момента, хотя одна из его работ — «Красный кролик» (1982) — была продана в ноябре 1988 года на аукционе Sotheby’s за $100 тыс. Его первый миллионный результат был достигнут через 10 лет и потребовалось еще 10 лет, чтобы добраться до отметки $10 млн. Спустя 30 лет после смерти Баскиа рынок продвинул его к отметке в $100 млн. В условиях глобализации и роста числа состоятельных людей количество покупателей работ Баскиа резко увеличилось, а спрос стал более разнообразным: его работы покупают коллекционеры из Китая, Индии, России, Европы, Америки и Японии — рекордную цену за работу Баскиа заплатил японский бизнесмен Юсаку Маэдзава.

Превысив символический порог в $100 млн, Баскиа утвердил свой статус рыночной легенды, как до него это сделал Пикассо. Однако рынки этих художников имеют совершенно разные структуры: Баскиа, скончавшийся в возрасте 27 лет, создал чуть менее 3 тысяч работ, в то время как Пикассо является автором десятков тысяч. Фактор дефицита сыграл ведущую роль в росте цен на работы Баскиа: поскольку наибольшим спросом пользуется период 1981–1982 годов, то это еще более ограничивает предложение.

Значительные работы Баскиа регулярно возвращаются на рынок, и рост их стоимости впечатляет. Например, картина «Оранжевая спортивная фигура» (1982) трижды перепродавалась: в начале 1990-х — за $66 тыс., в 2012 году — за $6,4 млн, а в 2015 году — за $8,8 млн. Установившая рекорд в $110,5 млн картина «Без названия» (1982) была куплена в 1984 году за $19 тыс. и через 33 года перепродана в 5800 раз дороже. В самые успешные годы Баскиа буквально доминировал на рынке современного искусства: публичные продажи его работ составляли 15% мирового аукционного оборота. Лишь один художник приближается к его результатам — это его творческая противоположность Джефф Кунс.

Джефф Кунс. Бак с тремя мячами в полном равновесии (из серии «Д-р Джей Сильвер»). 1985. Стекло, сталь, дистиллированная вода, хлористый натрий, три баскетбольных мяча. © Jeff Koons

Джефф Кунс и субъекты нового культа

Джефф Кунс, бывший брокер с Уолл-стрит, создал свои первые работы в 1980-х. Кунс изобрел лакшери китч — искусство одновременно общедоступное и претенциозное. Обожаемый одними и ненавидимый другими, посол американского неопоп-арта недавно был признан самым дорогим ныне живущим художником — его скульптурная работа «Кролик» (1986) была продана на аукционе Christie’s в 2019 году за $91,1 млн. В основе его такой американской истории успеха расширение не только методов создания искусства, но и способов его дистрибуции, где он прозорливо лавирует между сферами искусства, производства и бизнеса.

Творения одновременно высокотехнологичные и весьма доступные

Воздушные шары и гигантские сердца, 15-тонная собака, покрытая десятками тысяч растений, — все это работы Кунса, которые не так-то просто смонтировать. Для директора Национального музея современного искусства в Париже Бернара Блистена проекты Кунса «заново открывают архетипическую и символическую силу ноу-хау в сочетании с профессиональным и техническим мастерством». Действительно, все эти элементы широко представлены в работах Кунса, с этой точки зрения всегда очень амбициозных. Его работы предполагают сотрудничество с лучшими мастерами и техниками. Перед созданием серии «Равновесие» (1985) Кунс консультировался с лауреатом Нобелевской премии по физике Ричардом Фейнманом. Создание каждой подобной скульптуры — сложная задача, требующая нескольких лет работы, в результате чего было создано всего около 200 крупных работ.

Кто авторы 100 топ-результатов на рынке современного искусства 2000–2020?

Художник	Количество лотов	Аукционный рекорд
Жан-Мишель Баскиа (1960–1988)	33	$110,5 млн
Джефф Кунс (1955)	17	$91,1 млн
Питер Дойг (1959)	14	$28,8 млн
Кристофер Вул (1955)	11	$29,9 млн
Мартин Киппенбергер (1953–1997)	4	$22,6 млн
Цзэн Фаньчжи (1964)	3	$23,3 млн
Деймиан Херст (1965)	3	$19,2 млн
Ёситомо Нара (1959)	2	$24,9 млн
Чэнь Ифэй (1946-2005)	2	$22,6 млн
Керри Джеймс Маршалл (1955)	2	$21,1 млн
Маурицио Каттелан (1960)	1	$17,2 млн
Марк Гротьян (1968)	1	$16,8 млн
Такаси Мураками (1962)	1	$15,2 млн
KAWS (1974)	1	$14,8 млн
Дженни Савиль (1970)	1	$12,5 млн
Бэнкси (1974)	1	$12,2 млн
Чжан Сяоган (1958)	1	$12,1 млн
Джон Каррен (1962)	1	$12 млн
Марк Брэдфорд (1961)	1	$12 млн

 

Самый дорогой из ныне живущих художников

Известность Джеффа Кунса и цены на его работы неуклонно росли на протяжении последних 20 лет. Все началось в мае 2000 года с продажи «Женщины в ванне» (1998) за $1,7 млн. В следующем году та же работа была перепродана на $1 млн дороже. В июне 2008 года Кунс вышел на новый уровень, когда его «Воздушный шар (Пурпурный)» (1995/2000) установил его личный аукционный рекорд — чуть менее $26 млн, что на какое-то время сделало его самым дорогим ныне живущим художником. Рекорд 2008 года состоялся незадолго до яркой ретроспективы Кунса в Версале, вызвавшей неоднозначную реакцию. Художник многих раздражает тем, что является воплощением капиталистического триумфализма арт-рынка. В любом случае через 11 лет после нашумевшей версальской выставки Кунс находится на вершине финансового успеха, вернув себе в 2019 году статус самого дорого из ныне живущих художников благодаря скульптуре «Кролик».

Предаукционная реклама «Кролика» Джеффа Кунса. 2019. © Christie’s Images

Ключом к пониманию этого успеха является слово «культовый», и в Christie’s ясно это понимали, когда перед торгами зажгли на фасаде своего здания неоновую надпись ICON. Christie’s вложила колоссальные средства в продвижение хромированного кролика. Пропагандируя визуальную культуру удовольствия, общедоступную в своих образах, изощренную в своей конструкции, Кунс открыл путь, который хотят исследовать новые художники и который продолжает привлекать новых коллекционеров. Джефф Кунс, работы которого за 20 лет собрали на аукционах $938 млн, является самым успешным современным художником после Баскиа. Кунс, однако, далек от выразительной яркости Баскиа. Напротив, эти два художника из одного поколения воплощают разные тенденции одной эпохи.

Баскиа/Кунс на аукционах: ключевые цифры

► 1998: заплачен первый миллион долларов на аукционе за работу Баскиа.
► $110,5 млн: рекордная цена за произведение современного искусства (2017), работа Баскиа.
► 3000: количество признанных работ, созданных Баскиа при жизни.
► $91,1 млн: в 2019 году Кунс вернул себе титул самого дорогого ныне живущего художника.
► 12%: Баскиа и Кунс обеспечивают 12% мирового оборота современного искусства.
► $2 175 млрд — столько собрали работы Баскиа на аукционах за последние 20 лет против $938 млн у Кунса.

Изменение годового аукционного оборота лидеров арт-рынка (2000–2019)

Кит Харинг: с $1,5 млн до $34,5 млн.
Джефф Кунс: с $5,2 млн до $96,3 млн.
Баскиа: с $10,5 млн до $108,7 млн.
Джордж Кондо: с $264 тыс. до $29,8 млн.
Ричард Принс: с $1 млн до $25 млн.
Альберт Оэлен: с $55,5 тыс. до $25,9 млн.
Рудольф Стингел: с $12 тыс. до $21,4 млн.
Мартин Киппенбергер: с $586 тыс. до $11,4 млн.
Марк Танси: с $100 тыс. до $13,4 млн.

Бэнкси. Devolved Parliament. 2009. Холст, масло. Фото: Sotheby’s

Живопись прежде всего

Живопись занимает 65% мирового рынка современного искусства

Самые дорогие работы нашего времени отражают успех поп-арта (и его наследников), исторического и современного американского абстрактного искусства, культовых уличных художников, а также китайских и японских художников, вышедших на рынок в новом тысячелетии. Работы в этих категориях, отмеченные самыми высокими рыночными ценами, обычно наполнены энергией, имеют большие размеры и насыщенные цвета. Семи- или восьмизначные результаты столь же важны для рынка в целом (поднимая его вверх), сколь и редки: они касаются менее 1% аукционных результатов, тогда как три четверти рыночных работ на холсте продаются менее чем за $5 тыс. За 20 лет живопись зарекомендовала себя как главный локомотив рынка современного искусства: на нее в 2019 году приходилось 65% выручки от продаж современного искусства по сравнению с 52% в 2000 году.

Скульптура: формирование и разрушение

На рынке современной скульптуры представлены мощные и часто противоречивые работы — животные в разрезе Деймиана Херста, провокационные инсталляции Маурицио Каттелана, распятые лягушки Мартина Киппенбергера — бунтарские, запоминающиеся и популярные. Другие визуальные художники, в том числе Кунс и Капур, более известны своим техническим мастерством, их работы требуют значительных исследовательских и производственных ресурсов.

Рынок скульптуры также развивался и в горизонтальном направлении, с работами, доступными во множестве размеров и материалов. В частности, так произошло с Такаси Мураками, который по стопам Энди Уорхола основал собственную фабрику — Kaikai Kiki Co. Сегодня в компании работает сотня человек, которые создают уникальные работы, лимитированные серии, анимационные фильмы и обложки пластинок, компания также поддерживает молодых японских художников. В японской культуре нет разделения на «высокую» и «низкую» культуру, и это прекрасно отражено в работах мастерской Мураками. Они образуют целое, неотъемлемой чертой которого является современный потребительский подход, как его понимал наставник Мураками Энди Уорхол, и как впоследствии это поняли Кунс и KAWS, каждый по-своему.

Скульптура является второй по величине категорией в продажах современного искусства, на нее приходится 16% аукционного оборота. За 20 лет объем продаж вырос на 1485% благодаря феноменальному росту цен на работы Кунса и KAWS, британских художников Херста и Гормли, немцев Мартина Киппенбергера и Томаса Шютте, японцев Такаси Мураками и Ёситомо Нары и итальянца Маурицио Каттелана.

Фотография… Большой поворотный момент

Точкой поворота для рынка фотографии стал 2007-й, когда была побита серия мировых аукционных рекордов, а годовой оборот значительно вырос, достигнув $102 млн, по сравнению с $17 млн в 2000 году. Фотоработы легко транспортировать и хранить, и большинство из них доступны при небольшом бюджете (50% фоторабот, проданных на аукционах, стоят меньше $2 тыс.). Некоторых покупателей привлекают монументальные масштабы некоторых современных фотохудожников, напоминающие крупноформатную живопись. Таким образом, фотография привлекает все больше покупателей и коллекционеров, а количество проданных фотографий за 20 лет увеличилось более чем в четыре раза — с 1300 лотов до почти 5000 лотов в 2019 году.

Ричард Принс. Ковбой. 2001–2005. Эктахром, печать. © Christie’s Images

В феврале 2007 года огромный диптих Андреаса Гурски (99 cent II (2001)) был продан в Лондоне за $3,3 млн, установив на несколько месяцев новый рекорд для современной фотографии. В ноябре того же года культовый «Ковбой» (2001–2002) Ричарда Принса размером 2,5 метра был продан за $3,4 млн. Джефф Кунс является одновременно автором и героем самой дорогой фотографии. Его фоторабота «Новый Джефф Кунс» была продана в 2013 году на Sotheby’s за $9,4 млн. Первая арт-ярмарка, посвященная исключительно фотографии (Paris Photo), состоялась в 1997 году, тогда же мы открыли для себя первые «монументальные» форматы, сочетавшие фотографический эффект присутствия с силой живописи, работы, подобные тем, что представляла Синди Шерман. С тех пор она смогла поднять фотографию до уровня «благородного» вида искусства. За 20 лет ее работы собрали на арт-рынке $143,2 млн, что привело ее на 25-е место в мировом рейтинге самых успешных современных художников.

Новый ландшафт

В начале 2000-х индустрия арт-рынка стремилась открывать новые места, новых художников и новых клиентов в Бразилии, России, Индии, Китае и на Ближнем Востоке. Первой реакцией стали большие спекулятивные покупки, пока рынки в этих странах не достигли определенной зрелости и операторы аукционов не начали работать более разумно и инклюзивно. В результате географической экспансии крупных аукционных домов произошла диверсификация продаж, организованных в Азии, и создание специализированных отделов, посвященных незападному искусству. Выйдя за рамки своего западного «автофокуса», арт-рынок открыл художников, которые еще 20 лет назад были неизвестны.

В начале 2000-х годов Artprice насчитывал 467 аукционных операторов, продающих современное искусство по всему миру, сегодня их 843 — таким образом, за 20 лет число игроков на рынке удвоилось. В этот период основные британские и американские аукционные дома — Christie’s, Sotheby’s, Phillips и Bonhams — стремились расширить свою деятельность на новые источники роста от Азии до Ближнего Востока. Одним из заметных последствий этих шагов стало создание чрезвычайно динамичного глобального рынка для таких художников как Жан-Мишель Баскиа, Джордж Кондо и KAWS. Три основных аукционных дома продолжают доминировать в глобальном масштабе: Sotheby’s с 30% мирового оборота сегмента современного искусства, Christie’s с 28% и Phillips с 11%. Но одно из основных отличий от начала 2000 годов состоит в том, что теперь за ними следуют семь китайских аукционных домов во главе с China Guardian и основанным в 2005 году Poly International. Очень быстро Китай занял третье место на мировом рынке современного искусства (23%), которое удерживал в течение трех лет, прежде чем занять первое (с 2010 по 2014). За 20 лет рост китайского оборота в области современного искусства увеличился в 65 раз. Включая Гонконг (10%), Китай в 2019 году образует 33% ($659 млн) мирового рынка современного искусства, в то время как доля США — 35%. Вместе две державы — Китай и США — занимают 68% всего аукционного бизнеса сегмента современного искусства.

Рост оборота рынка современного искусства в основных странах с 2000 года

США: +1023%.
Китай (включая Тайвань и Гонконг): +64170%.
Великобритания: +2870%.
Франция: +1107%.
Германия: +1300%.
Япония: в 2000 рынок не существовал, 6-я страна в 2019 году ($22,9 млн).

Наджат Макки. Что происходит за закрытыми дверями. 1993. Холст, акрил, медная дверная ручка. Источник: www.mutualart.com

От Дубая до Дохи

В начале 2000-х годов Дубай и Абу-Даби стали инвестировать колоссальные ресурсы, чтобы стать крупными культурными центрами. В 2007 году были созданы арт-ярмарки Art Dubai и Abu Dhabi Art Fair и запущен ряд крупных культурных проектов: филиалы Лувра, музея Гуггенхайма и др. Дубай, который стал столицей ближневосточного арт-рынка, привлек в 2006 году Christie’s и Bonhams. Катар и ОАЭ в 2008 году переживали золотой век, но рынок быстро выдохся, и ряд художников с Ближнего Востока начал демонстрировать серьезную дефляцию цен. Например, картина Наджат Макки «Что происходит за закрытыми дверями» была продана в 2007 году за $52 тыс., в пять раз превысив эстимейт, но пять лет спустя за ту же работу заплатили всего лишь $19 тыс. Рынок сошел на нет, и в 2012 году Bonhams полностью прекратил свои торги в Катаре.

В то время казалось, что лучше сосредоточиться на Дохе, что и сделал Sotheby’s в 2009 году. Эмираты стали крупным клиентом аукционных домов в стремлении пополнить коллекции своих новых музеев. Королевской семье Катара приписывают ряд самых впечатляющих сделок 2000-х годов. Их годовой бюджет на приобретение искусства составлял $1 млрд. Помимо искусства модернизма и послевоенного искусства, Катар интересовался и звездами современного искусства, такими как Луиз Буржуа, Такаси Мураками и Деймианом Херстом, чьи выставки с успехом прошли в стране. Однако три работы Херста, предложенные Sotheby’s на торгах в Дохе в марте 2009 года, не нашли своих покупателей. В последующие годы активность продолжала снижаться, и Sotheby’s прекратил торги в Дохе в 2018 году, предпочитая развивать свой лондонский отдел, посвященный Ближнему Востоку.

Китайская мечта

В середине 2000-х Пекин и Шанхай стали, по выражению китайского правительства, новыми «деревнями индустрии культуры». За относительно короткий срок ряд китайских художников приобрел статус «звезд», их громкий успех был отмечен во всем мире. Под воздействием растущего национального и международного спроса цены на современное китайское искусство быстро росли. В 2007 году главный объект энтузиазма публики Чжан Сяоган имел более высокий годовой оборот, чем Джефф Кунс. В том же году в Лондоне работа Цзэна Фаньчжи впервые преодолела отметку в $1 млн, и коллекционеры и инвесторы бросились покупать его работы. Произведения ведущего современного художника Китая экспонировались в ряде крупнейших мировых институций, в том числе в Музее современного искусства города Парижа и в Лувре.

Цзэн Фаньчжи. Из серии «Маски». 1996. Холст, масло. Courtesy Zeng Fanzhi Studio / UCCA

В 2008 году китайские художники составляли большую группу среди самого дорогого сегмента рынка современного искусства. После этого периода процветания цены на работы некоторых художников упали, но не на работы Цзэна Фаньчжи, которые стали продаваться еще дороже, сделав его символом успеха китайского искусства. В настоящее время Цзэн Фаньчжи занимает пятое место среди самых рыночно успешных современных художников, уступая лишь Баскиа, Кунсу, Херсту и Вулу. За 20 лет его работы собрали на аукционах $518,5 млн. Он является одним из 32 китайских художников, вошедших в список Топ-100 самых успешных. В настоящее время работы этих 32 художников продаются по ценам, сопоставимым с признанными звездами современного европейского и американского искусства. Если же брать топ-1000 ведущих современных художников, то там присутствуют 395 китайцев против 165 американцев. Иными словами, после 20 лет аукционов современного искусства китайское доминирование в этом сегменте рынка является подавляющим.

No Man’s Land

Еще один шаг к гендерному паритету

No Man’s Land — так назвали выставку, организованную в 2015 году в Майами влиятельными коллекционерами Доном и Мерой Рубен. На выставке были представлены работы около 100 женщин-художников, среди которых были такие ведущие художницы как Яёи Кусама, Марлен Дюма и Сесили Браун. Целью выставки было исправление вопиющего дисбаланса в мире искусства. Проведенное в 2015 году исследование Моры Рейли подтверждает слоган, выдвинутый в 1970 году группой Guerrilla Girls: «Должны ли женщины обнажаться, чтобы попасть в Метрополитен-музей?» Согласно отчету Моры Рейли, только 29% персональных выставок, организованных в период с 2007 по 2014 в Музее Уитни, были посвящены женщинам-художникам, 25% — в Тейт Модерн, 20% — в MoMA, 16% — в Центре Помпиду. Но для некоторых музеев и это было прогрессом. Например, Музей Гуггенхайма, Нью-Йорк посвятил работам женщин-художников 14% своих выставок, но в 2000-м не провел ни одной такой выставки!

Топ-10 ведущих современных женщин-художников (2000–2019)

	Художник	Аукционный оборот	Лотов продано	Рекорд
1	Синди Шерман (1954)	$143,2 млн	1284	$6,8 млн
2	Сесили Браун (1969)	$112,8 млн	229	$6,8 млн
3	Марлен Дюма (1953)	$100,1 млн	708	$12,5 млн
4	Дженни Савиль (1970)	$60,6 млн	69	$12,5 млн
5	Жюли Мерету (1970)	$57,8 млн	150	$5,6 млн
6	Элизабет Пейтон (1965)	$42,3 млн	357	$1,7 млн
7	Розмари Трокель (1952)	$33,1 млн	469	$5 млн
8	Беатриз Мильязеш (1960)	$32,9 млн	116	$2,1 млн
9	Кэди Ноланд (1956)	$28 млн	38	$9,8 млн
10	Трейси Эмин (1963)	$26,6 млн	767	$4,3 млн

 

Устранение разрывов

Гендерный разрыв в мире искусства совершенно очевиден: женщины недостаточно представлены в галереях, в постоянных экспозициях музеев и на временных выставках. Все это приводит к меньшему освещению в СМИ и снижению рыночного спроса, что, в свою очередь, приводит к значительно более низким аукционным ценам по сравнению с аналогичными работами мужчин.

Яёи Кусама. Белый № 28. 1960. Холст, масло. Продано в 2014 году на Christie’s, Нью-Йорк за $7,1 млн. © Christie’s Images

В 2015 году, когда было опубликовано исследование Моры Рейли, самая высокая аукционная цена за работу ныне живущей художницы составляла $7,1 млн, заплаченные за холст Яёи Кусамы «Белый № 28» (1960) на Christie’s в Нью-Йорке, самая высокая цена за работу ныне живущего художника-мужчины была $58,4 млн — столько стоила скульптура Джеффа Кунса «Собака – воздушный шар (Апельсин)», также проданная на Christie’s. Разница составляла более $50 млн. За годы, прошедшие после публикации отчета, произошли положительные изменения: в 2016 году был проведен ряд громких выставок в MoMA и галерее Саатчи, запущен ряд инициатив, направленных на корректировку гендерного состава коллекций музеев, таких как MoMA Women’s Project (MWP). Женщины стали обладателями ряда премий самого высокого уровня: Императорская премия в 2016 году присуждена Аннет Мессаже, «Золотой лев» Венецианской биеннале в 2017 году — пионеру феминистского перформанса Кароли Шниман.

Семь женщин вошли в сотню самых успешных художников

Разница в ценах на работы женщин и мужчин, конечно же, отражается на объемах аукционного оборота — в результате лишь семь художниц вошли в сотню самых рыночно успешных художников за 2000–2019 годы. Синди Шерман, с наилучшими показателями, занимает 25-е место в мировом рейтинге, но ее показатели намного ниже, чем у 24 опережающих ее мужчин: аукционный оборот Шерман составляет лишь седьмую часть оборота Джеффа Кунса, а ее аукционный рекорд в 13 раз ниже.

Дженни Савиль и Сесили Браун

Растущая рыночная доля некоторых художниц идет рука об руку с их признанием в Зале славы истории искусства. Рынок естественным образом следил за этими изменениями. Полностью отсутствовавшие в каталогах аукционов 2000 года работы Дженни Савиль теперь желанные гости на ранке. Они привлекла огромное внимание в 2018 году, когда ее полотно Propped (1992) было продано на лондонском аукционе Sotheby’s за £9,5 млн ($12,5 млн), что сделало ее самой дорогой ныне живущей женщиной-художником.

Сесили Браун. Внезапно прошлым летом. 1999. Холст, масло. Продано в 2018 году на Sotheby’s, Нью-Йорк, за $6,8 млн. Courtesy Sotheby’s

Одно из самых больших достижений рынка за последние 20 лет — это успех Сесили Браун. Она опередила Синди Шерман в рейтингах аукционного оборота за 2017 и 2018 годы, став важной фигурой на рынке современного искусства. В 2018 году ее работа «Внезапно прошлым летом» (1999) установила важный рекорд — $6,8 млн по сравнению с $1 млн, который был заплачен за ее работу в 2010 году. Музей Гуггенхайма, Уитни, Метрополитен, Национальная галерея и галерея Тейт могут поздравить себя с приобретением работ этой превосходной художницы до того, как ее цены достигли нынешнего порога.

Новое поколение

В новом поколении художников женщины представлены значительно шире. Среди них выделяется Тауба Ауэрбах (1981 г.р.), занявшая 120-е место в мировом аукционном рейтинге современных художников (2000–2019), хотя ее аукционный дебют состоялся лишь в 2010 году. За прошедшие годы у нее прошло около 100 выставок в США и Европе, и ее работы пользуются все большим спросом на аукционах. Ее «прорыв» состоялся в 2014 году, когда три акрила принесли ей новые аукционные рекорды, каждый был продан более чем за $1 млн: от $1,5 млн до $1,9 млн. В 1990-е годы такое могло случиться только с признанным художником не моложе 50 лет. Однако рост цен на работы Ауэрбах произошел слишком быстро, и с тех пор рынок ее работ несколько сократился из-за того, что ряд ее отличных произведений не нашел покупателей, поскольку первоначальная цена была слишком высокой.

Тауба Ауэрбах. Без названия (Сгиб). 2010. Холст, акрил. Продано в ноябре 2014 на Phillips за $2,28 млн. Courtesy Phillips

Black (also) matters (in art)

Музеи и частные коллекции в последние годы предлагают нам пересмотреть западные культурные коды, которые сформировали историю искусства и арт-рынок, придавая большее значение художникам из Африки и африканской диаспоры.

Импульс шел от галерей

За последние 10 лет влиятельные международные галереи интегрировали афроамериканских, афробританских и африканских художников, работы которых часто связаны с вопросами идентичности, расы, культуры и политики. Давид Цвирнер работает с Керри Джеймсом Маршаллом, Нжидекой Акуниили Кросби и Ноа Дэвисом. Hauser & Wirth поддерживает ряд художников из африканской диаспоры, включая Эми Шеральд, Лорну Симпсон и Марка Брэдфорда. Все это привело к росту цен на работы этих художников.

Когда художник начинает сотрудничество с мощной галерей, это посылает сильный сигнал спекулянтам. В настоящее время связь между подписанием контракта с крупной галереей и ростом цен происходит буквально мгновенно. Эми Шеральд заключила контракт с Hauser & Wirth Gallery в 2018 году, в том же году, когда Мишель Обама заказала ей официальный портрет. Цены на ее работы на вторичном рынке сразу выросли до шестизначных цифр. Подписав контракт с галереей Цвирнера в 2013 году, Керри Джеймс Маршалл преодолел порог в $1 млн в 2014 году со своим холстом «Виньетка» (2003), который в 2007 году был продан за $541 тыс. Маршалл родился на пять лет раньше Баскиа, но ему потребовалось гораздо больше времени, чтобы добиться признания и статуса иконы американской живописи. Сегодня, с тех пор как его работа «Прошлые времена» была продана в 2018 году за $21,1 млн, он является самым дорогим из ныне живущих чернокожих американских художников нашего времени.

Керри Джеймс Маршалл. Прошлые времена. 1997. Холст, акрил, коллаж. Продано в мае 2018 года на Sotheby’s, Нью-Йорк, за $21,1 млн. Courtesy Sotheby’s

Аукционные дома также стали занимать активную позицию. Последней на сегодняшний день стала виртуальная выставка Say It Loud, организованная Christie’s летом 2020 года. На выставке были представлены работы начинающих и молодых чернокожих художников, и она стала первым событием, организованным Christie’s Corporate Social Responsibility (CSR) в новом отделе, посвященном «инициативам по социокультурному и расовому многообразию и инклюзии». Christie’s выходит за границы деятельности аукционного оператора и использует свое лидерство на рынке в качестве «позитивной силы», предлагая серию выставок и образовательных программ с целью «усилить голоса чернокожих художников».

В поисках новизны

Галереи всегда находятся в поиске молодых талантов, новых и оригинальных работ, уникальности и рентабельности. Все что требуется — это привлечение одной из крупных галерей (или не столь крупных), чтобы художник немедленно вышел из анонимности и чтобы спрос раздулся, как воздушный шар. Цены на аукционном рынке могут взлететь буквально в мгновение ока, особенно если коллекционеры стоят в очереди в престижных галереях. В сверхбыстрых историях успеха нет недостатка, и за последние годы их число увеличилось: в качестве примера можно привести истории ирландской художницы Дженив Фиггис, француженки Жюли Кёртисс или американца Джонаса Вуда. Но в то время как одни художники добиваются чрезвычайно положительного развития карьеры, другие страдают от исключительно неустойчивого спроса.

Зомби и акулы

Как это бывает на всех волатильных рынках, некоторые сделали карьеру, используя позитивную динамику, и небольшому количеству умных бизнесменов удалось очень быстро ускорить рост цен на работы молодых художников до высокого уровня. Естественно, такие случаи трудно идентифицировать, поскольку они связаны с властью и структурами, нетрадиционными методами (если не незаконными) и нечетким числом бенефициаров, но достаточно сказать, что стремительно растущие цены на работы очень молодых художников часто указывают на перегрев рынка, искаженного спекуляциями. Стефан Симховиц, которого прозвали «акулой современного искусства», сейчас находится в черном списке нескольких галерей, которые отказываются продавать ему работы. Этот коллекционер-консультант-дилер, безусловно, сыграл активную роль в карьерах нескольких художников, но его методы не всем нравятся. Пресса называет его «хищником», «циником», «спекулянтом», обвиняя его в том, что он покупает по низкой цене и быстро перепродает, стремясь получить как можно бóльшую прибыль, рассматривая произведения искусства как товар. Сам Симховиц называет себя «покровителем искусств». А его клиенты видят в нем гения капиталистического авантюризма.

Зомби-формализм

Согласно некоторым источникам, Стефан Симховиц находился в центре спекулятивного пузыря 2012–2014 годов, известного как зомби-формализм и включавшего молодых абстрактных художников. Этот термин, введенный искусствоведом Уолтером Робинсоном, описывает картины, напоминающие американский абстрактный экспрессионизм, теоретиком которого был Клемент Гринберг. Элемент «зомби» относится к реинкарнации несколько забытой эстетики работ Поллока, Мориса Луиса и Фрэнка Стеллы, а «формализм» — к привлекательной элегантности упрощенного стиля живописи без каких-либо новых художественных замыслов. Этот стиль относится к таким художникам как Джейкоб Кассай, Алекс Исраэль, Оскар Мурильо и Сет Прайс, цены на работы которых взлетели до сотен тысяч долларов в 2014 году, но затем рынок их работ рухнул, и они вернулись к первоначальным цифрам в несколько десятков тысяч долларов.

Рыночные перекосы такого рода наносят ущерб надежности рынка: так называемые «новые» тенденции в абстрактном искусстве, накачиваемые инвесторами, пытающимися быстро заработать, не очень хороши для арт-рынка в целом. Тем художникам, которые еще не заручились поддержкой влиятельных галерей, трудно оправиться от такой нестабильности.

Амоако Боафо. Лимонный купальный костюм. 2019. Холст, масло. Продано в феврале 2020 года на Phillips за £675 тыс. при эстимейте £30–50 тыс. Courtesy Phillips

Новая мода на Африку

За год до краха «зомби-формализма» Симховиц обратился к тому, что должно было стать следующим большим трендом: молодым африканскими художниками. В 2015 году он купил три работы Чабалалы Селф (1990 г. р.) по $6 тыс. каждая. В 2019 году он перепродал их за сотни тысяч долларов. В 2020 году Симховиц повторил эту операцию с работой Амоако Боафо: он купил его картину «Лимонный купальный костюм» (2019) в галерее Джеффри Дейча за $25 тыс. и перепродал ее на Phillips за $881 тыс. При этом Дейч продавал эту работу Боафо, ошибочно полагая, что она пополнит важную коллекцию африканского искусства. Боафо выразил обеспокоенность тем, что его картина использовалась таким образом. Сам Симховиц подчеркивает «лицемерие» своих недоброжелателей и, кажется, наслаждается своим имиджем, имеющим несколько дьявольский оттенок. В некотором смысле этот влиятельный человек нового поколения, похоже, сменил Чарльза Саатчи, создавшего рынок для «Молодых британских художников» в 1990-х годах.

Hi-lite и уличная культура

В ноябре 2019 года Christie’s провел в Гонконге торги под названием Hi-lite. Успешная распродажа 16 лотов отразила одну из основных тенденций арт-рынка: неопоп-эстетику раскованного китча, возглавляемую художниками, чьи «несерьезные» (light — lite) работы доступны для понимания и получения удовольствия. В каталоге торгов были представлены работы художников, «чья эстетика неопопа и связь с коммерческим искусством, мультфильмами и стрит-артом сделали их культовыми во всем мире». Движение Hi-lite не имеет географических границ: это космополитическая тенденция, объединяющая японских художников Аю Такано, MR, Осаму Тэдзуку, европейцев Эрика Паркера и Николя Парти, китайца Лю Е, американца KAWS. Исключительно популярные у широкой аудитории художники Hi-lite и Street Culture прекрасно иллюстрируют глобализацию арт-рынка. Тремя самыми популярными художниками этого направления являются KAWS, Такаси Мураками и Ёситомо Нара. За последние 10 лет стоимость их работ значительно выросла, что обусловлено чрезвычайно высокой популярностью и глобальным спросом. Самый успешный их них — Нара: за 20 лет его работы собрали $327,7 млн, что дало ему 9-е место в мировом рейтинге, Мураками — на 15-м месте.

Ёситомо Нара. Нож за спиной. 2000. Продано в 2019 году на Sotheby’s, Гонконг за $24,9 млн. Courtesy Sotheby’s

В октябре 2019 года работа Нары установила новый рекорд на торгах Sotheby’s в Гонконге. Спустя 11 лет после того, как его работа перешагнула отметку в $1 млн, его картина «Нож за спиной» (2000) была продана почти за $25 млн. За 20 лет на аукционах продано более 2700 работ Нары, а индекс цен на его работы за тот же период вырос примерно на 1000%.

KAWSмания

С точки зрения скорости цены на работы американского уличного художника KAWS росли даже быстрее, чем на работы Нары. Новый любимец арт-рынка 11 лет работал с галереей Эмманюэля Перротена, которая впервые выставила его работы в 2008 году. В то время максимальная цена на работы художника составляла $8750 за «Компаньона» (любимого персонажа художника) размером около 120 см, выпущенного серией в 100 экз. Сегодня такая же работа стоила бы около $100 тыс. KAWS прославился благодаря сотрудничеству с Канье Уэстом, брендами Dior, Nike и Uniqlo. За несколько лет он стал феноменом в поп- и городской культуре. Свой аукционный рекорд KAWS установил 1 апреля 2019 года на торгах Sotheby’s в Гонконге. Работа The Kaws Album (2005) апроприирует как Симпсонов, так и Beatles, а ее окончательная цена $14,8 млн (в 15 раз дороже эстимейта) иллюстрирует безумие, окружающее этого сверхпопулярного художника. С общим оборотом в $165,7 млн с момента его аукционного дебюта KAWS входит в двадцатку самых успешных современных художников. Популярный от Азии до США KAWS олицетворяет доминирующую эстетику нео-поп на глобализированном арт-рынке.

KAWS. Из капсульной коллекции KAWS:HOLIDAY. 2018. Фото: Seunghoon Jeong/hypebeast.com

Разнообразный выбор

Современные художники обращаются к десяткам миллионов людей, предлагая им свои двумерные, трехмерные или даже виртуальные работы. Как это ни парадоксально, этот новый «коммерциализм» сыграл важную роль в том, чтобы сделать искусство более демократичным. Мураками, Нара, Херст, Кунс, Бэнкси, KAWS — самые продаваемые во всем мире. Каждый продал за последние 20 лет на аукционах до 6000 работ. Следуя примеру Кита Харинга, они создали серии работ и/или объектов, которые более доступны по цене, чем работы, обычно продаваемые в галереях. Раздвигая границы между искусством и массовой коммерцией, они привлекают все сегменты покупателей, от богатых коллекционеров до начинающих.

Более демократичное искусство

Некоторые корни этого явления можно проследить у Кита Харинга, который в 1986 году открыл двери своего магазина Pop Shop на Манхэттене. Этот художественный магазин был нацелен на то, чтобы привлечь тот же тип людей, что и его дикие проекты в метро: «Не только коллекционеров, но и детей Бронкса». Задача заключалась в создании альтернативного рынка, рассчитанного на наибольшее количество людей. Харинг остается одним из самых популярных, востребованных и продаваемых художников современности. С точки зрения аукционных сделок он занимает второе место в мире с количеством проданных лотов — 4806 за 20 лет (по общему аукционному обороту он 10-й — $304,4 млн).

Через 30 лет после открытия Pop Shop, в 2019 году Бэнкси открыл собственный магазин под названием Gross Domestic Product™. Но жизнь за 30 лет изменилась, и уличный художник торгует через интернет-магазин. Деньги от продаж используются для спасения мигрантов в Средиземном море. В рейтинге самых успешных за 20 лет Бэнкси занимает 38-е место с 2800 лотами, проданными за $100,4 млн с 2000 года.

Искусство+популярность+коммерция

Такаси Мураками всегда с энтузиазмом относился к объединению изящных искусств и «коммерции», как говорил его наставник Энди Уорхол. Зачем разделять то, что является частью целого? Особенно сегодня, когда искусство не имеет границ. Искусство Мураками проникло повсюду. Его производство не ограничивается скульптурами, картинами, гравюрами, объектами и тиражными сериями, которые можно найти на вторичном рынке. Он начал целую серию сотрудничеств: с люксовым брендом Louis Vuitton; с брендом уличной одежды Supreme; с певцом и бизнесменом Канье Уэстом и с калифорнийской певицей Билли Айлиш (65,7 миллиона подписчиков в Instagram), сохраняя при этом чрезвычайно целостную вселенную. Мураками буквально «производственная машина». Он художник и бизнес-менеджер, а также руководит большой командой помощников на своем предприятии Kaikai Kiki Co. Самый продаваемый художник на планете (5 512 лотов с 2000 года), он также является одним из самых доступных благодаря своим многочисленным работам.

Художественная/коммерческая динамика, созданная Джеффом Кунсом, не так уж далека от созданной Мураками. Часть его работ носит коммерческий характер, чтобы охватить как можно больше людей. Он приспособил механизмы и инфраструктуры промышленного производства для создания как пафосных шедевров, так и популярных «продуктов». Его «Щенки» и «Собаки-воздушные шары», выпущенные в сотнях экземпляров, продаются по цене от нескольких сотен долларов до десятков тысяч.

Собака-воздушный шар от Кунса, Компаньон от KAWS, Mr. Dob от Мураками… самые популярные художники Hi-Lite изобрели повторяющихся персонажей с мгновенно узнаваемой детской и сатирической эстетикой. Короче говоря, каждому из них удалось создать свой товарный знак.

Цифровая гибкость

В общей схеме цифровой коммерции арт-рынок отстает. Лишь остановка в связи с коронавирусным кризисом заставила его ускориться. Незадолго до весны 2020 года вся «нормальная» деятельность оказалась парализованной в результате беспрецедентного кризиса здравоохранения. Это не первый кризис арт-рынка, первый был связан с войной в Персидском заливе в 1990–1993 годах, когда цены на искусство пережили резкое падение, второй, связанный с субстандартным кредитованием, обрушился на арт-рынок осенью 2008 года после краха Lehman Brothers и привел к значительному падению цен и дефициту товарооборота для аукционистов.

Однако индустрия искусства никогда не сталкивалась с кризисом, сопоставимым с кризисом COVID-19. Музеи, ярмарки, галереи, арт-центры и аукционные дома обязаны соблюдать рекомендации правительства по сдерживанию распространения вируса, закрыв свои двери для публики после 11 марта 2020 года. Последствия были катастрофическими для многих галерей, оборот некоторых из которых резко упал (иногда более чем на 90%). На вторичном рынке чрезвычайная ситуация в области здравоохранения привела к отсрочке или даже полной отмене физических продаж.

Новые инициативы

Но кризис стал и моментом, когда профессионалы начали думать о том, как продолжить диалог со своей аудиторией. После отмены физического мероприятия Art Basel Гонконг запустила онлайн-замену своей ярмарки. Эта инициатива привлекла впечатляющее количество виртуальных посетителей: 250 тыс. по сравнению с менее чем 90 тыс. физических посетителей на Art Basel Гонконг в 2019 году.

Аукционные дома избежали наихудшего сценария — тотального схлопывания арт-рынка — и срочно обновили свои веб-сайты, чтобы увеличить онлайн-продажи, единственный канал, через который поддерживалась аукционная активность и контакты с коллекционерами. В начале кризиса Sotheby’s опередил конкурентов, поставив онлайн-продажи в центр своей стратегии развития. Его поглощение в 2019 году медиа- и телекоммуникационным магнатом Патриком Драи, похоже, способствовало этому развитию. После роста на 25% в 2019 году онлайн-продажи Sotheby’s сделали еще один шаг вперед в 2020-м. Уже в марте Sotheby’s продал в 10 раз больше работ, чем Christie’s. В апреле Sotheby’s собрал $6,4 млн, что стало рекордом для продаж через интернет. Более половины проданных лотов превысили эстимейт. Несмотря на период большой неопределенности, покупатели размещали заявки, намного превосходящие ожидания. К лету покупательские привычки уже изменились: от 30 до 35% участников онлайн-продаж Sotheby’s были «новыми участниками».

Джордж Кондо. Antipodal Reunion. 2005. Холст, масло. Продано в апреле 2020 года на онлайн-торгах Sotheby’s за £1,035. Courtesy Sotheby’s

Первая продажа на более чем миллион долларов был осуществлена благодаря картине Джорджа Кондо (Antipodal Reunion, 2005), которая принесла $1,3 млн, что в два раза превышало эстимейт. Это была самая высокая цена, когда-либо уплаченная за картину на онлайн-торгах, организованных американской компанией. Результат, похоже, вдохновил Sotheby’s на повышение качества предлагаемых работ, и в последующие недели уровень цен на торгах быстро вырос. 29 июня Sotheby’s достиг нового рубежа, продав — снова через интернет — триптих Фрэнсиса Бэкона по мотивам «Орестеи» за $84,5 млн. Продажа этого триптиха фактически открыла для арт-рынка новую эру престижных виртуальных продаж.

Christie’s и дополненная реальность

После двух месяцев разработки и тестирования, в мае 2020 года Christie’s активизировался, увеличив объем продаж через интернет вдвое. Впоследствии он удвоил усилия и изобретательность, чтобы перезапустить свой рынок элитных товаров в июле с помощью крупного международного «ивента» под названием ONE: A Global Sale of the 20th Century. Первая в своем роде — описанная как «беспрецедентное событие» в пресс-релизе аукционного дома — ONE объединила четыре престижных сессии в Гонконге, Париже, Лондоне и Нью-Йорке. По всему миру было продано не менее 80 исключительных лотов: 10 в Гонконге, 15 в Париже, 21 в Лондоне и 34 в Нью-Йорке, что принесло $420 млн. Новые звезды сегмента современной живописи, такие как Джонас Вуд и Николя Парти, продали свои работы за семизначные суммы.

ONE была экспериментом во многих отношениях: помимо распространенных цифровых носителей, она также использовала дополненную реальность (AR). QR-коды, связанные с работами, позволяли виртуально проецировать их в гостиные будущих участников торгов (созвучная времени «иммерсивная» операция, которую KAWS уже предвосхитил в марте с загружаемыми виртуальными Компаньонами для смартфонов). В 2020 году мир искусства наконец-то осознал идею дематериализации — и тем самым устранил одно из последних серьезных препятствий на пути развития — расстояние.

Эти новые инструменты могут помочь мотивировать покупателей. Для многих покупателей физический контакт с произведением искусства по-прежнему важен для принятия решений, но, несомненно, он будет гораздо менее важен для «цифровых аборигенов», прибывающих на рынок.

В заключение обзора Artprice предлагает список из 1000 самых успешных современных художников по аукционному обороту за период с 2000 по 2019 годы. Приводим первую десятку.

	Художник	Место рождения	Аукционный оборот	Лотов продано	Аукционный рекорд
1	Жан-Мишель Баскиа (1960–1988)	США	$2 175 601 772	1480	$110 487 500
2	Джефф Кунс (1955)	США	$938 580 226	1902	$91 075 000
3	Деймиан Херст (1965)	Британия	$695 561 587	4244	$19 213 271
4	Кристофер Вул (1955)	США	$623 835 363	565	$29 930 000
5	Цзэн Фаньчжи (1964)	Китай	$518 502 109	639	$23 276 760
6	Ричард Принс (1949)	Панама	$506 072 375	1110	$9 685 000
7	Питер Дойг (1959)	Британия	$490 529 397	695	$28 810 000
8	Чжан Сяоган (1958)	Китай	$357 471 050	744	$12 142 379
9	Ёситомо Нара	Япония	$327 724 900	2727	$24 949 674
10	Кит Харинг (1958–1990)	США	$304 437 285	4806	$6 537 500

 

В список также вошли российские художники:

319	Семен Файбисович (1949)	Россия	$7 628 318	47	$632 265
462	Леонид Пурыгин (1951-1995)	Россия	$4 636 319	126	$224 577
693	Константин Разумов (1974)	Россия	$2 563 941	501	$36 430
787	Григорий Гурьянов (1961–2013)	Россия	$2 202 764	30	$305 916
789	Гриша Брускин (1945)	Россия	$2 202 086	66	$424 000
895	Тимур Новиков (1958-2002)	Россия	$1 857 995	67	$142 503
997	Валерий Кошляков (1962)	Россия	$1 588 081	38	$171 917

Artprice. Полностью отчет можно прочитать здесь.

 

Афиша мероприятий по всей России

Мы ответили на самые популярные вопросы — проверьте, может быть, ответили и на ваш?

• Подписался на пуш-уведомления, но предложение появляется каждый день
• Хочу первым узнавать о новых материалах и проектах портала «Культура.РФ»
• Мы — учреждение культуры и хотим провести трансляцию на портале «Культура.РФ». Куда нам обратиться?
• Нашего музея (учреждения) нет на портале. Как его добавить?
• Как предложить событие в «Афишу» портала?
• Нашел ошибку в публикации на портале. Как рассказать редакции?

Подписался на пуш-уведомления, но предложение появляется каждый день

Мы используем на портале файлы cookie, чтобы помнить о ваших посещениях. Если файлы cookie удалены, предложение о подписке всплывает повторно. Откройте настройки браузера и убедитесь, что в пункте «Удаление файлов cookie» нет отметки «Удалять при каждом выходе из браузера».

Хочу первым узнавать о новых материалах и проектах портала «Культура.РФ»

Подпишитесь на нашу рассылку и каждую неделю получайте обзор самых интересных материалов, специальные проекты портала, культурную афишу на выходные, ответы на вопросы о культуре и искусстве и многое другое. Пуш-уведомления оперативно оповестят о новых публикациях на портале, чтобы вы могли прочитать их первыми.

Мы — учреждение культуры и хотим провести трансляцию на портале «Культура.РФ». Куда нам обратиться?

Если вы планируете провести прямую трансляцию экскурсии, лекции или мастер-класса, заполните заявку по нашим рекомендациям. Мы включим ваше мероприятие в афишу раздела «Культурный стриминг», оповестим подписчиков и аудиторию в социальных сетях. Для того чтобы организовать качественную трансляцию, ознакомьтесь с нашими методическими рекомендациями. Подробнее о проекте «Культурный стриминг» можно прочитать в специальном разделе.

Электронная почта проекта: [email protected]

Нашего музея (учреждения) нет на портале. Как его добавить?

Вы можете добавить учреждение на портал с помощью системы «Единое информационное пространство в сфере культуры»: all.culture.ru. Присоединяйтесь к ней и добавляйте ваши места и мероприятия в соответствии с рекомендациями по оформлению. После проверки модератором информация об учреждении появится на портале «Культура.РФ».

Как предложить событие в «Афишу» портала?

В разделе «Афиша» новые события автоматически выгружаются из системы «Единое информационное пространство в сфере культуры»: all.culture.ru. Присоединяйтесь к ней и добавляйте ваши мероприятия в соответствии с рекомендациями по оформлению. После подтверждения модераторами анонс события появится в разделе «Афиша» на портале «Культура.РФ».

Нашел ошибку в публикации на портале. Как рассказать редакции?

Если вы нашли ошибку в публикации, выделите ее и воспользуйтесь комбинацией клавиш Ctrl+Enter. Также сообщить о неточности можно с помощью формы обратной связи в нижней части каждой страницы. Мы разберемся в ситуации, все исправим и ответим вам письмом.

Если вопросы остались — напишите нам.

Русское современное искусство, ситуация сегодня и мнение экспертов. Русский музей современного искусства.

Уллие Сигг — создатель самой значительной коллекции современного китайского искусства. Он начал собирать его еще в конце прошлого века, будучи послом в Китае, Северной Корее и Монголии. Полторы тысячи произведений из этой коллекции он подарил «M+» — гонконгскому музею изобразительных искусств. Ныне он член совета директоров нескольких международных компаний, член консультативного совета Банка развития Китая, член Международного совета MoMA (Нью-Йорк) и Международного консультативного совета Tate Gallery (Лондон). А еще Уллие Сигг — патрон российской инновационной платформы Cube, созданной для расширения культурного диалога между российским и международным арт-сообществом.

— Что вы можете сказать о русском современном искусстве?

— Я бывал в России, но не считаю, что хорошо разбираюсь в русском искусстве. И думаю, что это может также указывать на определенную проблему современного искусства в России. Я интересуюсь искусством в целом. В частности, современным искусством и современным искусством быстроразвивающихся стран, таких как Россия. Но проблема в том, что мне очень трудно найти какую-то информацию о русском современном искусстве.

— Именно в России?

— Нет, поскольку я живу не в России. Я имею в виду, что в принципе трудно найти информацию о русском современном искусстве. И считаю это проблемой, потому что искренне интересуюсь российским современным искусством как искусством быстроразвивающейся страны. Рынок здесь до сих пор фрагментированный. Не только рынок искусства, но и вообще вся система управления искусством. И есть ощущение, что сейчас на рынке современного искусства в России недостаточно ресурсов. Когда я где-то путешествую, где-то оказываюсь, то всегда спрашиваю, где я могу посмотреть коллекцию, которая полностью отображала бы путь современного искусства в этой стране, будь то Китай или Россия. И когда я задавал этот вопрос в России, то ни разу не получил ответа на вопрос, где я мог бы увидеть полную коллекцию современного искусства. И, как я понял, здесь до сих пор нет институции или человека, который собрал бы такую коллекцию.

— Что должно произойти, чтобы русское современное искусство вышло на новый уровень? Это должны быть внешние факторы либо проблема в произведениях, которые создают художники?

— Думаю, это во многом зависит от того, какие ресурсы направляются на развитие искусства. И если у художников недостаточно ресурсов, то очень сложно развивать искусство, чтобы оно из текущей точки развития смогло достичь новой точки. Особенно когда мы говорим о возможности выхода российского искусства на международный уровень. Обычно мы оцениваем искусство относительно глобальных тенденций, которые видим во время аукционов или на крупных выставках. Такая глобальная среда искусства состоит из двух сотен основных художников, задающих тенденции, и их имена можно найти в каталогах аукционов или выставок, в том числе крупных международных. Это мейнстрим. И есть искусство, которое оценивается в несколько ином измерении. Это искусство, выставляемое на биеннале, его очень любят кураторы. Но оно не совсем подходит для соответствующих рынков. На выставках мы видим очень крупные инсталляции с применением новых технологий. Но они не являются на самом деле частью рынка искусства. И куда в этой ситуации стоит идти российским художникам? Должны они стараться стать частью этого глобального мейнстрима и пытаться войти в список лучших, наиболее известных художников на глобальном уровне? Или же им следует сосредоточиться на искусстве биеннале либо на кураторском искусстве, у которого нет настоящего рынка, но оно получает много внимания критиков, много комментариев?

Полная версия этого материала доступна только подписчикам

Читать материалы из печатного выпуска журнала в полном объеме могут только те, кто оформил платную подписку на ONLINE-версию журнала.

10 самых влиятельных художников • Интерьер+Дизайн

В потоке анонсов музейных выставок, сводках аукционных домов и сообщениях галерей проступают важные фигуры самых влиятельных художников современного искусства. Перед вами десять мэтров, слава которых достигла зенита.

По теме:  Гид для визуалов: 12 выставок в новогодние каникулы

1. Пьер Юиг

Французский художник Пьер Юиг (Pierre Huyghe, р. 1962, Париж) живет и работает в Париже и Нью-Йорке. Концептуалист, одна из ключевых фигур направления «Реляционная эстетика» современного искусства, любимец французских интеллектуалов. Широкое признание получил как автор многоканальных арт-видео и видеоинсталляций. В 90-х годах занимался post-production (повторное использование фильмов и изображений из журналов и газет). В 2017 прозвучал проектом, выставленным на арт-биеннале в Венеции — инсталляция «Невозделанное» и фильм «Сонм и облако», снятый в заброшенном парижском Музее народных традиций с участием музейных работников, а также фантастической инсталляцией After A Life Ahead, показанной в Мюнстере. Юиг раскопал пол в старого заброшенного катка и установил панели на крыше, которые открывались и закрывались в соответсвии с музыкальной партитурой. Сооружению этой инсталляции предшествовала многолетняя работа: эксперименты и подготовительные штудии. Кроме того Юиг в 2017 году стал обладателем премии Нашера, молодой, но уже престижной награды в области современной скульптуры.

 

2. Ай Вэйвэй

Ай Вэйвэй. 2016.

 

Law of the Journey. 2017. «Гензель и Гретель». Совместно с архитекторами Жаком Херцогом и Пьером де Мероном. Park Avenue Armory. Нью-Йорк.

 

Good Fences Make Good Neighbors. Нью-Йорк. 2017.

Китайский художник Ай Вэйвэй (р. 1957, Пекин) живет и работает в Берлине. Главная его тема — глобальные проблемы миграции и отношение к мигрантам. В 2017 Вэйвэй представил в Праге инсталляцию Law of the Journey: 70-метровая надувная лодка с 258 надувными фигурами, обличает политику стран, игнорирующих тяжелое положение беженцев, плывующих к безопасным берегам. Он также снял фильм «Человеческий поток», с которым дебютировал на Венецианском кинофестивале в сентябре. Документальный и очень эмоциональный раcсказ о перемещении миллионов людей по всему миру. Со своей камерой Ай Вэйвэй побывал в секторе Газа (Палестина), Турции, Бангладеше, Иордании, на американско-мексиканской границе. Фильм включен в шорт-лист документальных фильмов-номинантов Оскаровской премии. Ай Вэйвэй отправил 300 экспонатов в Нью-Йорк на выставку современного искусства «Хорошие заборы порождают хороших соседей». До февраля 2018 баннеры с изображением беженцев наклеены на автобусные остановки в Гарлеме, Бруклине и Бронксе. Важнейшей частью проекта стала огромная стальная клетка, построенная под аркой на площади Вашингтона.

По теме: Ай Вэйвэй и архитекторы Herzog & de Meuron: мания преследования

 

3. Вольфганг Тильманс

Немецкий фотограф (р. 1968 в Ремшайде, Германия). Живет и работает в Берлине и Лондоне. Лауреат престижнейшей Hasselblad Award. Многие помнят Вольфганга Тильманса как хроникера молодежной культуры 1990-х. Он оказался первым не британцем среди лауреатов престижной Turner Prize (2000). Все грани творчества Тильманса были отражены в масштабной персональной выставке мастера, организованной Фондом Бейелер (Fondation Beyeler). Работы, выполненные с 1986 по 2017 год, среди которых натюрморты и откровенные портреты, изображения, полученные при помощи Хerox, фотографии, снятые без камеры, и суперсовременные аудивизуальные инсталляции.

4. JR

В сентябре 2017 огромный младенец появился на границе между Мексикой и Калифорнией. Малыш Кикито — плод воображения 34-летнего французского стрит-артиста JR. Кикито с любопытством заглядывает через пограничное ограждение, установленное в мексиканском городке Текате. Он появился там благодаря поддержке местных жителей cразу после указа Трампа, запрещающего легализацию несовершеннолетних перебежчиков. JR (р. 1983, в Париже) живет и работает в Париже и Нью-Йорке. JR — инициалы Жана Рене, он родился в парижском пригороде и начинал с граффити на стенах и крышах. В 18 нашел в метро забытый туристом фотоаппарат, и это решило его судьбу. Его часто называют французским Бэнкси. Среди самых известных проектов — «Женщины-герои» (2008) и «Морщины города» (2012). В 2017 году JR снял фильм Faces/Places (Лица/Деревни), совместно с 89-летней режиссером Аньес Вардой (Agnès Varda). Фильм-путешествие по французским окраинам рассказывает о красоте окружающего мира, о случайных и неожиданных встречах, а еще — о дружбе, выросшей из сотрудничества двух совершенно разных людей: режиссера Аньес Варда и художника JR, который напомнил Аньес молодого Годара. В 2017 году фильм получил приз в Каннах, а Аньес Варда — почетный Оскар за заслуги в кинематографе.

По теме: Олимпийские игры в Рио и искусство JR

5. Барбара Крюгер

Американская художница Барбара Крюгер (Barbara Kruger, р. 1945 в Ньюарке, США) живет и работает в Нью-Йорке и Лос-Анджелесе. Крюгер уже вошла в историю современного искусства благодаря своим эффектным работам с типографикой и шрифтами, а также взрывному общественно-политическому темпераменту. В 2017 ретроспектива Барбары Крюгер прошла в Национальной галерее искусств в Вашингтоне. В берлинском пространстве галереи Sprüth Magers она представила инсталляцию Forever — комнату с черно-белыми надписями фраз из романов Верджинии Вульф. В Нью-Йорке на биеннале Performa 17 Крюгер покрыла красно-белыми надписями школьный автобус, каток и карточки для проезда в метро. Центральной частью проекта стала программная работа Unitled (Невежество — блаженство).

6. Яёи Кусама 

Яёи Кусама (р. 1929 в Матсумото, Япония) живет и работает в Токио. Карьера Кусамы развивается в течение 70 лет. Сегодня 88-летняя японская художница ностоящая поп-звезда. На ее выставки в Америке, Европе и Азии выстраиваются огромные очереди. Во многом успех ее искусства, эффектно объединяющего минимализм и поп-арт, обеспечили социальные сети: инсталляции Кусамы, заряженные нереальным драйвом, давно стали самым модным фоном для селфи. Кусама не только любима широкой публикой, но и коммерчески успешна. Одна из ее работ продалась на аукционе Christie’s примерно за 7 млн долларов. В 2017 Токио открылся ее музей. Пятиэтажный корпус возведен неподалеку от мастерской художницы и психиатрической лечебницы, в которой Кусама добровольно проживает с 1977 года. Кроме того, в 2017 году вышла книга для детей, посвященная работам Кусамы. А завершился год грандиозной выставкой художницы в Judd Fondation и двумя проектами в галерее David Zwirner — «Бесконечные зеркальные комнаты» и «Бесконечная сеть».

7. Дэмиен Херст

Британский художник Дэмиен Херст (р. 1965, Бристоль) живет и работает в Лондоне. «Несомненно, одна из худших выставок последнего десятилетия», — так написал арт-критик Эндрю Рассет о масштабном проекте Херста, показанном на арт-биеннале в 2017 году. «Сокровища затонувшего «Невероятного» — грандиозная инсталляция, которая заняла обе выставочные площадки коллекционера Франсуа Пино в Венеции: бронзовый Микки-маус, поросший кораллами, нефритовая голова Медузы Горгоны, египетские статуи, греческие доспехи, китайские колокола, боги и герои…  По словам самого Херста, стоимость выставки «Treasures from the Wreck of the Unbelievable» составила более 50 млн фунтов стерлингов. Таковой современное искусство: цены на отдельные предметы колеблются от нескольких сотен до миллионов. Скульптуры на выставке чередовались со стеклянными шкафами, которые иллюстрировали самую старую из идей Херста — экспонируя вещи в витрине, мы придаем сакральный смысл акту коллекционирования. «Это все о том, во что вы хотите верить», — высказался Херст в интервью New York Times. Последняя масштабная ретроспектива Херста состоялась в 2012 году в лондонской Тейт Модерн, после этого проекта, в котором Херст подробно высказался о смерти, его главным делом стало строительство собственной Newport Street Gallery (открыта в 2015). В 2016 году он вернулся к Ларри Гагосяну, галеристу, повлиявшему не только на его эстимейты.

По теме: Дэмиен Херст (Damien Hirst): невероятные сокровища в Венеции

8. Георг Базелиц

Георг Базелиц.

 

Bild für die Väter, 1965.

 

Head and Bottle (Kopf und Flasche). 1981-82. MoMA.

 

Георг Базелиц (Georg Baselitz, настоящее имя Ханс-Георг Керн) родился в 1938 году в Дойчбазелице, Германия. Живет и работает в Зальцбурге, Австрия. Художник, график и скульптор, по праву называемый одной из основных фигур немецкого неоэкспрессионизма. В 2018 году 80-летие художника будет отмечено грандиозной выставкой в швейцарском Fondation Beyeler. Базелиц предстанет во всей полноте своего творчества как живописец, скульптор и фантастический мастер печатной графики. Выставка, организованная в тесном сотрудничестве с художником, по жанру максимально приближена к ретроспективе, объединяющей многие из самых важных картин и скульптур, созданных Базелицем за последние шесть десятилетий. Мощные, крупноформатные полотна, демонстрирующие каждый этап карьеры художника, раскрывают огромный диапазон его творческого воображения. Критик абстракции Базелиц в течение всей жизни стремился развивать традиции предметной живописи и в каждое десятилетие каким-то удивительным образом оказывался среди самых продвинутых авангардистов.

 

9. Илья и Эмилия Кабаковы. 

Илья и Эмилия Кабаковы. «В будущее возьмут не всех». Фрагмент экспозиции в Тейт Модерн. 2017. «В будущее возьмут не всех». Фрагмент экспозиции в Тейт Модерн. 2017.

 

И. Кабаков. Автопортрет. 1962.

 

Илья Кабаков, (р. в 1933 в Днепропетровске). В последнее время работает в соавторстве со своей племянницей и женой Эмилией Кабаковой (урожд. Леках, р. 1945 в Днепропетровске). Кабаковы живут в Нью-Йорке (на Лонг-Айленде). В 60-е годы Кабаков стал сооснователем и лидером сформировавшегося к концу десятилетия художественного течения «московский концептуализм». В 1987 году он эмигрировал и с 1989 года стал жить в США, работая в соавторстве со своей женой Эмилией. В эти годы Кабаковы занимались новой формой изобразительного искусства — тотальной инсталляцией, отличающейся полным погружением зрителя в придуманное и выстроенное художником пространство. «В будущее возьмут не всех» — так называется большая выставка Ильи и Эмилии Кабаковых, которую показали в 2017 году кураторы лондонской Тейт Модерн. В экспозиции — произведения, которые находятся в собрании самой Тейт Модерн, а также из Государственной Третьяковской галереи и Государственного Эрмитажа. 

10. Бэнкси

Граффити Бэнкси. Фрагмент номера Walled Off Hotel . Граффити Бэнкси. Граффити Бэнкси.

 

Бэнкси является одним из самых известных граффити-артистов. Его работы начали появляться на улицах городов в начале 1990-х годов. Оцениваются они в миллионы долларов. По одной версии, его настоящее имя — Роберт или Робин Бэнкс. По другой — Роберт Дель Ная, британский музыкант (группа Massive Attck), певец и граффитист. Родился в 1974 году в Бристоле. Живет и работает в Лондоне. Самая загадочная фигура современного искусства и самых дорогой художник среди стрит-артистов. Весной 2017 открылся отель Бэнкси в Вифлееме, на границе Израиля и Палестины. В Walled Off Hotel («обнесенный стеной отель») — 10 комнат, окна которых выходят на бетонную стену. Стены некоторых из них оформлены граффити Бэнкси. 

Современное искусство как один из ресурсов формирования имиджа России за рубежом | Карцева

1. Кули Ч. Общественная организация. Изучение углубленного разума // Тексты по истории социологии XIX-XX вв. : хрестоматия / сост. и отв. ред. В.И. Добреньков, Л.П. Беленкова. Москва : Наука, 1994. 379 с.

2. Каган М.С., Эткинд А.М. Общение как ценность и как творчество // Вопросы психологии. 1988. № 4. С. 25-33.

3. Динамика популярности поискового запроса «The Pussy Riot» [Электронный ресурс] // Google Тренды. URL: https://www.google.ru/trends/explore#q=The%20Pussy%20Riot (дата обращения: 15.01.2016).

4. Долганова Е.А., Хангельдиева И.Г. Структурные компоненты художественных коммуникаций // Прикладная культурология: предпринимательство в культуре. Ежегодник-2012. Москва, 2012. С. 125-150.

5. Блэк С. Паблик рилейшнз: Что это такое? Москва : Новости, 1990. С. 13.

6. Бахтин М. Эстетика словесного творчества. Изд. 2-е. Москва : Искусство, 2006. С. 162.

7. Anholt S. Brand New Justice: The Upside of Global Branding. London ; Oxford : Battersworth-Heinemann, 2003. 184 p.

8. Nye J. Soft Power the Means to Success in World Politics. New York : PublicAffairs, 2005. 208 p.

9. Scotland’s 6 Dimensions of Reputation (Part 5) [Электронный ресурс] // The Anholt GFK-Roper’s Nation Brands Index: Summary Report for Scotland 2010. URL: http://www.gov.scot/Publications/2010/12/14124930/5 (дата обращения: 15.01.2016).

10. Нагорнов В.А. «Мягкая сила» по-французски [Электронный ресурс] // Вестник международных организаций. 2014. Т. 9, № 2. С. 167-189. URL: https://iorj.hse.ru/2014-9-2/125048873.html (дата обращения: 10.01.2016).

11. Посещаемость Венецианской биеннале [Электронный ресурс] // Официальный сайт Венецианской биеннале. URL: http://www.labiennale.org/en/art/history/recent.html?back=true (дата обращения: 20.11.2015).

12. Совещание послов и постоянных представителей России [Электронный ресурс] // Президент России. Официальный сайт. 09.07.2012. URL: http://www.kremlin.ru/news/15902 (дата обращения: 10.01.2016).

13. Международный имидж России. Почему он важен [Электронный ресурс] // РИАНОВОСТИ, Валдайский клуб: 10 лет. URL: http://ria.ru/valdaiclub_anniversary_comment/20130915/963257442.html (дата обращения: 10.01.2016).

14. Referendum Relief, Sporting Spectacles & Costly Conflict [Электронный ресурс] // Brand Finance Nation Brands, the Annual Report on Nation Brands. December 2014. P. 6. URL: http://brandfinance.com/images/upload/brand_finance_nation_brands_report_2014_ final_edition.pdf (дата обращения: 20.11.2016).

15. Современное искусство как важнейший фактор развития российской культуры : [стенограмма дискуссии], 5-6 июня 2015 / Волго-Вятский филиал Государственного центра современного искусства, Нижний Новгород [Электронный ресурс] // Государственный Центр Современного Искусства. URL: http://www.ncca.ru/news.text?filial=2&id=1264 (дата обращения: 10.01.2016).

16. Thomas W.I., Thomas D.S. The Child in America: Behavior Problems and Programs. New York : Knoph, 1928. 583 p.

17. Основы государственной культурной политики [Электронный ресурс]. URL: http://static.kremlin.ru/media/events/files/41d526a877638a8730eb.pdf (дата обращения: 19.01.2016).

18. Цыганков А.П. Всесильно, ибо верно? «Мягкая сила» и теория международных отношений [Электронный ресурс] // Россия в глобальной политике. 2013. № 6. URL: http://www.globalaffairs.ru/number/Vsesilno-ibo-verno-16251 (дата обращения: 20.01.2016).

Самые интересные современные художники России

Георгий Гурьянов | @ stsebastien7 / Instagram

Российская история художников-пионеров гарантирует, что практикующие, появившиеся из страны в последнее время, рискуют и создают интеллектуальные произведения искусства. Вот семь самых интересных современных художников в России, о которых вы должны знать, независимо от визуальных стилей и сред.

Выйдя из уличного искусства Екатеринбурга, Радя теперь называет Москву своим домом, но работает по всей России и Европе.Используя как формы, так и текст, Радя преобразует городские пространства с умным использованием пространства и визуального дизайна и прерывает городской пейзаж юмористическими, слегка причудливыми и часто политическими заявлениями. Радя использует общественные пространства и как холст, и как источник вдохновения — он ставит под сомнение общественное и личное пространство, а также то, что постоянно, а что эфемерно.

Когда Сталин пришел к власти, он постановил, что единственным одобренным государством стилем изобразительного искусства является соцреализм, стиль искусства, отстаивающий и отражающий коммунистические ценности.Художников, которые работали вне этого стиля, называли советскими неофициальными или нонконформистскими художниками, и они работали вне государственной системы. Васильев был среди художников, которые работали в этой сфере, и он работал иллюстратором детских книг до своей эмиграции в Америку в 1990 году. Он занимался исследованием границ изображения пространства и объектов, сохраняя при этом индивидуальный подход к своему искусству. Его главными темами были воспоминания, улицы, природа, друзья и семья. Он умер в 2013 году.

Активный в 80-х и 90-х годах, Новиков был защитником нонконформистского искусства, которое создавалось после смерти Сталина. В последние годы существования Советского Союза и в период перестройки он сформировал «Новые художники» — группу практиков, которые черпали вдохновение в стремлении русского авангарда к переменам и видели в искусстве средство самовыражения. В 1989 году он основал Новую академию изящных искусств, которая стала российским и международным центром современного искусства и работала с государственными организациями над выставкой андеграундного искусства.Он умер в 2002 году.

Родился на пике политических перемен в начале 20-го века и социальных потрясений Русской революции. Карьера Кабакова включала живопись, инсталляции, офорты и иллюстрации. Он также был художником-нонконформистом, работавшим вне советской системы. Из-за этого он часто попадал в сложные ситуации, и его работы, часто созданные с его женой Эмилией, содержат повторяющиеся темы бегства от реальности и фэнтези. Илья работал иллюстратором детских книг, пока не эмигрировал в Америку.С 1989 года Илья работает совместно со своей женой Эмилией, преимущественно в области инсталляции. Илья умер в 2018 году.

«Инцидент в коридоре у кухни» Ильи и Эмилии Кабаковых | © Loz Pycock / Flickr

Эмилия и ее муж Илья Кабаков являются одними из пионеров инсталляционного искусства, хотя их художественные практики проходили через разные среды. Эмилия изначально обучалась классической музыке и образованию, и ей удается вплетать элементы своего образования в свою работу.Позже она эмигрировала в Изреал, а затем в Нью-Йорк. Она начала работать с Ильей в 1989 году, и вместе они создавали иммерсивные инсталляции, посвященные мечтам, страхам и идее утопии.

Как встретить ангела, Утопические проекты Ильи и Эмилии Кабаковых | © Lorie Shaull / Flickr

Барабанщик русской рок-группы 80-х Кино, Гурьянов также был одаренным визуальным художником и жил жизнью, наполненной искусством и музыкой. После смерти товарища по группе Виктора Цоя и распада «Кино» Гурьянов не отставал от Тимура Новикова и The New Artists, но продолжал заниматься музыкой.Первоначально вдохновленный Уорхолом, Гурьянов фотографировал своих друзей и участников группы, а затем изменял их, подобно портретам Уорхола на основе фотографий. После распада Советского Союза Гурьянов обратился к соцреализму в противовес элементам постсоветской культуры. Он скончался в 2013 году в возрасте 52 лет.

Видеоарт Гайсумова, начинающего визуального художника и уроженца Чечни, обращается к политической и личной истории его родины. Они также говорят о молчании и глухих ушах в отношении этих историй на правительственном уровне.Он родился незадолго до первой чеченской войны в начале 90-х годов, он и его семья бежали из страны, находящейся в боевых условиях, во время конфликта. В то время как он опирается на личные истории и использует членов своей семьи в своей работе, глубоко личные истории говорят о большей правде о жертвах и потрясениях войны.

11 артефактов, которые помогут вам понять постсоветское русское искусство — The Calvert Journal

Сергей Курёхин был одним из главных персонажей новой ленинградской музыкальной и художественной сцены, которая сформировалась в позднесоветский период и привлекла международное внимание в период перестройки лет.Его интересовали возможности смешения и столкновения различных способов и форм культурной жизни. Это стало основополагающим принципом самого продолжительного проекта Курёхина — Оркестра «Популярная механика», созданного художником в начале 1980-х годов. В спектаклях «Популярной механики» участвовали джазовые и рок-музыканты, фольклорные ансамбли, артисты, артисты балета, шоу-люди и животные. Курёхин был руководителем, постановщиком и дирижером этих спектаклей.

Эти шоу обычно проводились в концертных залах или на фестивалях, за некоторыми исключениями. Праздник новогодней мечты Сергея Курёхина состоялся в канун Нового 1993 года в выставочном зале «Манеж» в городе, который тогда назывался Ленинградом. Помимо самого режиссера, в шоу приняли участие рок-звезды Вячеслав Бутусов из группы «Наутилус Помплилиус», Борис Гребенщиков из «Аквариума», певец и актер Михаил Боярышников, ансамбль бальных танцев, пост-рок-группы, цыплята и поросята. В роли Деда Мороза, волшебной фигуры, похожей на Деда Мороза, часто бывающей на таких вечеринках 31 декабря, выступил участник арт-группы некрореалистов Юрий «Цкиркуль» Красев, который прыгал на костылях.Между тем артист Кирилл Миллер надел костюм собаки, символизирующий наступающий год. Согласно приглашению из коллекции архива гаража, помимо ужина и встречи артистической элиты и знаменитостей, вечеринка будет включать в себя эротический бар, психоделические танцы, обмен валюты и азартные игры.

Разыгрывая популярный в России телевизионный формат звездного шоу в честь Нового года, Курёхин хотел привлечь аудиторию, мало интересующуюся современным искусством, чего обычно не было бы на концертах «Популярной механики»: «новую элиту». возникшая в начале 90-х годов Россия.В одном из интервью он описал свою концепцию. «Это была еще одна грандиозная идея — заставить этих« новых русских »думать, что авангард — их стиль. Кто оставит свою семью в канун Нового года, чтобы прийти и послушать этот чудовищный треск, скрежет и скрип? Но все равно Манеж был полон «новых русских людей».

Актуальное искусство России — Бруклинская железная дорога

Современную художественную сцену в России можно охарактеризовать как среду с множеством различных способов художественного выражения.Здесь многие учреждения специально ориентированы на исследования и организацию выставок современного искусства. Сюда входит Государственный центр современного искусства при Министерстве культуры России с некоторыми региональными филиалами в разных городах центральной и западной России, Урала и Сибири, а также несколько частных центров современного искусства, таких как Винзаводский винный завод, Artplay, и «Гараж» в Москве, а также «Про-Арте» и «Росфото» в Санкт-Петербурге.

В настоящее время в сфере современного искусства ежегодно вручаются две премии, которые финансируются частными фондами: премия Кандинского, учрежденная фондом «АртХроника», и премия за инновации, финансируемая Министерством культуры России и частными инвесторами.Кроме того, ежегодно проводится премия ArtNewsPaper Russia во многих сферах изобразительного искусства — как современного, так и современного, музейной деятельности и академической науки.

Все эти конкурсы на лучшую работу или проект, лучшие кураторские проекты, лучшую публикацию, лучшую работу молодого художника и лучшую региональную художественную инициативу выбираются при активном участии искусствоведов и искусствоведов в качестве экспертов и членов жюри. Наиболее распространенными тенденциями и направлениями в современном российском искусстве являются инсталляция, видеоарт, перформанс, фотография и другие постконцептуальные проекты, основанные на тексте и философии.Некоторые из них приобретаются для собраний государственных, республиканских и муниципальных музеев, другие — для частных галерей, а некоторые приобретаются индивидуальными коллекционерами. Но четкой государственной политики в отношении современного искусства нет. Тем не менее, коллекции современного искусства в Государственной Третьяковской галерее в Москве и в Государственном Русском музее в Санкт-Петербурге весьма солидны, и есть много хороших искусствоведов и искусствоведов. Но, даже если произведения современного искусства закупаются для государственных собраний, они в большинстве своем созданы так называемыми «нонконформистскими» художниками советского периода (конец 1950-х — 80-е годы), которых сейчас уважают и хвалят, даже если они покинули Советский Союз в течение этих десятилетий и теперь базируются в Нью-Йорке, Париже, Кельне или Лондоне.Только один — Московский музей современного искусства (ММСИ) — муниципальный.

С другой стороны, существует большая активная группа так называемых «традиционалистских» художников, художников, скульпторов и мастеров гравюры. Их работы выставляются и покупаются в основном частными коллекционерами, галереями, а также государственными, особенно региональными, музеями изящных искусств.

Значение художника в настоящее время меньше зависит от его или ее известности за пределами России, чем это было в 1990-х и начале 2000-х годов.В эти десятилетия участие русских художников в Венецианской биеннале или Documenta закрепило их высокое положение в рядах влиятельных художников на российской арт-сцене. В списке художников, успешно представленных на этих известных международных форумах, можно упомянуть Александра Бродского, Александра Пономарева, Андрея Монастырского, Вадима Захарова, Юрия Аввакумова, Константина Звездочетова, Александра Виноградова и Владимира Дубосарского, Андрея Бартенева, Георгия Острецова, Павла Пепперштейна, Сергея Шеховцов, группы ESCAPE, AES + F, «Коллективные действия» и другие.Что касается Documenta, то в 2007 году Россию представляли Андрей Монастырский, Анатолий Осмоловский, Кирилл Преображенский и Дмитрий Гутов, а в 2013 году — Александра Сухарева.

Также стоит упомянуть нескольких других известных артистов, таких как Олег Кулик, который был пионером выразительной и провокационной практики перформанса еще в 90-х годах; Леонид Тишков, изобретатель собственной мифологии с фантастическими существами и локациями, часто с световым коробом в форме луны; Александра Константинова, бывшего математика, чьи скульптуры из дерева, металлических полос или разноцветной клейкой ленты принимают форму зданий или деревьев; Алена Кирцова, художник-абстракционист, очень серьезно работающий с цветовыми тонами; Николас Наседкин, создающий масштабные абстрактные картины маслом на дереве и холсте; Ольга Тобрелутс из Санкт-Петербурга, чьи работы используют современные фотографические техники для отсылки к картинам эпохи Возрождения и неоклассицизма, в том числе.

Важно подчеркнуть, что с 2005 года проводится Московская международная биеннале современного искусства, которую курируют всемирно известные кураторы, такие как Жан-Юбер Мартен, Ганс-Ульрих Обрист и другие. Кроме того, с 2008 года проходит Международная биеннале молодого искусства под девизом «Держи! Кто идет? » который приглашает к участию молодых современных художников из разных стран. В 2014 году куратором биеннале стал известный куратор Дэвид Эллиотт.

Где найти лучшие музеи современного искусства в России

Какие музеи современного искусства самые лучшие в России?

• Музей современного искусства «Артмуза»: Музейно-культурный комплекс с 10 галереями с ежемесячной ротацией выставок. Он также является домом для многих студий художников, открытых для публики, мастерских, проводимых постоянными художниками, а также десятков творческих предприятий.
• Музей современного искусства Эрарта: Крупнейший в России музей современного искусства с временными и постоянными экспозициями, занимающими два крыла и шесть этажей.Исследуйте картины, скульптуры, аудио-выставки, анимацию и комплексные инсталляции.
• Коллекционная картинная галерея DiDi: Галерея, специализирующаяся на русском андеграунде и авангардном искусстве с 1950-х годов до наших дней, расположена в лабиринте комнат. Выставки меняются каждые пару месяцев, и можно приобрести большое количество работ.
• Музей современного искусства «Гараж»: Первая в России благотворительная организация, посвященная современному искусству, основанная Романом Абрамовичем.«Гараж» может похвастаться масштабной культурной программой, крупнейшей в России библиотекой книг по современному искусству и единственным публичным архивом современного искусства, а также образовательными и исследовательскими проектами.
• Центр фотографии имени братьев Люмьер: Расположенный в огромном здании бывшей кондитерской фабрики, центр выставляет советскую и российскую фотографию, начиная с 20-го века, предлагает обширную культурную программу и является местом встречи международного фотографического сообщества.
• Пермский музей современного искусства: Музей сыграл важную роль в развитии художественной сцены в самом восточном городе Европы, с тысячами экспонатов и множеством культурных проектов и семинаров.
• Художественная галерея Синара: Галерея в новом культурном комплексе в одном из старейших зданий Екатеринбурга. Синара демонстрирует художественное развитие Уральского региона России и воссоздает городской и культурный ландшафт четвертого по величине города России.
• Галерея Бронштейна: Крупнейшее выставочное пространство Сибири, расположенное в Иркутске. Галерея была основана сибирским филантропом, который хотел поддержать местных художников в неспокойные 1990-е.Галерея дает уникальное представление о современной сибирской культуре, а произведения доступны для покупки.

Что приходит на ум, когда вы думаете о российских учреждениях культуры? Эрмитаж, Русский музей и Большой балет; роскошные дворцы и церкви царской истории; революционные произведения искусства захватывают страну штурмом. Тем не менее, Россия является невероятно богатым источником уникального современного искусства, которое можно найти в музеях, документирующих художественное развитие страны с позднего советского периода.Эти музеи не только выставляют работы известных людей, но также поддерживают молодых художников и демонстрируют разнообразные культурные особенности регионов России, от Европы до Дальнего Востока. Итак, где вы можете найти лучшие музеи современного искусства страны?

Музей современного искусства Артмуза, Санкт-Петербург

Культурный комплекс и музей современного искусства Артмуза расположен на месте бывшей фабрики музыкальных инструментов. Комплекс может похвастаться десятью галереями с ежемесячной ротацией выставок, поэтому посетители могут открыть для себя огромное разнообразие художественных направлений от местных и зарубежных художников на четырех огромных этажах, заполненных произведениями искусства.Художественные студии часто открываются для публики, и создается впечатление, что вы находитесь за кулисами галереи. Комплекс нацелен на вовлечение общественности в культурную жизнь, так как местные художники часто предлагают мастерские по многим художественным и творческим дисциплинам. Существует также обширная программа мероприятий как в музее, так и на его большой террасе на крыше, а те, кто ищет уникальные сувениры, могут посетить десятки небольших творческих предприятий, расположенных на территории. Читайте дальше, чтобы узнать о других нетуристических местах в Санкт-Петербурге.Петербург.

Адрес: 13-я линия 70-72, Санкт-Петербург, Васильевский остров
Ближайшее метро: Василеостровская

Музей современного искусства Эрарта, Санкт-Петербург

Эрарта — крупнейший в России музей современного искусства, в котором хранится около 3000 работ со всей России. Коллекция постоянно пополняется и включает в себя работы всех художественных направлений и стилей, обеспечивая разнообразный опыт каждому, кто его посещает.Вы откроете для себя не только искусство на стенах, но и аудио-выставки, анимацию, литературу и инсталляции, расположенные на двух крыльях и 6 этажах как во временных, так и в постоянных галереях. Одним из особенно увлекательных разделов является U-Space, полная инсталляция, направленная на то, чтобы вызвать определенные эмоции. Стремясь популяризировать современное искусство и сделать его доступным для всех, Эрарта организует множество общественных программ, позволяющих каждому в любом возрасте раскрыть свою творческую сторону. Оригинальные произведения искусства и гравюры также можно приобрести в магазине музея.

Адрес: г. Санкт-Петербург, Васильевский остров, 29-я линия, д. 2,
Ближайшее метро: Василеостровская

Коллекционная картинная галерея ДиДи, Санкт-Петербург

DiDi — уникальная галерея, специализирующаяся на неофициальном и авангардном русском искусстве со второй половины ХХ века до наших дней. Коллекция включает в себя известные работы известных людей, а также работы начинающих художников, а выставки чередуются каждые пару месяцев.ДиДи расположен в одном из традиционных петербургских домов, и хотя снаружи он выглядит скромно, произведения искусства заполняют лабиринт комнат, коридоров и лестниц, от небольших залов с антикварной мебелью до больших выставочных залов. В галерее также есть большая онлайн-коллекция, где можно купить произведения искусства.

Адрес: Большой проспект 62, Васильевский остров, Санкт-Петербург
Ближайшее метро: Василеостровская

Музей современного искусства «Гараж», Москва

«Гараж» — первое в России благотворительное учреждение, посвященное современному искусству, основанное в 2008 году Романом Абрамовичем и Дашей Жуковой.Расположенный в Парке Горького, музей демонстрирует художественные движения из России и всего мира. Посетители могут посетить 10 инновационных выставок в год известных и перспективных художников; «Гараж» предоставляет финансирование и предоставляет студийное пространство начинающим художникам. Выставки всегда сопровождаются программой семинаров, презентаций и семейных мероприятий, открывая современное искусство всем возрастным группам. В «Гараже» находится единственный в России публичный архив российского современного искусства с 1950-х годов до наших дней, а также крупнейшая в России библиотека книг по современному искусству, объединяющая художественное наследие с развитием современной культурной жизни.Помимо выставок, «Гараж» организует обширные образовательные и исследовательские проекты, концерты, фестивали и кинопоказы, а в книжном магазине музея посетители могут просматривать международные публикации об искусстве, культуре, дизайне и многом другом.

Адрес: Музей современного искусства «Гараж», Москва, Центральный переулок, парк Горького,
Ближайшее метро: Парк Культуры

Центр фотографии имени братьев Люмьер, Москва

Центр братьев Люмьер назван в честь братьев-французов, пионеров в области фотографии и кинопроизводства.Расположенный в здании бывшей кондитерской фабрики «Красный Октябрь» в центре Москвы, 3 огромных выставочных зала центра демонстрируют советскую и российскую фотографию, начиная с 20-го века, а также зарубежные работы. Одна из основных целей — объединить опыт со всего мира и предоставить площадку для встреч международного фотографического сообщества. Помимо выставок, посетители могут найти образовательные программы, проводимые кураторами и фотографами, а также мастер-классы по искусству и фотографии для взрослых и детей.Любой желающий может посетить библиотеку центра, одну из лучших фотобиблиотек в России, или приобрести новейшую литературу по фотографии в книжном магазине. Насыщенная программа культурных мероприятий, включая выступления искусствоведов, театральные постановки, концерты и даже экскурсии по Москве.

Адрес: Болотная набережная, 3, Москва
Ближайшее метро: Полянка

Пермский музей современного искусства, Пермь

Пермский музей современного искусства был основан в 2009 году и сыграл важную роль в развитии современного искусства, привлекая и вдохновляя творчество в самом восточном городе Европы.Экспозиции музея демонстрировались не только в России, но и в других странах Европы и Азии, а коллекция насчитывает тысячи работ во многих различных медиаформатах. Это социально ориентированный музей с множеством общинных, семейных и образовательных программ, художественными классами для всех возрастов и семинарами между художниками, критиками и публикой.

Адрес: Бульвар Гагарина, 24, Пермь

Художественная галерея Синара, Екатеринбург

Галерея «Синара», бывшая Екатеринбургская галерея современного искусства, расположена в центре «Синара».Это новый культурный комплекс в одном из старейших зданий Екатеринбурга, бывшем металлургическом комбинате, объединяющий наследие с современной культурной жизнью и воссоздающий городской ландшафт четвертого по величине города России. Галерея «Синара» специализируется на искусстве Уральского региона России, границы между Европой и Азией, демонстрируя развитие художественных талантов в этом регионе с течением времени. Коллекция галереи сформирована из частных и музейных коллекций, и к ней постоянно добавляются экспериментальные произведения искусства.

Адрес: Центр Синара, Верх-Исетский бульвар 15/4, Екатеринбург

Галерея В. Бронштейна, Иркутск

Самая большая выставочная площадка в Сибири, Галерея Бронштейна демонстрирует произведения современного искусства из Сибири, России и всего мира. Он был основан в 1998 году Виктором Бронштейном, предпринимателем и филантропом из Иркутска, который хотел помочь местным артистам в этот сложный экономический период в России.Его коллекция охватывает 70 лет художественного развития Иркутска, составляет основу галереи и дает уникальное представление о культуре Сибири. В настоящее время посетители могут исследовать произведения искусства многих СМИ, от картин до скульптур, ювелирных украшений и многого другого, а некоторые части коллекции доступны для покупки. В галерее также проходят вечера кино и театральные представления в современных и просторных залах, а также мастер-классы для взрослых и детей.

Адрес: улица Октября Революции, 3, Иркутск

Новый российский закон признает современное искусство наконец

Россия теперь по закону признает современное искусство искусством.Раньше ценные произведения искусства, созданные менее 50 лет назад, официально считались «предметами роскоши» и облагались импортными пошлинами в размере 30%. Ситуация изменилась 29 января с принятием нового закона, который является частью радикального пересмотра правил импорта-экспорта российского искусства, направленного на открытие российской арт-сцены для мира.

Российские сверхбогатые, интересующиеся искусством и имеющие доступ к президенту Владимиру Путину, сыграли важную роль в этом изменении политики, которое последовало за предыдущей неудачной попыткой и ожесточенными дебатами в парламенте, где коммунистические политики утверждали, что это принесет пользу только богатые.

Тереза ​​Яроччи Мавика, итальянский директор VAC, фонда современного искусства газового миллиардера Леонида Михельсона, доверяет комментариям, сделанным Михельсоном на форуме 2016 года по регулированию рынка искусства, проходившем в Государственном Эрмитаже в Санкт-Петербурге. для того, чтобы государственные служащие по культуре увидели острую необходимость в новом законе. Михельсон превращает ГЭС-2, бывшую электростанцию ​​недалеко от Кремля, в музей современного искусства площадью 20 000 кв. М, стоимостью около 300 миллионов долларов.Мавика говорит, что она сказала ему, что по предыдущему закону они не могли открыть музей, и что это была важная причина, по которой в России нет коллекционеров и аукционов. «Это то, что изменит способ нашей работы», — говорит она.

Предыдущее, запретительное законодательство было создано в хаотические 1990-е годы, после распада Советского Союза, для предотвращения массового вывоза культурных ценностей. Но это также сделало практически невозможным импорт искусства, взимая огромные пошлины на важные произведения искусства и не предлагая частным коллекционерам никаких гарантий реэкспорта.Таким образом, русские обычно собирают свои частные коллекции в Европе.

Тем не менее, в последние годы в Москве наблюдается бум частных художественных музеев. Многие из их основателей-миллиардеров, которые в западных списках, связанных с санкциями, были названы закадычными друзьями Кремля, финансировали проекты, которые поддерживают молодых российских художников, а также демонстрируют современное искусство с Запада и искусство, которое подавлялось в советские времена. Им пришлось искать способы обойти предыдущий закон, например, ввозить работы для демонстрации через государственные учреждения, такие как Росизо, выставочное подразделение министерства культуры или государственные музеи.

«Теперь мы сможем сами импортировать искусство», — говорит Антон Белов, директор Музея современного искусства «Гараж», музея Даши Жуковой в Парке Горького в Москве. «Нам будет намного проще; это будет дешевле, и все бумаги будут на наше имя. Я очень надеюсь, что с этого момента он начнет работать нормально, как и везде в мире ». Он считает, что новый закон принесет пользу и современному российскому искусству, которое сможет интегрироваться в международную арт-сцену.

Юлия Петрова, директор Музея русского импрессионизма в Москве, основанного миллиардером Борисом Минцем, говорит, что закон признает то, что уже имеет место на практике, а именно, что государственные и частные музеи «ведут одинаковую деятельность». . Раньше, по ее словам, невозможно было самостоятельно организовать выставку русского искусства из коллекции Минца за рубежом или привезти в Россию работы из зарубежных музеев и частных собраний.

Маргарита Пушкина, основательница Cosmoscow, главной и единственной в России ярмарки современного искусства, которая растет с каждым годом, также не уверена в преимуществах нового закона для своей ярмарки.Однако она уверена, что это укрепит сцену современного искусства в целом, потому что растущее число богатых коллекционеров, обращающихся к современному искусству, стимулирует сектор в целом. Она говорит: «Когда есть пример таких коллекционеров, как Михельсон и Жукова, которые хорошо известны своими глубокими карманами, это показывает, что современное искусство достойно внимания». Новый закон, по ее словам, означает, что «коллекции музейного уровня теперь могут храниться в России. Это важная либерализация; Коллекционеры теперь могут выставлять свои работы в государственных музеях.»

Советская Россия в современном искусстве — Беседа в Тейт Модерн

Послушайте рассказ трех современных российских художников, которые возвращаются к наследию Советского Союза

русских художников советской эпохи откликнулись на политические, социальные и экономические структуры, которые они пережили при государственной власти. Художественный язык и собственная идентичность развивались, чтобы соперничать с «официальными» ценностями правительства.Эта работа часто была концептуальной и политической, но также касалась повседневной реальности советской жизни.

Современные художники сегодня продолжают опираться на наследие Советского Союза, пересматривая его время, место и воспоминания. На этом мероприятии художники Саша Пирогова, Михаил Толмачев и Арсений Жиляев обсуждают, как их перформанс, фотография и инсталляция отреагировали на советский период. Дискуссию ведет Наталья Сидлина, куратор выставки Red Star Over Russia и куратор дополнительных исследований, Русское искусство при поддержке фонда V-A-C в Тейт.

Узнайте больше, посетив семинар.

Изучите политический контекст работы и практики художников, представленных в Советской России в современном искусстве, посетив с ними послеобеденный семинар:

Сделайте из этого день

Для всего лишь За 20 фунтов стерлингов вы можете посетить утреннюю беседу, принять участие в дневном семинаре и получить доступ в тот же день к Red Star Over Russia . Забронируйте сейчас по телефону 020 7887 8888 (9.45–18.00 ежедневно) или лично в галерее.

Биографии

Саша Пирогова — художник из Москвы. Она работает с движением и его возможностями, исследуя территорию между театральной игрой и ритуалом, между перформативностью и танцем; преобразование рациональных движений в метафоры. Обладатель Премии за инновации в категории «Новое поколение» (Москва, 2014 г.) и гранта Музея современного искусства «Гараж» (Москва, 2016 г.) для начинающих художников.В 2017 году она выиграла программу приобретения фонда V-A-C и Антверпенского музея современного искусства. Среди последних выставок Саши — Балаган !!! (часть фестиваля NORDWIND) в Берлине (MOMENTUM, 2015), Cabaret Kultura в Лондоне (Whitechapel Gallery, 2016) и Future Generation Art Prize в Киеве и Венеции (Pinchuk Art Center / Palazzo Contarini Polignac, 2017). Последняя ее работа была создана для Павильона России на 57-й Венецианской биеннале (2017).

Михаил Толмачев — художник изобразительного искусства, родился в Москве и в настоящее время живет в Лейпциге.Его работа затрагивает вопросы памяти, институционального отображения и медиаархеологии. В своих недавних проектах он исследует документальные практики в связи с политическими образами. Учился в Школе документальной фотографии «Известия» (Москва), ICA Moscow и в Академии визуальных искусств в Лейпциге. Среди недавних выставок — Space Force Construction, V-A-C Foundation, Palazzo Zattere, Венеция, 2017, Киевская школа, Киевская биеннале 2015, Sources Go Dark, Futura Center for Contemporary Art, Прага 2015 и Beyond Visual Range, Музей вооруженных сил, Москва 2014.

Арсений Жиляев — художник из Москвы и Воронежа. Его работа исследует наследие советской музеологии и музейного дела в русском космизме посредством использования выставочного дизайна в качестве средства массовой информации. Жиляев публикует статьи в журнале e-flux и других. Он является редактором антологии Avant-Garde Museology (2015). Работы Жиляева экспонировались на биеннале в Кванджу, Ливерпуле, Лионе и на Триеннале в Любляне, а также на выставках в Центре Помпиду, Пале де Токио, Париже, де Аппель, Амстердам, Kadist Art Foundation, Париже и Сан-Франциско, VAC Foundation. , Москва и Венеция и другие.

Мероприятие любезно поддержала Диляра Аллахвердова.

Это мероприятие было предоставлено галереей Тейт от имени Tate Enterprises LTD.

Россия и постсоветский мир — Открытие современного искусства

Настройка сцены

Чтобы понять искусство России и постсоветского мира, его нужно прежде всего осмыслить с исторической и политической точки зрения.С их глубокой и сложной историей легко запутаться. В 1945 году Вторая мировая война подошла к концу, оставив Иосифу Сталину и Советскому Союзу контроль над большей частью Восточной Европы, что спровоцировало начало холодной войны. Хотя Америка и Советский Союз вместе боролись против держав оси во время Второй мировой войны, отношения между двумя странами были на грани разрыва. Американцы, опасаясь коммунизма, не считали Россию членом международного сообщества, в то время как позднее участие России во Второй мировой войне привело к гибели миллионов россиян.Эта напряженность переросла в недоверие, которое еще больше подогревалось Послевоенный советский экспансионизм , когда Россия продолжала защищать и расширять свое влияние в Восточной Европе. В 1946 году американская стратегия борьбы с этим завоеванием была Сдерживание , которая представляет собой долгосрочное сдерживание или предотвращение экспансивных планов России.

Художники, работавшие в России в то время, должны были следовать советским социалистическим идеалам, чтобы зарабатывать на жизнь. Художники, которые не соглашаются, будут отрезаны от любых крупных художественных институтов, а в некоторых случаях столкнутся с политической изменой.Стефина Хатчингс пишет о русских постмодернистах: «Хотя неофициальные художники, особенно живущие в Москве, начали продавать свои работы иностранцам в начале 1960-х годов, лишь немногие могли зарабатывать на жизнь своим искусством». От художников требовалось создавать искусство, которое служило политической повестке дня правительства. Соцреализм был формой, служившей этой цели, и был одобрен Советским Союзом. Социальный реализм — это теория искусства, литературы и музыки, официально одобренная правительством, в основном распространенная в коммунистических странах.Этот вид искусства изображал натуралистические сцены чрезмерно идеализированной России, часто изображая Сталина стоящим с детьми или обычных людей, работающих на земле. При Сталине искусству было разрешено только способствовать дальнейшему продвижению идеалов коммунистического общества, а соцреализм был средством передачи этих посланий, поскольку оставлял меньше места для интерпретации.

Неофициальное русское искусство (середина 1950-х — середина 1980-х)

Неофициальная арт-сцена России 1950-1960-х годов была полна разнообразия и индивидуальности, что прямо противоречило конформизму коммунистического режима.Из-за страха перед ответными действиями и нехватки ресурсов эти неофициальные художники были отрезаны не только от учреждения, но и друг от друга. Эта изоляция заставила художников принять совершенно разные направления в своих художественных практиках, включая кубизм, экспрессионизм, сюрреализм, абстрактный экспрессионизм и поп-арт. Из множества направлений, выбранных русскими художниками, на сцене неофициального искусства доминировали два движения: Соц-арт или Социалистический поп-арт использовали мотивы массовой культуры, чтобы выступить против тоталитарного режима. Московский концептуализм был движением в русском искусстве, которое создавало саркастическое, нонконформистское искусство, оно использовало множество средств, включая перформанс, инсталляцию и многое другое. По мнению Бориса Гройса, эта множественность стилей отражала разнообразие стилей, подавляемых официальным искусством России — соцреализмом. Далее Гройс объясняет в своем эссе The Other Gaze , что роль неофициального художника в обществе заключалась в том, чтобы «показать свою индивидуальную правду среди официальной публичной лжи.«Большинство из этих художников считали своим долгом разоблачить личную несправедливость, которую Советская Россия нанесла им. Быть индивидуальным — значит порвать с угнетением соцреализма, но жителям Запада было трудно признать их новаторство. Поскольку они опоздали с большинством западных техник и движений, международному художественному сообществу было трудно признать этих неофициальных художников уникальными или индивидуальными.

Современное русское искусство

В последние годы Россия стала более открытой для международного взаимодействия и влияния.Падение Сталина в 1953 году и Советского Союза в 1991 году стали важными вехами, которые привели к более свободному и приемлемому обществу. Сейчас Россия признает современное искусство как форму высокого искусства, что было необходимым шагом на пути к процветанию музеев и галерей в России. Этот новый образ мышления также открывает возможности для импорта и экспорта произведений искусства, снимая ранее существовавшие ограничения на продажу произведений искусства. Хотя русские художники обладают большей творческой свободой, русских олигархов , российская элита, контролирует современное искусство в России.Российские магнаты инвестируют в искусство и культуру по многим причинам и недавно открыли в Москве частные галереи для демонстрации своих коллекций. Эти частные галереи пользуются большей свободой, чем государственные музеи и галереи в России, демонстрируя искусство, которое бросает вызов текущей политике.

Список литературы

Алеш Ерявец, Борис Гровс. 2003. Постмодернизм и постсоциалистические условия: политизированное искусство в эпоху позднего социализма. Беркли: Калифорнийский университет Press.

Алла Розенфельд, Norton T Dodge. 1995. Нонконформистское искусство: советский опыт, 1956-1986. Коллекция Нортона и Нэнси Додж, Художественный музей Джейн Вурхиз Циммерли, Рутгерс, Государственный университет Нью-Джерси: Художественный музей Джейн Вурхиз Зиммерли. Нью-Йорк: Темза и Гудзон совместно с Художественным музеем Джейн Вурхиз Зиммерли.

Анциперова, Марина. Апрель 2018. «Искусство и олигархи: как сверхбогатые России зарабатывают и тратят свои миллионы». Журнал Калверта. https://www.calvertjournal.com/articles/show/9780/art-oligarchs-russias-rich-galleries.

Редакторы History.com. 2009. История холодной войны. 27 октября. По состоянию на 10 апреля 2019 г. https://www.history.com/topics/cold-war/cold-war-history.

Хатчингс, Стивен С., октябрь 1996 г. «Рецензируемая работа:« После будущего: парадоксы постмодернизма и современной русской культуры »Михаила Эпштейна, Анесы Миллер-Погакар». The Russian Review 710-712.

Кишковский, София.2018. «Новый российский закон наконец-то признает современное искусство». The Art Newspaper , 9 марта.

Петерсон, Рональд Э. 1993. История русского символизма. Амстердам / Филадельфия: Паб Джон Бенджаминс.

Коллективные действия

В более поздний период неофициальной арт-сцены московского концептуализма Никита Алексеев, Георгий Кизевальтер, Андрей Монастырский и Николай Панитков в 1976 году сформировали Группу коллективных действий, члены которой объединялись на протяжении десятилетий.Когда концептуальная группа впервые формировала свои инсталляции и перформансы, или «действия», обычно происходили на окраинах Москвы, с упором на совместное взаимодействие, но при этом задавались вопросы индивидуальности. Было несколько причин для проведения этих творческих встреч за пределами города, в первую очередь эти поездки были способом уйти от суеты шумного города, на свободные поля и леса. Хотя членов CAG интересовало не столько физическое местоположение, сколько «исследование и трансформация собственного восприятия».”

Монастырский, поэт и лингвист, был одним из наиболее влиятельных членов коллектива, написавшего теоретические тексты и руководящие принципы для группы. В своих произведениях он описал функцию коллектива; «Единственным положительным определением было бы динамическое определение: действие события возникает благодаря совместным усилиям авторов и зрителей, стремящихся сместить предмет восприятия из демонстрационной зоны (« искусства ») через пограничную зону (« полоса » ) неразличимого — в зону рассеянного бытового восприятия («жизни»).Монастырский имел в виду, как эта концептуальная группа действует на грани искусства и повседневной жизни, и спрашивал, где эта линия начинается и заканчивается? Смысл этого был не в создании арт-объекта, а в постановке действия, стирающего границы искусства и жизни. Хотя художники расписывались в порядке наибольшего участия, различия между художником и зрителем стираются.

Выступления

CAG состоят из нескольких этапов, что позволяет артистам подробно документировать каждую часть опыта.Они использовали акты засвидетельствования, документирования и архивирования в качестве физического материала или записи самого действия. Первые два этапа состоят из ожидания перед поездкой из Москвы к месту действия и фактического ожидания начала действия. Далее идет само действие, которое призвано отвлечь наблюдателей от пустого действия . Пустое действие — это часть действия, в которой участники неверно истолковывают или не понимают, что происходит. Это также может относиться к окончанию неопределенного действия.Пустое действие является главным событием этих представлений и было развито на основе дзен-буддизма. Затем все мероприятие было сформировано из фактографических документов, термин CAG для записей и документации действия, который включает интерпретации участников и зрителей. Эти записи о действиях сгруппированы в тома под названием « поездок за город, », которые состоят из тринадцати томов подробных отчетов о действиях от концепции групп до сегодняшнего дня.

Их первая «акция» под названием Appearance состоялась 13 марта 1976 года на Измайловском поле недалеко от центра Москвы, что ознаменовало создание CAG, одного из старейших арт-коллективов на сегодняшний день.Это мероприятие было организовано только по приглашению, на которое артисты пригласили тридцать человек. Все участники собрались на одной стороне поля, здесь начинается ожидание, через пять минут или около того два члена CAG выходят на противоположный край поля от леса. Они пересекают заснеженное поле и подходят к группе зрителей, выдавая документы, подтверждающие присутствие всех на стадионе Appearance . Пересечение поля было само по себе действием, казалось бы, достаточно простым, символическим выходом из леса, знаменующим начало влиятельного периода неофициального искусства с САПР как пионером русского концептуализма.

Монастырский А. «ВНЕШНИЙ ВИД». КОЛЛЕКТИВНЫЕ ДЕЙСТВИЯ. По состоянию на 30 апреля 2019 г. http://conceptualism.letov.ru/KD-ACTIONS-1.htm.

…

Список литературы

Гуленкин Сергей. 2016. «Полевые исследования: за творческим коллективом советской эпохи, который продолжает игнорировать нормы». Журнал Калверта 3.

Монастырский Андрей. нет данных Московский концептуализм: русский концептуализм: коллективные действия. По состоянию на 20 апреля 2019 г. http: // conceptualism.letov.ru/CONCEPTUALISM.htm.

Валлах, Рут. 2014. «Переход в постсоветском искусстве: группа коллективных действий до и после 1989 года». Славянский и восточноевропейский журнал 58 734-35.

Ирина Нахова

В последние годы Россия стала более открытой для международного взаимодействия и влияния. Падение Сталина в 1953 году и Советского Союза в 1991 году предоставили российскому художественному сообществу больше свободы и создали более приемлемое общество. Сейчас Россия признает современное искусство как форму высокого искусства, что было необходимым шагом на пути к процветанию музеев и галерей в России.Этот новый образ мышления также открывает возможности для импорта и экспорта произведений искусства, снимая ранее существовавшие ограничения на продажу произведений искусства.

Ирина Нахова, 1955 года рождения, живет в Москве и использовала искусство как способ избавиться от разочарования по поводу советского режима. В 1984 году она была одним из основателей Московского концептуализма, работая как неофициальный художник с ограниченными материалами. Нахова начала с того, что покрыла комнату черным, создав среду, в которую она могла сбежать, она продолжила это делать, создав серию « Комнаты » и искусство инсталляции в России.Серия ее комнат быстро стала центром дискуссий в небольшом московском сообществе концептуального искусства. Когда она вытащила свои вещи из своей комнаты и покрасила ее в черный цвет, она позволила своему искусству быть свободным, вдали от Советского Союза и внимания общественности.

В конечном итоге Нахова вышла на международный рынок искусства, когда эмигрировала из Москвы в США в 1994 году, но ее искусство посылать политические сообщения. «Нахова стремится занять критическую позицию по отношению к современному западному миру« жидких »отношений, нестабильности и изоляции.». На выставке 2010 года в Орловской художественной галерее в Великобритании Нахова представила множество работ, связанных с несправедливостью, произошедшей в ее стране. Одной из них была серия Skin (2009-2010), представлявшая собой серию латексных скинов с напечатанными на них татуировками, сопровождаемыми рассказами о жертвах капитализма. Изображения взяты с фотографий реальных людей, но истории приукрашены, это комментарий к искажению личности посредством манипуляций со стороны СМИ. «Подкрепив вымышленные истории сконструированной документацией, Нахова делает еще один комментарий о ненадежности как слова, так и изображения.». Стирая границы между правдой и вымыслом, Нахова смогла привлечь внимание к неопределенности информации в современном мире.

Нахова продолжает создавать эти комнаты, наполненные графическими узорами, отражающими пропагандистский стиль искусства, который был популярен в Советской России. В настоящее время у нее есть персональная выставка в Художественном музее Циммерли при Университете Рутгерса под названием Museum on the Edge , которая будет экспонироваться с 30 марта по 13 октября 2019 года. Это первая ретроспектива карьеры Наховой в США.С., демонстрируя свой диапазон материалов и концепций за десятилетие. Многие российские художники продолжают создавать значимое современное искусство, бросающее вызов повседневности.

Список литературы

Бутакова Елизавета. «Московский партизанский концептуализм: Ирина Нахова и Павел Пепперштейн». Третий текст 24, вып. 5 (сентябрь 2010 г.): 627–31.

Галерея Сакс, Сид, Каллиопи Миниудаки и Розенвальд-Вольф (Филадельфия, Пенсильвания).