Почему картины стоят так дорого: Почему произведения искусства так дорого стоят?

Почему произведения искусства так дорого стоят?

В 1996 году арт-дилер по имени Гларифа Розалес (Glarifa Rosales) обратилась к Энн Фридмен — директору Нью-Йоркской галереи Knoedler, реализующей произведения искусства богатым коллекционерам на протяжении последних 150 лет. Розалес предложила купить картины таких мастеров, как Марк Ротко (Mark Rothco), Джексон Поллок (Jackson Pollock) и Виллем де Кунинг (Willem de Kooning) по очень выгодной цене — она просила не более $1 000 000 за каждую.

Гларифа утверждала, что полотна достались ей от анонимного коллекционера — друга семьи — который совсем недавно получил их в наследство. Более 10 лет галерея перепродавала авторские работы за миллионы долларов и хранила всю документацию по таким сделкам с пометкой «Секретный Санта». И когда сотрудники начали активнее расспрашивать о таинственном коллекционере, Розалес ответила: «Не убивайте курицу, несущую золотые яйца».

15 лет спустя бельгийский менеджер инвестиционного фонда, Пьер Лагранж (Pierre Lagrange), получил плохие новости. Консультант, которого он нанял для проверки подлинности картины Джексона Поллока, купленной за $17 000 000 в той же галерее, сообщил — полотно не имеет ничего общего с оригиналом. Эксперт обнаружил на картине частицы краски, которая поступила в продажу уже после смерти Поллока.

Когда Лагранж отправил в Knoedler письмо с претензиями, галерея внезапно закрылась. В течение года к нему присоединились еще несколько клиентов — они также утверждали, что их многомиллионные приобретения оказались обычными подделками. В 2013 году Гларифа Розалес признала себя виновной в продаже фальшивых картин на сумму $80 000 000.

Сила бренда

Вышеописанный случай подчеркивает, насколько иррационален источник финансовой ценности той или иной картины. Пока Лаграндж не усомнился в подлинности этих полотен, они стоили целое состояние, считались шедеврами и выставлялись перед истинными ценителями искусства. Но как только был разоблачен настоящий художник — 73-летний китайский эмигрант Пэй-Шень Цянь, рисовавший подделки за несколько тысяч долларов в своем гараже в Квинсе — они мгновенно обесценились, хотя и создавались схожим образом.

Эстетика художественного произведения, передаваемые им чувства и техника написания могли бы влиять на его стоимость, но, как показывает история Цяня, эти факторы не объясняют экстремально высокую ценность полотен.

Мы подходим к одной важной (пусть и не очень романтичной) истине: в мире изобразительного искусства правят бренды. Известные имена, будь то Ротко или Поллок, отличают мастеров от неизвестных художников также, как бренд Coca-cola отличает знаменитый напиток от другой сладкой газировки. Цянь нарисовал прекрасные картины в стиле известных художников, но подписав эти полотна именами вроде Ротко и Поллок, их цену удалось повысить более чем в 10 раз.

Состоятельные люди тратят огромные деньги на живопись, потому что такие бренды, как Моне или Пикассо, остаются востребованными. При этом приобретение картины за миллион долларов на аукционе в Сотбис — не то же самое, что покупка Lamborghini. Цена автомобиля понижается сразу же после продажи, а картины Пикассо со временем лишь прибавляют в стоимости.

Но как художник превращает себя в многомиллионный бренд в мире искусства — мире неопределенности и субъективных взглядов? Как аристократы с Манхэттена покупают абстрактные работы за $100 000, не опасаясь, что через несколько лет эти картины станут простым настенным украшением? Почему одни полотна считаются роскошью, а другие — дешевой мазней?

Ответ на этот вопрос заключается в том, что рынок изобразительного искусства поддается серьезному «курированию». Его контролируют галереи и дилеры, которые прикладывают значительные усилия для поддержания стоимости художественного произведения и привязки этой цены к престижу организации, продающей работу.

Можно сказать, что в какой-то степени рынок искусства сфальсифицирован: галереи и дилеры выступают в роли законодателей мод и, по сути, решают, какая картина лучше и стоит дороже. Конечным результатом всего этого «механизма» является превращение художников в бренды, достаточно стабильные для функционирования рынка.

Искусство как выгодное вложение

Во время рекордных аукционов в Кристис и Сотбис затрачиваемые суммы часто превышают показатели ВВП небольших островных государств. При этом польза от аукциона современного искусства в Кристис с общей выручкой $745 000 000, который прошел в мае 2013 года и больше походил на фестиваль показательного потребления — довольна сомнительна. Тем не менее, опытные искусствоведы считают такие покупки выгодным вложением денег.

Если у кого-то и есть причины для скептицизма по поводу огромных затрат на искусство, то Филиппо Гуерини-Маралди (Filippo Guerrini-Maraldi) определенно относится к ним. Как исполнительный директор и глава Fine Art Team в R.K. Harrison Insurance Services, Гуерини-Маралди страхует коллекции, стоящие миллионы долларов, а его брокеры несут ответственность за них. Как бы там ни было, его команда никогда не отказывается страховать даже нелепые картины по шестизначной цене.

«Если меня просят застраховать произведение искусства, купленное кем-то в аукционном доме или у дилера, кто я такой, чтобы говорить, что этот человек переплачивает?», — говорит Филлипо.

Как правило, R.K. Harrison страхуют картины по цене, названной клиентом, так как в живописи стоимость работ повышается со временем. И хотя компания признает, что некоторые расценки сильно завышены, здесь, как и на фондовом рынке, возможны определенные коррекции. Такая стабильность поощряется финансовым сектором, который принимает коллекции полотен в качестве залога.

Джонатан Бинсток (Jonathan Binstock), имеющий докторскую степень по истории искусства и помогающий клиентам собирать коллекции произведений в Citi Private Bank’s Art Advisory, утверждает: «С идеей о том, что искусство является неким активом, и работы конкретных художников сохраняют свою стоимость, люди по всему миру попросту решили согласиться».

Консенсус высокой стоимости изобразительного искусства — это решение, основанное на данных. Бинсток отмечает, что между сведениями по результатам аукционных продаж, датируемыми 80-ми годами, и еще более давними изданными томами можно отыскать множество исторических фактов, оправдывающих стоимость дорогой картины.

Но как специалисты определяют ценность полотна?

Как утверждает Сара Фридлендер (Sara Friedlander), организатор аукционов в Кристис — крупнейшем в мире аукционном доме: «На самом деле, существует множесто арт-рынков. У каждого художника есть своя собственная ниша». Сотрудники устанавливают цены полотен, глядя на стоимость аналогичных картин, присутствующих на конкретном рынке.

В большинстве случаев, за исключением продажи настоящего шедевра, похожие работы одного и того же художника оцениваются одинаково.

С одной стороны, это показывает, что разнообразие изобразительного искусства поддерживается, несмотря на его коммодификацию: в мире существует практически безграничный запас художественных работ, но полотен Ван-Гога насчитывается не так уж и много. С другой стороны, мы видим, что основным фактором, влияющим на стоимость картины, является бренд самого художника. Люди предпочитают покупать работы Поллока или Уорхола, потому что имена этих мастеров стали брендами.

Однако к инвестированию средств в работы Уорхола, Ротко и Рихтера критики относятся не очень оптимистично. В книге «Супермодель и фанерный ящик» (The supermodel and the Brillo box) экономист Дон Томпсон (Don Thompson) пишет, что позитивные заголовки о выручках аукционов живописи игнорируются, если ранее предлагаемые картины уже продавали по более высокой цене.

Как отмечает Financial Times, книга Томпсона выражает всю суть недавнего высказывания, что «инвестирование средств в художественные работы связано со многими подводными камнями, включая заоблачные риски, неликвидность, а также серьезную подверженность новым трендам».

Оправданы ли такие инвестиции?

Это не обязательно значит, что в искусство нельзя вкладывать деньги. Усилиями спекулянтов цена на картину молодого художника всегда может взлететь от $10 000 до $100 000. Хотя многие начинающие мастера терпят неудачу, некоторые из них могут достичь успеха. Вложение средств в работу конкретного человека больше походит на сложную и рискованную стратегию, нежели на разумное инвестирование, но все же обеспеченных людей это не останавливает.

Уильям Флейшер (William Fleischer), владелец страховой компании «Bernard Fleischer & Sons», утверждает, что иногда коллекционеры хранят полотна только ради инвестиций. Возникает парадокс: самым эффективным продуктом сайта ArtNet, публикующим маркетинговые исследования о живописи, являются его онлайн-аукционы с быстрыми транзакциями и низкими ценами, но при этом, особенно на «вершине» рынка, финансовая прибыль носит вторичный характер.

Джонатан Бинсток из Citi Private Bank помогает клиентам собирать коллекции, культурное значение которых намного превосходит их суммарную стоимость. Личные предпочтения играют такую же или еще более важную роль, чем возврат инвестиций. По его словам, клиенты не покупают картину за $5 000 000, потому что через 3 года ее цена вырастет на 2%. К тому же эти люди крайне редко продают приобретенные работы.

Искусство — это не самая громкая инвестиция, но в социуме она приносит невероятные дивиденды и служит неким отличительным признаком. Так, все газеты написали о покупке Леоном Блэком (Leon Black) картины Эдварда Мунка (Edward Munch) «Крик» за $120 000 000. Если бы Блэк приобрел за эти же деньги современную яхту, он бы не получил практически никакой огласки в обществе.

Коллекционеры покупают социальное положение так же, как и дорогой продукт, и тем самым сохраняют свой статус. Полотна Джексона Поллока являются своего рода пропускным билетом в один из самых богатых и эксклюзивных клубов мира. По оценкам аукционного дома Кристис, на рынке художественных работ стоимостью свыше $20 000 000 числится всего лишь 150 коллекционеров.

По словам Сары Фридлендер: «Начиная с первых дней эпохи Возрождения, люди использовали искусство, чтобы войти в определенный социальный круг. И это хорошо». Таким образом коллекционеры могут взаимодействовать с художниками и поддерживать живопись подобно итальянскому семейству Медичи. Проще говоря, организация выставок для потенциальных гениев и финансирование музеев позволяет наследникам, трейдерам хедж-фондов и руководителям компаний Fortune 500 наслаждаться всем происходящим в качестве меценатов.

И наконец, в чем заключается последняя причина, по которой люди покупают чрезмерно дорогие картины? Богатый коллекционер Сара Торнтон (Sarah Thornton) говорит об этом так: «Когда у тебя уже есть четыре дома и самолет G5, что еще остается?»

Действительно ли шедевры такие особые?

Если вы попросите первого встречного человека назвать одну из известных картин, в большинстве случаев он вспомнит шедевральную Мону Лизу (она же Джоконда).

Искусствоведы выдвигали множество объяснений по поводу особого статуса этого полотна. К примеру, сайт Лувра, среди всего прочего, отмечает загадочную улыбку женщины и специфическую позу, в которой она изображена. Но в статье для Intelligent Life журналист Ян Лесли (Ian Leslie) предлагает альтернативное пояснение: восхождение Моны Лизы на вершину мира живописи, как и любой другой работы, было исторически сложившейся случайностью.

Несмотря на свою популярность, эта картина имеет удивительно скучную историю. Как пишет Лесли, в 1850 году Леонардо да Винчи (Leonardo da Vinci) не шел ни в какое сравнение с такими великими представителями эпохи Возрождения, как Тициан (Titian) и Рафаель (Raphael), чьи работы оценивались как минимум в 10 раз дороже, чем Мона Лиза. Джоконда тоже выставлялась в Лувре, но она не привлекала к себе внимание посетителей.

Все изменилось в 1911 году, когда музейный работник украл картину, просидел всю ночь в шкафу и на следующий день покинул здание, спрятав полотно под мантией художника. Внезапно Мона Лиза стала главной новостью в издательствах всего мира. Когда вора арестовали, вокруг его судебного разбирательства разразился настоящий медиа-спектакль, так как итальянцы посчитали кражу проявлением патриотизма.

С точки зрения психологии не секрет, что известность порождает приязнь. По мнению Джеймса Каттинга (James Cutting) данный «эффект симпатии к знакомому» (mere-exposure effect) объясняет, почему мы выделяем одни картины на фоне других.

В рамках эксперимента, он показывал старшекурсникам слайды с картинами импрессионистов. Контрольной группе понравились работы, которые упоминались в учебниках по истории искусства; студенты выбирали знаменитые полотна в 4 раза чаще, чем неизвестные. Следуя этой логике, мы можем сделать вывод, что именно кража Моны Лизы сделала ей репутацию, и многие признанные шедевры стали знаменитыми благодаря таким историческим случайностям:

«Работы импрессионистов, на которые сегодня чаще всего делают репродукции, были куплены пятью или шестью богатыми и влиятельными коллекционерами еще в XIX веке. Предпочтения этих людей делали определенные полотна более престижными, благодаря чему их с большей вероятностью размещали в галереях и упоминали в антологиях.

С годами престижность набирала обороты. Чем больше людей видело картину, скажем, “Бал в Мулен де ла Галетт”, тем больше она им нравилась и тем чаще упоминалась в книгах, появлялась на плакатах и выставлялась в крупных галереях. В то же время, ученые и критики придумывали изощренные доводы, чтобы оправдать превосходство этой работы», — пишет Лесли.

Внешние обстоятельства, не имеющие отношения к самой картине, также влияют на ее статус в мире искусства. Одной из причин, по которой мы отмечаем отдельные полотна и мастеров, является их вклад в художественное движение. «Фонтан» Марселя Дюшана — это всего лишь перевернутый и подписанный писсуар, но он символизирует вызов дадаистов по отношению к чувственной живописи. Именно поэтому заверенная копия данного произведения (оригинал был утрачен) была продана за $1 800 000 в 1999 году.

Тем не менее, репутация полотен постоянно меняется. По словам Джонатана Бинстока, раннего художника эпохи Возрождения Пьеро делла Франческа (Piero della Francesca) довольно долго упускали из виду. Но когда такие сюрреалисты, как Сальвадор Дали (Salvador Dali), начали искать в его работах вдохновение, музеи стали называть Пьеро представителем влиятельного художественного движения. Когда мы говорим о ценности той или иной работы, на самом деле мы имеем в виду социальное значение, приписываемое этому произведению: современные взгляды на искусство и благоприятное отношение к картине формируются со временем благодаря ее повсеместному представлению.

Хотя таким образом успех некоторых отдельных шедевров оказывается под сомнением, это вовсе не значит, что замысел художника и его мастерство не играют никакой роли. В своей статье Лесли рассказывает о другом эксперименте, который имитировал методику Каттинга, но при этом на слайдах также демонстрировались работы Томаса Кинкейда (Thomas Kinkade), считавшиеся «золотым стандартом плохого искусства». В итоге студенты реагировали на его картины, как на плохой фильм: чем чаще они видели эти слайды, тем хуже они относились к творчеству Кинкейда.

Объекты исторических случайностей — картины Мона Лиза и Герника да Винчи и Пикассо соответственно — очень высоко ценятся на рынке искусства. Однако художники, чьи работы оцениваются в рекордные суммы на аукционах, представляют лишь крохотную долю арт-рынка. По словам Бинстока, сегодня таких мастеров насчитывается не более 40.

Коллекционеры уверенно вкладывают средства в художников, которые чаще всего упоминаются в исторических учебниках. Но как на счет молодых живописцев? Каким именно образом краска на холсте превращается в дорогое искусство?

Первое правило художественной галереи

Когда Дэниел Рэдклифф, зарекомендовавший себя как коллекционер современного искусства благодаря гонорарам за фильмы о Гарри Поттере, посетил Frieze Art Fair — он остановил свой взгляд на работе концептуального художника Джима Ходжеса (Jim Hodges). У богатого актера было достаточно денег, но он обнаружил, что между возможностью оплатить картину и купить ее есть существенная разница. Дилер сказал Рэдклиффу, что это полотно «ждет более престижного коллекционера» для покупки. Дэниелу удалось приобрести работу только после того, как художник лично дал свое согласие дилеру.

Если вы спросите знатока индустрии о расценках на изобразительное искусство, он ответит, что здесь все зависит от спроса и предложения. Мы снова и снова слышим, что это такой же рынок, как и любой другой, но на самом деле это не совсем так. При покупке предметов роскоши потребители часто приравнивают цену к качеству, особенно когда речь идет об арт-рынке. Но здесь продажу картины по заниженной стоимости не считают случайной скидкой — коллекционеры воспринимают это как признак того, что таланты художника и его работа переоценивались.

В результате, художественные галереи осуществляют довольно жесткий контроль над ценами, который, как пишет экономист Эллисон Шрагер (Allison Schrager), был бы незаконным в большинстве отраслей. Таким образом, работа мастера выделяется и начинает испытывать все преимущества эффекта симпатии к знакомому. Как описывает Лесли, это не совсем «историческая случайность», а часть хорошо спланированного процесса, возвышающего художников до уровня известных брендов.

Большинство новых картин продается в музеях и галереях. Чаще всего художник сотрудничает с одной галереей, которая представляет его и обычно взимает 50% комиссии с каждой продажи. Галереи используют свое положение, чтобы установить определенный уровень ценовой стабильности на рынке живописи, ведь без нее миллионерам было бы слишком рискованно тратить большие деньги даже на работы таких признанных мастеров, как Ротко.

Галереи делают это, отказываясь снижать цену на любую картину. Они обладают репутацией за продажу работ в конкретном ценовом диапазоне, и чтобы защитить свой престиж, дилеры скорее перестанут представлять художника, чьи полотна плохо продаются, нежели снизят стоимость картин.

Но галереи также обеспокоены и теми картинами, которые продаются слишком быстро по высокой цене — особенно если они не получают комиссии со сделки — поскольку любая тенденция к понижению стоимости работы в дальнейшем может навредить бренду художника. Так что галеристы сохраняют контроль над ценами, сотрудничая с доверенными клиентами, готовыми продавать только через галерею и на ее условиях. Они предоставляют лояльным коллекционерам доступ к своим лучшим предложениям и в то же время могут прекратить продажу работ клиентам, которые перепродают картины на вторичном рынке.

Эллисон Шрагер рассказала историю о коллекционере, предложившем столько денег за картину, что «ей никогда бы больше не пришлось работать»:

«Я объяснила, что не буду торговаться с автором полотна — любая перепродажа картины должна производиться через галерею, которая получает комиссионные со сделки и устанавливает свою цену. Молодой коллекционер знал, что такая продажа будет иметь определенные последствия. Быть может, картина и принадлежала знаменитости, но получив за нее прибыль без разрешения галереи, я бы навсегда выбыла из арт-индустрии. Это не стоило даже предложенных мне миллионов»

Галереи хотят, чтобы продвигаемые ими художники становились успешными и стоимость их работ повышалась. По этой причине они не только знакомят живописцев с правильными людьми и предоставляют студии, но предлагают (в порядке исключения) влиятельным коллекционерам скидки на их картины, так как это повышает авторитет художника.

Какую роль играют аукционы?

Аукционные дома представляют угрозу для данной системы, поскольку они ослабляют контроль галерей над ценами и комиссиями. Один из сотрудников аукционного дома, пожелавший сохранить анонимность, признал, что между галереями и аукционными домами присутствует некая напряженность. Хотя он считает, что аукционы играют важную роль для поднятия спроса на работы художника, галеристам не нравятся такие мероприятия.

Если картина все же попадает на вторичный рынок, галереи принимают участие в аукционе и при необходимости вступают в торги за эту работу, чтобы сохранить ее стоимость. Гуеррини-Маралди называет это «поддерживающими торгами». По его словам, это происходит довольно часто, когда люди хотят защитить свое портфолио или интересуются художником. К примеру, если кто-то владеет несколькими полотнами Пикассо, он может намерено торговаться за очередную картину, чтобы повысить ценность собственной коллекции.

Дабы успокоить продавцов, аукционные дома Кристис и Сотбис обычно гарантируют, что они не будут продавать полотна дешевле минимальной «резервной цены». Поскольку отсутствие высоких заявок на картину может навредить бренду, аукционеры сразу же предлагают за нее хорошие деньги, стучат молотком и кричат «Продано!».

Еще одной распространенной тактикой являются так называемые «заявки с потолка», когда торги начинаются с нескольких несуществующих ставок. Аукционные дома привлекают внимание покупателей, демонстрируя работы художников на выставках по всему миру, прежде чем выставить их на продажу. Таким образом они извлекают выгоду из эффекта симпатии к знакомому. New York Times отмечает, что коллекционеров могут провоцировать подставные покупатели. В обмен на согласие заплатить определенную сумму за картину, им обещают покрыть все расходы, превышающие эту стоимость. Так цены повышаются за счет ложной конкуренции.

Как говорит Филиппо Гуерини-Маралди: «Рынок искусства — это крупнейший нерегулируемый рынок в мире. Здесь действует минимум правил, а люди ведут себя самым непредсказуемым образом».

Произведения искусства как признак статуса

Исследование рынка живописи показывает, что демонстративные траты миллионеров существенно влияют на то, какие работы мы отмечаем на фоне остальных. В защиту данной модели, стоит отметить, что в эпоху Возрождения богатые семьи, выступающие в роли художественных меценатов, имели очень хорошую репутацию.

Сотрудники галерей утверждают, что они действуют только в интересах художников, а анонимный работник аукционного дома называет этих специалистов настоящими провидцами, которые отбирают для нас шедевральные работы уровня Пабло Пикассо. По сути, галереи являются бренд-менеджерами, но они также могут рассматриваться как музейные кураторы.

В то же время сотрудник аукциона восхищается более демократичным аспектом публичного приобретения на вторичном рынке, где работа может говорить сама за себя. В конечном счете, манипулирование ценами полу-произвольно превращает нескольких избранных живописцев в прибыльные бренды и символы статуса. Как признается один арт-дилер:

«Иногда вы можете увидеть привлекательную работу на улице по минимальной цене, но покупая эту картину, вы упускаете инвестиционную ценность и социальный престиж от создания коллекции».

Также важно помнить, что хотя галереи и аукционные дома контролируют поток денег, мнение критиков им не подвластно. Джонатан Бинсток описывает отношения рынка и музеев как улицу с двухсторонним движением. Он отмечает, что некоторые молодые художники привлекают к себе слишком много внимания, поэтому галереи начинают присматриваться к ним более пристально.

Бинсток также упоминает живописцев, чьи работы выросли в цене в ходе повального увлечения определенным стилем в 1980-х годах, и подешевели, как только рынок сдвинулся с места. Что же касается альтернатив галерейной модели — будь-то онлайн-продажи клиентам напрямую или торговля через некоммерческие пространства — то они позволяют художникам финансировать свою работу, не придерживаясь традиционных методов.

Деньги оказывают влияние на искусство. Картины, которые хорошо смотрятся на стенах элитных апартаментов, продаются намного легче и с полным нарушением законов спроса и предложения. Поскольку участие в выставках и постоянные продажи повышают стоимость картин, рынок заинтересован в продуктивности мастеров, а не в создании шедевров. Но все же никакое вмешательство не может бесконечно поддерживать цену на работы, которых так избегают музейные кураторы. Молодой художник по имени Эмма Вебстер (Emma Webster) утверждает:

«Создавать искусство, адаптированное под рынок, невозможно. Художники, пытающиеся выделиться на фоне остальных, встречаются слишком часто, поэтому ими очень просто пренебречь»

Тем не менее, рынок живописи помогает определить, какое искусство является более значимым. Этому также способствуют наследники и менеджеры хедж-фондов, которые поставляют деньги. Как видно из истории о Моне Лизе, картины довольно часто становятся шедеврами по воле случая. Но деньги все-таки делают свой вклад в один из наименее привлекательных аспектов мира живописи: таинственную ауру, окружающую известных художников и их работы, которая так волнует посетителей музеев.

Несмотря на то, что это мнение одного человека, Вебстер считает, что общественность не должна винить художников за культ личности, который их окружает. По ее словам, известные живописцы не создают ауру — этим занимаются галереи, критики, промоутеры и клиенты, ведь так они укрепляют свои инвестиции.

Когда в мире искусства покупают и продают картины за баснословные деньги, эти произведения не могут быть простыми. Дорогое искусство нуждается в надежных доводах, чтобы оправдать свою стоимость. Это приносит пользу художникам, чьи работы продаются за сотни тысяч или миллионы долларов. Но за это приходится платить отчуждением общественности от мира искусства.

Высоких вам конверсий!

По материалам: priceonomics.comimage source nickturpin 

09-11-2015

Почему искусство стоит так дорого?

Джексон Поллок, «Номер 4», 1951

На первый взгляд кажется, что рынок искусства работает по абсурдным законам, противоречащим любым правилам здравого смысла. Совершенно неясно, почему абстрактная композиция Джексона Поллока стоит гораздо дороже, чем, например, филигранно проработанный пейзаж Васнецова. И вообще, почему какая-то картина может стоить в десятки раз больше, чем роскошный особняк где-нибудь на Лазурном Берегу? Дело в том, что искусство, в отличие от квартиры, в которой можно жить, автомобиля, на котором можно ездить, и часов, по которым можно следить за временем, не имеет никакого практического значения (опустим шутку про дырку на стене). Искусством можно либо наслаждаться, либо зарабатывать на нем – поэтому арт-рынок играет по собственным правилам.

Что влияет на цену работы?

Марсель Дюшан, «Фонтан», 2011

Ценообразование в сфере искусства устроено вопреки классической формуле «себестоимость + наценка». Да, бриллиантовый череп Дэмиена Херста стоил бы дорого, даже если он продавался бы в ювелирном магазине, а не на арт-аукционе, но вот как быть с «Фонтаном» Марселя Дюшана (обязательно погуглите это произведение искусства). На цену любой работы влияют два крупных фактора: качество арт-объекта и состояние арт-рынка.

Как определить качество искусства?

Здесь в комплексе работают сразу несколько критериев: провенанс работы, ее физическое состояние, эстетическое качество и редкость. То есть единственная, идеально сохранившаяся работа художника Х, имеющая безупречную репутацию, априори будет стоить гораздо дороже, чем поврежденная серийная картина малоизвестного художника Y, которая несколько раз перепродавалась на черном рынке и имеет сомнительную подлинность. Давайте посмотрим детальнее.

Провенанс

С французского «провенанс» дословно переводится как «происхождение». Достоверный источник работы считается важнейшим показателем ее репутации. Как только художник снимает картину с мольберта, начинается ее история. Картину могут продавать, передавать по наследству, дарить музеям, красть, повреждать, скрывать и копировать. Все эти действия – часть провенанса искусства. Прежде чем продавать картину, арт-дилеры и аукционы уточняют ее провенанс, проводя огромное исследование источников, подтверждающее передвижение картины из коллекции в коллекцию. Для этого поднимают архивы, проверяют старинные чеки о продаже и покупке произведений и сверяются с каталогами резоне. Каталог резоне (от французского «критический каталог») – это сводка всех работ художника с подробным описанием их состояния и провенанса. Такие каталоги начали выпускать в ХХ веке, как только появилась возможность фотографировать работы и включать их черно-белые копии в эти каталоги. Идеальный провенанс для картины – кочевать из одной королевской коллекции в другую и на несколько десятков лет задержаться в национальном музее. Если же в провенансе картины есть «черные дыры», то ее стоимость моментально падает.

Физическое состояние

Говоря об искусстве, которое пережило не одно столетие, важно учитывать его физическое состояние. Повреждения холста, кракелюр, сколы красочного слоя, выцветание лака – эти и другие виды деформаций уменьшают эстимейт продаваемого произведения. Но реставрация искусства – не панацея от его обесценивания. Если картину отреставрировать так, что на ней не останется ни одного авторского слоя, то ее вообще будет невозможно продать.

Эстетика и оригинальность

Фрэнсис Бэкон

Если абстрагироваться от моды (о ней мы поговорим в контексте трендов арт-рынка), то каждое произведение искусства имеет художественную ценность. Ее определяют эксперты аукционных домов, авторитетные арт-критики и исследователи искусства. Помимо того что работа может просто нравиться или не нравиться, ее эстетическая ценность отражена в оригинальности художественного замысла, композиции, технике и внутреннем голосе самой работы. Безусловно, живописные «Кувшинки» Моне радуют глаз сильнее, чем душераздирающая «Кричащая голова» Фрэнсиса Бэкона, но эти работы объединены художественной индивидуальностью и экспрессией. Кстати, статус великого художника далеко не всегда значит, что все работы этого автора великолепны. За любым громким именем стоят как шедевры, так и заурядные, проходные работы. Например, Ренуар писал по картине в день, и все они уходили с молотка, причем лишь некоторые можно назвать по-настоящему выдающимися. Отличать значимое от рядового эксперты учатся на практике: чем больше произведений одного автора они увидели, тем сильнее их способность выбрать самые-самые.

Редкость

Критерий редкости работает в арт-рынке так же, как и в luxury-сегменте. Чем более лимитированная коллекция одежды, тем дороже она стоит. Чем меньше непроданных картин Ван Гога доступны на рынке, тем больше за него попросят. Чтобы узнать, насколько эксклюзивен тот или иной художник, арт-дилеры проводят исследования, обращаются к каталогам и сопоставляют пропорцию шедевров, надолго «осевших» в музеях, и работ, свободно циркулирующих по арт-рынку. Когда в 1987 году умер Энди Уорхол, его работы не стоили запредельных денег. Все думали, что художник тиражировал свой поп-арт в сотнях экземплярах, но как только появился первый каталог его работ, выяснилось, что серии Уорхола гораздо более редкие, и цены на них сразу подскочили.

Невидимая рука арт-рынка

Автопортрет Винсента ван Гога

И все же почему искусство стоит настолько дорого? Ответ может вас разочаровать: цена произведений искусства задается по принципу стоимости денег. Дороговизна искусства держится на безусловном общечеловеческом согласии создавать и поддерживать высокую коммерческую ценность прекрасного. Именно поэтому многие крупные банки, компании и предприниматели имеют собственные собрания и используют их как инвестиции. Престиж обладания шедеврами стимулирует стабильность этой катастрофически завышенной по цене индустрии. Кому не хочется иметь единственный в своем роде рисунок да Винчи? Кроме того, красота – одна из редких нематериальных ценностей, которую можно купить в виде произведения искусства.

Среди главных рычагов управления стоимостью на арт-рынке – мода, вкус, популярность и громкость имени художника. Причем ценообразование зависит от типа рынка: первичный рынок, сфокусированный на молодых художниках, работы которых продаются впервые, больше опирается на личный вкус коллекционера и оригинальность работы. Прибыли от инвестиции на первичном рынке более непредсказуемы, но в случае удачи они могут принести суммы, многократно превосходящие стоимость изначальной покупки. До вторичного рынка искусство не всегда добирается при жизни художника. Ван Гог, например, при жизни продал всего одну свою картину. Когда работа перепродается, ее цена зависит не только от объективных факторов в виде провенанса и физического состояния, но и от мастерства арт-дилера, который должен правильно преподнести работу и адекватно оценить ее стоимость.

Вероятно, вам также будет интересно:

Культурные события осени, билеты на которые надо покупать уже сейчас

Гид по мировым арт-ярмаркам

Как Уильям Моррис стал одним из первых дизайнеров в мире?

4 великих автора подделок

5 современных британских художников, о которых нужно знать

Фото: Getty Images

Часто проверяете почту? Пусть там будет что-то интересное от нас.

Почему картины так дорого стоят и еще 9 важных вопросов об искусстве: конспект книги «Почему в искусстве так много голых людей»

Для чего художникам рамы, нужно ли понимать сюжет картин и как отличить шедевр от дешевки — «Афиша Daily» разбирает книгу Сьюзи Ходж «Почему в искусстве так много голых людей», вышедшую в рамках совместной издательской программы музея современного искусства «Гараж» и Ad Marginem.

Bсе ли картины вставляют в рамы?

Пит Мондриан. Композиция с желтым, красным, синим, черным и серым. 1920

1 из 2

Жорж Сёра. Воскресный день на озере Гранд-Жатт. 1884

2 из 2

Цитата из книги

«Обычно картины вставляют в рамы, выставляя их напоказ. Рамы привлекают внимание к картине и защищают ее края. Некоторые рамы отличаются вычурностью, особенно у старинных работ, которые когда-то висели в особняках. Другие рамы совсем простые, они не отвлекают от созерцания искусства. Предназначение рам — дополнять картины, заключенные внутри, показывать их с лучшей стороны.

Пит Мондриан считал, что рамы подобны стенам. Иногда кажется, будто они встают между зрителями и искусством, словно создавая препятствие, отделяя живопись от всего остального мира. Мондриану хотелось, чтобы все получали удовольствие от его работ и никто не чувствовал себя отделенным от них. Он писал на краях холста. А иногда даже на боковинах.

Он разрушил эти стены!

Жоржу Сёра не нравилось, что рамы отбрасывают тень на края картины. И он сам изобразил раму. Она состоит из тысячи крохотных точек более чем 25 разных цветов.

Знаешь ли ты, что изображение на телеэкране складывается из точек, которые называются пиксели? Эта картина была написана более чем за 50 лет до того, как изобрели цветной телевизор!»

Комментарий

Может показаться смешным отдавать целую главу рамам, тем более — практически начинать с этого книгу. Но в этом есть свои резоны. Во-первых, мы никогда не смотрим на картину в пустоте. Свет, высота, на которой она расположена, соседние работы, аннотации — все это создает пространство вокруг нее. Рассуждая о современной скульптуре, непременно говорят об окружающем ее «поэтическом пространстве»: смысл какой-нибудь абстрактной скульптуры рождается только тогда, когда на нее смотрит зритель. Во-вторых, действительно, рама часто становится сюжетом самой картины — как доказано на забавных примерах выше. Наконец, рама — обязательное звено цепочки вопросов и ответов, которое поможет лучше понять произведение. После того как разберешься с тем, кто автор и повлиял ли он на историю искусства, можно мимоходом взглянуть на раму. Кстати, в 1990 году в нью-йоркском Метрополитене была своего рода выставка наоборот: музей выставил множество пустых рам, чтобы обратить внимание на часто игнорируемую реальность.

Почему все плоское?

Небамон охотится на болотах. Гробница Небамона, ок. 1350 г. до н. э.

1 из 2

Жан Метценже. Стол у окна. 1917

2 из 2

Цитата из книги

«Не все предметы искусства выглядят объемными.

Двухмерные, или 2D, изображения плоские, как эта страница. Трехмерные, или 3D, — имеют высоту, ширину и глубину, как мяч.

В разные времена искусство было либо таким же плоским, как поверхность, на которой писали художники, либо объемным, как реальные вещи.

Многое древнее искусство, как, например, египетская роспись на стенах, выглядит плоским. Она больше напоминает диаграммы и совершенно не похожа на жизнь.

Еще в древние времена художники умели передавать объем, и плоские изображения они рисовали специально.

В Древнем Египте знатных людей хоронили в расписанных гробницах вместе с их сокровищами. Стены гробницы украшали рисунками, не предназначавшимися живым. Они показывали богам, чем люди занимались при жизни.

Изображение выглядит плоским, чтобы быть понятнее богам.

<…> Что стоит на столе? Видишь ли ты вазу с цветами, стакан, игральную карту и окно рядом?

Жан Метценже не соблюдает законы перспективы, но все равно хочет показать, что предметы на картине трехмерные. Поэтому он изображает их одновременно под разными углами. Такая техника называется кубизмом».

Комментарий

Этот пункт отражает общий скепсис о том, что художники разучились достоверно изображать трехмерную действительность — грубо говоря, «рисовать похоже». Автор «Голых людей» Сьюзи Ходж заручается поддержкой древних мастеров, абстракционистов и кубистов. Собирать их вместе под маркером «плоское» довольно смешно — кубисты как минимум создают больше трех плоскостей в своей картине, а иногда даже изображают один и тот же объект в разные моменты времени, так что плоскими их работы назвать нельзя. Тем не менее на этот детский вопрос нет однозначного ответа, и каждый раз нужно думать, почему художник решил сделать все плоским. Ходж забывает о культурной специфике: перспектива — европейское изобретение, и в искусстве многих стран она может в принципе не встречаться. Рассуждение о том, что плоское изображение становится более декоративным и абстрактным, вполне резонно — как и ассоциация «плоского» и «древнего». Но при этом Ходж почему-то избегает очень простого и очевидного вывода: убирая одни детали из изображения, автор акцентирует внимание на других. Грубо говоря, упрощая (и уплощая) изображение, художник может сделать его более выразительным, и во многих случаях за счет упрощения ему будет легче этой выразительностью управлять.

Почему в искусстве так много голых людей?

Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1486

1 из 2

Ив Кляйн. Антропометрия без названия. 1960

2 из 2

Цитата из книги

«В живописи, скульптуре и фотографии обнаженные люди встречаются очень часто.

Все пошло от древних греков, считавших, что обнаженное тело прекрасно и достойно изучения. Даже сегодня художники учатся рисовать голых людей, чтобы лучше понять форму тела. Это называется рисованием с живой натуры.

Обнаженная Венера, римская богиня любви и красоты, плывет, стоя в створке раковины. Согласно древней легенде, Венера родилась уже взрослой и перемещалась по морю. Боттичелли написал свою картину через много лет после возникновения этой легенды.

В искусстве нагота часто обозначает новую жизнь. Во времена Боттичелли женщины тщательно укрывали свои тела. Но Венера обнажена, так как она богиня, а не обычная женщина!

Многие художники считают, что женское тело красивее мужского, поэтому в искусстве обнаженные женщины встречаются чаще обнаженных мужчин.

В 1960 году Ив Кляйн придумал новый способ изображать женские тела. Он обмазывал обнаженных женщин синей краской и укладывал их на гигантский холст на полу. Они служили «живыми кистями».

Комментарий

Самая интригующая глава книги вынесена в заголовок — что, в общем-то, довольно понятно. Но ясного ответа на вопрос мы здесь тоже не найдем — среди предложенных вариантов собрано сразу несколько: изучение пластики тела и его красоты, символ жизни и пощечина общественному мнению. Тут, впрочем, нет никакой загадки: мало вещей на свете вызывают у человека такую же сильную реакцию — интерес и неловкость, стыд и желание, восхищение или, напротив, отвращение, — как нагота. Обнаженное человеческое тело в искусстве — и, по разным причинам, именно женское — самый сильный символ жизни и смерти. В этом смысле голое тело — это инструмент художника, который он может либо изобразить на картине, либо показать в жизни. В последнем случае речь идет о перформансе. Обнаженный перформанс будет более волнующим, иногда хрупким, иногда неприятным. Кроме того, нагое тело — это еще и обязательный символ искренности, который любил использовать Люсьен Фрейд, показывая беспомощность человеческого существа. При этом обнаженное тело в европейской традиции настолько тесно увязано с идеей красоты, что демонстрация излишне неприятного тела, как это любил делать Фрейд, шокирует не меньше и заставляет задуматься о старении и увядании. С рассуждением о преобладании обнаженных женщин над мужчинами все тоже не так просто: в царской России, например, можно было рисовать только обнаженную мужскую натуру, а за женской художники традиционно отправлялись в Италию.

Нужно ли знать сюжет картин?

Джон Эверетт Милле. Офелия. 1851–1852

1 из 2

Корнелия Паркер. Холодная темная материя: наблюдение за разрушением. 1991

2 из 2

Цитата из книги

«Истории рассказываются во всех видах искусства — от живописи и скульптуры до кино.

Произведение искусства — это окно в воображение другого человека. Мы видим факты и истории чужими глазами.

Примерно 160 лет назад существовало движение под названием «Братство прерафаэлитов». Художники этого течения писали сюжеты, часто почерпнутые из истории. Их картины иногда называли «романами в рамах». Милле был прерафаэлитом.

<…> Красавица Офелия утопилась, и художник воображает, как это могло произойти. Чтобы картина была интереснее, он украшает ее многочисленной символикой. Например, красные маки и голубые незабудки означают память или поминовение мертвых.

Это хорошо известный сюжет, и люди повалили толпой в Королевскую академию в Лондоне, где картина была впервые выставлена в 1852 году.

За этим произведением искусства стоит своя история. Корнелия Паркер хотела создать настроение, атмосферу, заставить нас задуматься о нашей жизни и о том, что мы оставим после себя.

Мы мало думаем о сарае в саду. Мы храним в нем ненужные вещи, о которых быстро забываем. Паркер решила его взорвать!

Затем она собрала куски обугленного дерева и покоробившегося металла и на леске подвесила их к потолку. В середине она расположила лампу, чтобы на стены отбрасывались зловещие тени».

Комментарий

В этой главе автор делает хитрый ход и пытается приравнять историю создания картины к ее сюжету. Зачем это нужно? В XX веке искусство во многом стало бессюжетным, и если раньше без понимания истории было невозможно разбираться в искусстве (например, считывать классические иконописные сюжеты — и благодаря этому осознавать, совершил или не совершил художник революцию в данной работе), то теперь куда большую важность приобрели история художника и история создания конкретной картины. Следить за биографией автора стало так же увлекательно, как за сезонами сериалов-долгожителей: Ай Вэйвэй перебрался в Европу, стал больше радеть за мигрантов, но оттого вдруг стал менее интересным, или, скажем, Цай Гоцян — переквалифицировался в мастера больших технологических фейерверков и растерял все свое концептуальное обаяние. А вот Ричард Лонг: всю жизнь топтал тропинки по всему миру, не предал свои идеи, за что и вошел во все учебники по ленд-арту.

Кто все эти люди?

Эдвард Хоппер. Китайское рагу. 1929

1 из 2

Марк Куинн. Я. 2006

2 из 2

Цитата из книги

«Многие картины заполнены людьми, но кто они такие?

В прошлом, еще до изобретения фотографии, знатные люди заказывали свои портреты. Художники должны были показать, насколько заказчики могущественны, красивы и богаты. Часто художнику для групповых портретов позировали целые семейства.

<…> На портрете Эдварда Хоппера изображены две модницы за столом в ресторане. В отличие от портретов прошлого, эти женщины не являются важными персонами. Они самые обыкновенные и не отличаются от случайных посетителей. В толпе мы видим множество неизвестных нам людей, и именно их хотел изобразить Хоппер.

И хотя он показывает двух незнакомок, моделью для обеих послужила жена Хоппера!

<…> Для слепка головы Марк Куинн использовал собственную кровь. Скульптура хранится в холоде, иначе она растает.

По словам Куинна, это напоминание о том, как хрупка жизнь. Каждые пять лет скульптор изготовляет новую голову, так что можно увидеть, как он стареет».

Комментарий

Действительно, размышляя о том, кто же изображен на картине, нужно прежде всего подумать о заказчике работы. Сопоставив время написания и главного героя, можно выдвинуть гипотезу даже о том, насколько художник был успешным. Библейские сюжеты часто писались по заказам церкви, хотя были, конечно, и частные поручения. До импрессионистов портреты писались в основном на заказ для богатых людей, поэтому французские художники совершили революцию, когда начали рисовать обывателей, — правда, потом им пришлось думать о том, как продать все эти картины. А по работе Марка Куинна легко сделать вывод о том, что художник не голодает и проблем импрессионистов не испытывает: для его работ нужна не столько храбрость, сколько солидные бюджеты.

Зачем на картинах фрукты?

Поль Сезанн. Яблоки и апельсины. 1899

1 из 3

Ян ван Кессель. Натюрморт «Ванитас». 1665–1670

2 из 3

Джон Лорбир. Тарзан/Стоящая нога. 2002

3 из 3

Цитата из книги

«Художники часто рисуют яблоки и апельсины, но зачем?

В первую очередь фрукты надежны. В отличие от моделей-людей, они не моргают, не дергаются и не требуют чая.

Изображение фруктов помогает художникам изучить формы, цвета и тона природы.

Такая живопись называется натюрмортами. До изобретения фотографии художники демонстрировали свои таланты, создавая реалистичные натюрморты. Но затем все изменилось…

Поль Сезанн написал эту картину уже после изобретения фотоаппарата, и он не чувствовал, что его задача — копировать действительность. Это мог сделать и фотограф!

Он написал круглые фрукты на плоском холсте, но в новой манере. Чтобы показать формы фруктов, он изобразил каждое яблоко одновременно под многими углами, в разных ракурсах. Кажется, что яблоки вот-вот упадут со стола.

<…> Эта картина имеет двойное значение. Рядом с цветами Ян ван Кессель изобразил череп — символ смерти. Это предупреждение, напоминающее о бренности жизни. Мы не должны забывать, что в конце концов умрем!

Натюрморт — это французское слово, означающее «мертвая природа». На полотне цветы выглядят как живые, но в реальной жизни они обращаются в гной.

<…> Джон Лорбир — оптический иллюзионист, прославившийся своими застывшими фигурами.

Тут все довольно путано. Он такой же объект, как фрукт, запечатленный на натюрморте, но при этом живой и не нарисованный. Время идет, а он остается неподвижным и висит на стене, как картина.

Комментарий

Хороший ответ на вопрос, но не хватает важного акцента. Натюрморт — это прежде всего исследование чистой формы. И если художник редко пишет натюрморт — как это, например, делали многие импрессионисты, — это значит, что его волнуют не формальные качества картины, а сиюминутное ощущение, которое она передает. В натюрморты действительно закладывается мысль о бренности бытия — но нельзя принимать ее как абсолют: в конце концов, многие герои на портретах тоже смертны. Идея о том, что перформанс иногда может оказаться натюрмортом, также весьма забавна — но при этом нужно помнить, что это большая редкость.

Почему художники так любят пейзажи?

Каспар Давид Фридрих. Странник над морем тумана. 1818

1 из 3

Христо и Жан-­Клод. Окруженные острова, Бискайский залив, Майами, Флорида. 1980–1983

2 из 3

Цитата из книги

«Веками люди изображали поля, города и горы.

Но только 300 лет назад пейзаж занял важное место в искусстве. Это произошло благодаря простому изобретению — оловянному тюбику с краской! Живописцы больше не были привязаны к своим мастерским, и работа на пленэре стала реальностью.

Мужчина созерцает расстилающееся перед ним море. На этом полотне человек занимает такое же важное место, как и пейзаж.

Картина Каспара Давида Фридриха показывает власть природы. Мужчина стоит к нам спиной, так что мы видим тот же вид, что и он. Перед ним раскинулась стихия. Пейзаж выглядит таинственным и чуть тревожным.

<…> Искусство, связанное с пейзажем, не всегда бывает двухмерным. Христо и Жан-Клод укрыли 11 островов близ Майами 603 870 квадратными метрами розовой ткани. Ткань была сшита из 79 кусков, повторяющих контуры или очертания островов.

На фоне голубой воды и изумрудной зелени розовая упаковка выглядит яркой и броской.

Не всегда пейзаж обращен к природе. Иногда, как на этой картине, он несет другой смысл.

Произведение Агнес Денес говорит о том, как пейзаж может всех накормить. Долгие месяцы художница засаживала пшеницей пустырь посреди Нью-Йорка. Когда колосья были скошены, она послала зерно в 28 разных городов, где оно было посеяно, чтобы напомнить людям о существующем в мире голоде».

Комментарий

Ответ засчитан: пейзаж действительно долгое время считался второсортным сюжетом искусства. Сегодня он может быть как упражнением в форме, так и способом рассказать какую-нибудь сложную историю. Здорово, что автору удается доказать: эксперименты с ленд-артом, по сути, тот же самый пейзаж — такой, в который зритель может войти. Это соображение можно использовать и тогда, когда вы в замешательстве смотрите на объекты Николая Полисского в Никола-Ленивце: просто представьте, что этот художник тоже рисует природу — но немного другими средствами.

Как понимать абстрактное искусство?

Жоан Миро. Карнавал Арлекина. 1924–1925

1 из 2

Барбара Хепуорт. Три формы. 1935

2 из 2

Цитата из книги

«Художники меняют вид предметов и людей, делая их неузнаваемыми. Или сами выдумывают объекты, которые не имеют отношения к окружающему миру. Это называется абстрактным искусством. Тут даже специалисты могут сесть в лужу. Некоторые абстрактные произведения выставлялись вверх ногами десятилетиями, и никто не замечал ошибку. Художники-абстракционисты не копируют жизнь, а изобретают то, что им нравится.

Первые художники-абстракционисты решили изображать фигуры и цвета, не представляющие ничего в реальном мире. Художники вроде Жоана Миро писали бессознательно, автоматически. Во время написания картины Миро впадал в подобие транса. Он понимал, что делает, но был точно во сне. Это абстрактное произведение, но эти странные фигуры обладали для него смыслом.

<…> Барбара Хепуорт любила создавать фигуры, напоминающие ее родной корнуэльский пейзаж. Хотя эти сферы мало похожи на семью, Хепуорт внесла в них именно этот смысл.

Кто из них мама? Видишь, ты знаешь ответ! Именно таким свойством обладает абстрактное искусство. Оно изображает то, что мы все понимаем, даже не видя этого».

Комментарий

Есть ли смысл в абстракции? Нужно ли пытаться угадывать сюжет, который стоит за ней? Если действительно хочется разобраться с этим, существует много хитростей. Самая простая — прочитать аннотацию к работе. Она может быть либо предельно абстрактна, либо, как у Барбары Хепуорт, дать подсказку, указывая на конкретные предметы. Глядя на абстракцию, важно помнить, что она убедительно передает сложные чувства, которые невозможно выразить с помощью более конкретного изображения, — как «Биркенау», цикл Герхарда Рихтера о концлагерях.

Почему искусство так дорого стоит?

Винсент Ван Гог. Подсолнухи. 1888

1 из 3

Бэнкси. Служанка в Лондоне. 2006

2 из 3

Ян Вермеер. Девушка с жемчужной сережкой. 1665

3 из 3

Цитата из книги

«Это безумие! Одни произведения искусства стоят миллионы, а другие — копейки.

Почему? Все дело в востребованности. Художники и стили могут входить в моду и выходить из нее.

Сегодня все знают Винсента Ван Гога и его картины продаются за миллионы. Но при жизни он продал всего одну картину! Слава пришла к нему только после смерти. Часто смерть художника помогает ему приобрести известность.

Винсент Ван Гог часто писал подсолнухи. Он работал над этой картиной — она предназначалась для гостиной, — когда у него гостил Поль Гоген. Посещение закончилось ссорой, Гоген уехал, а Ван Гог отрезал себе часть уха. Из-за этой знаменитой истории картина поднялась в цене.

Слышал ли ты о Бэнкси? Он рисует граффити на стенах и мостовых, когда никого нет рядом. Его творчество заставляет людей думать о том, что происходит в мире. Оно глубоко по смыслу, реалистично и привлекает много поклонников. Многие хотели бы иметь работы Бэнкси дома и готовы платить за них кучу денег. Но как можно владеть картиной, которая нарисована на здании или на асфальте?

Бэнкси иногда продает свои работы и выставляет их в галереях, но это случается не часто — и стоят они очень дорого.

Иногда искусство столь значимо, что не имеет цены. Оно бесценно! Пример — картины Яна Вермеера.

За свою жизнь Вермеер создал всего несколько картин. Он писал очень медленно, экономно расходуя дорогие краски. Этот портрет иногда называют «голландской Моной Лизой».

Неизвестно, кем была девушка на портрете, но ее широко открытые глаза и большая жемчужная сережка показывают, что Вермеер пользовался специальным методом для передачи цвета и светотени».

Комментарий

Цена искусства — отдельная и ужасно интересная тема. Ни один арт-дилер в этом не признается, но всем известно, что, к примеру, проблемы глобальной экономики могут повлиять на то, будет ли та или иная картина Рембрандта признана подлинником. Успешная продажа картины на торгах приводит к тому, что стоимость всех работ автора повышается, — и наоборот. Одни периоды жизни художника стоят дороже, чем другие. Искусство — такая же валюта, как доллар и евро, а главные музеи мира работают примерно по тому же принципу, что и центральные банки, — и неплохо эксплуатируют свой капитал, выпуская сувениры, авторизованные каталоги и репродукции.

Как отличить хорошее искусство от плохого?

Джеймс Эббот Макнил Уистлер. Ноктюрн в черном и золотом (Падающая ракета). 1875

1 из 4

Анри Руссо. Нападение в джунглях. 1891

2 из 4

Поль Гоген. Видение после проповеди. 1888

3 из 4

Марсель Дюшан. Фонтан. 1917

4 из 4

Цитата из книги

«Искусство бывает путаным, особенно когда оно не похоже на жизнь.

В конце XIX века появилось абстрактное искусство, мало напоминающее окружающий мир. Художники стали пользоваться необычными материалами, цветами и формами. Они экспериментировали, проверяя реакцию зрителей.

Так изменилось понимание того, что хорошо и что плохо в искусстве.

Изобразив фейерверк туманной ночью, Джеймс Эббот Макнил Уистлер хотел скорее передать атмосферу, чем узнаваемые детали.

Художественный критик Джон Рёскин был в ужасе. Он сказал, что это не искусство, и обвинил Уистлера в том, что он «запустил краской прямо в лицо публике».

Слова Рёскина имели большой резонанс. Но с тех пор мнения изменились. Сегодня Уистлер считается великим художником.

Джунгли Руссо не выглядят реалистичными. Значит ли это, что перед нами плохая работа?

Чтобы научиться рисовать, Руссо копировал книжные иллюстрации. Дикие деревья и растительность — это увеличенные до гигантских размеров растения в горшках. Тщательно нарисовав каждый листок и упростив тигра, Руссо сделал свою картину похожей на коллаж. Богатые краски, темные и яркие тона добавляют ей нереальности.

Пикассо очень нравился этот примитивный стиль, он назвал его «наивным искусством».

Поль Гоген считал, что его искусство не требует глубоких размышлений. Он пользовался насыщенными красками и четкими формами, создавая атмосферу. Живопись Гогена походит на разноцветные витражи. Сначала она не нравилась публике из-за своей нереалистичности, но теперь у его работ множество поклонников.

Как можно выставить писсуар и сказать, что это произведение искусства? В 1917 году именно так поступил Марсель Дюшан. Все, кто это видел, были потрясены.

Дюшан заявил, что художник может пользоваться готовыми вещами и что искусством правят идеи. Он хотел, чтобы люди по-новому смотрели на предметы и ценили оригинальные идеи больше, чем мастерство».

Комментарий

Автор вспоминает курьезный случай, когда критик Джон Рёскин решил, что современное ему искусство перестало быть искусством. В частности, он написал следующее: «Я никогда не ожидал увидеть шута, который просит двести гиней за то, что он плеснул ведро краски в лицо публике». Кстати, в ответ Уистлер подал на него в суд — и выиграл, хотя и вконец разорился. На дворе был 1877 год.

Сегодня этот вопрос стал еще более острым. Со времен Дюшана определение искусства только расширилось и фактически включает в себя все то, что художник создает, а музеи и галереи готовы показывать. Это значит, что в оценке качества искусства мы должны полагаться на тех самых экспертов из музеев и галерей, то есть в конечном счете — на вкус отдельных людей. Что же делать с нашим собственным вкусом? Главная задача современного искусства — быть актуальным, то есть говорить на языке сегодняшнего дня и о волнующих всех проблемах. Хорошее искусство должно задеть каждого вдумчивого зрителя, потому что оно рассказывает о нем — времени, в котором он живет, страхах и надеждах, неуверенности в будущем, любви и ненависти. Как быть, если оно оставляет вас равнодушным? Единственный разумный выход, который остается и именитым критикам, и простым посетителям музеев, — внимательно изучить жизнь художника, разобраться с тем, отчего его показывают в музее. И тогда мы получим ответ на вопрос, почему этот художник хороший: потому что он изменил мир.

Издательство «Ад Маргинем Пресс», Москва, 2017, перевод А.Соколинской

Самые дорогие картины мира. Это просто «Крик» – Москва 24, 27.11.2017

В середине ноября арт-рынок поставил очередной рекорд. Картину кисти Леонардо да Винчи продали дороже 450 миллионов долларов. Почему искусство стоит так дорого и как устроен этот рынок, рассказали порталу Москва 24 искусствоведы.

1. «Спаситель мира» – $450.300.000

Леонардо да Винчи, «Спаситель мира». Около 1500 г.

Картину Леонардо да Винчи «Спаситель мира» продали на аукционе Christie’s 15 ноября 2017 года за рекордные $450,3 миллиона (премия аукциона – $50 миллионов). В истории картины много неясного. Известно, что она была создана около 1500 года, входила в коллекцию короля Карла II, а затем перешла в собрание незаконного сына герцога Букингемского. Далее картина на время исчезла из поля зрения коллекционеров и неожиданно объявилась вновь уже в XX столетии, когда ее выставили на торги в 1958 году. В 2005 году полотно появилось еще на одном аукционе и было изучено специалистами. Тот факт, что картина, по всей вероятности, принадлежит кисти самого Леонардо да Винчи, был установлен в 2011 году.

Искусствовед Мария Ревякина: “Мне бы хотелось развести два понятия − искусство и арт-бизнес. Арт-бизнес – явление достаточно молодое, он начал интенсивно развиваться в XX веке. По сути, произведения искусства только тогда и начали стоить так дорого. Они получили инвестиционное значение, чего раньше не было”.

XX век характерен появлением ряда финансовых институтов, которые помимо традиционных объектов залога, таких как недвижимость, стали принимать предметы искусства.

2. «Алжирские женщины (Версия О») – $179.400.000

Пабло Пикассо, «Алжирские женщины (Версия О)». 1955 г.

«Алжирские женщины» – серия из 15 картин и рисунков испанского художника Пабло Пикассо. На создание серии художника вдохновило полотно 1834 года французского живописца Эжена Делакруа «Алжирские женщины в своих покоях». Последняя и самая знаменитая картина серии Пикассо называется «Версия O». В мае 2015 года картина стала самой дорогой в мире на тот момент. Ее продали за $179,4 миллиона.

Мария Ревякина: “Искусство – это способ коммуникации, наличие и многогранность которой во многом определяет уровень развития общества. Произведение искусства отличает от посредственного продукта бизнеса его способность вступать в коммуникацию со зрителем, нести культурно-смысловую нагрузку”.

Наши внутренние переживания и состояния имеют тонкие оттенки и полутона, а палитра чувств и эмоций, которую можно выразить вербально, гораздо скуднее той, что нам предлагает, например, живопись. Подобные эмоциональные послания очень хорошо читаются в произведениях абстракционистов, и необязательно быть специалистом, хорошо разбирающимся в искусстве, чтобы воспринимать их.

3. «Три наброска к портрету Люсьена Фрейда» – $142.400.000

Фрэнсис Бэкон, «Три наброска к портрету Люсьена Фрейда». 1969 г.

Триптих Фрэнсиса Бэкона «Три наброска к портрету Люсьена Фрейда» в ноябре 2013 года продали на торгах аукционного дома Christie’s в Нью-Йорке за $142,4 миллиона. Картина была самой дорогой в мире для открытых торгов по май 2015 года.

Старший научный сотрудник Научно-исследовательской независимой экспертизы (НИНЭ) имени П. М. Третьякова Екатерина Пономаренко: “В мире арт-бизнеса оборот картин идет по разным каналам. Во-первых, через аукционные дом, при этом Sothbey’s и Christie’s далеко не единственные. Они на слуху, потому что имеют свои представительства во многих крупных мегаполисах разных стран. Но есть много других уважаемых аукционных домов, которые работают в конкретных регионах”.

4. «Крик» – $119.900.000

Эдвард Мунк, «Крик». 1893 г.

Знаменитую картину норвежского художника Эдварда Мунка «Крик» выставили на торги Sotheby’s в Нью-Йорке 2 мая 2012 года. Американский финансист Леон Блюк приобрел полотно за $119,9 миллиона.

Екатерина Пономаренко: “Далеко не все продажи совершаются через аукционные дома. Кто-то не хочет публичности, а кто-то не хочет платить комиссию аукционному дому”.

Процент берется за воспроизведение вещи в каталоге, за сопровождение сделки. Что касается «Спасителя мира», то аукционный дом снял про картину целый фильм.

Иногда картины продают, основываясь на личном знакомстве, через антикварные галереи, где есть сложившийся круг коллекционеров.

5. «Обнаженная, зеленые листья и бюст» – $106.400.000

Пабло Пикассо, «Обнаженная, зеленые листья и бюст». 8 марта 1932 г.

Картину Пабло Пикассо «Обнаженная, зеленые листья и бюст» неизвестный покупатель приобрел за $106,4 миллиона. Торги Christie’s прошли в Нью-Йорке в мае 2010 года. На тот момент полотно стало самым дорогим произведением искусства, когда-либо проданным с аукциона. На картине изображена возлюбленная художника – Мари-Терез Вальтер.

Екатерина Пономаренко: “В мире искусства подделывают абсолютно всех авторов, не взирая на громкость имени. Распространены подделки, когда на неподписанной картине ставится подпись известного художника. После картину выдают за ранний период творчества, который мало знаком специалистам”.

Таких подделок тем больше, чем ближе к XX веку. Левитан должен был сперва стать известным, его картины должны были поступить во все музеи, и только тогда его картины начинали копировать. В XX веке, когда появляются первые громкие выставки, тут же возникает круг художников, который работает под впечатлением в близком стиле. Это происходило с каждым известным. И у Пикассо были подражатели, и у Мунка были те, кого он вдохновил.

6. «Авария серебристой машины (Двойная катастрофа)» – $105.400.000

Энди Уорхол, «Авария серебристой машины (Двойная катастрофа)». 1963 г.

Картину «Авария серебристой машины (Двойная катастрофа)» известного представителя современного искусства в жанре поп-арт Энди Уорхола продали в ноябре 2013 года за $105,4 миллиона в ходе торгов на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке.

Мария Ревякина: “Сложно говорить о стоимости так называемых вечных ценностей. Насколько мне известно, страховая стоимость «Моны Лиза» − самая большая в мире искусства. В 1962 году страховку на картину оценили в $100 миллионов. По нынешнему курсу страховка превышает $700 миллионов. Опираясь на эту сумму, можно лишь предположить приблизительную стоимость картины, если бы она была выставлена на торги”.

7. «Мальчик с трубкой» – $104.200.000

Пабло Пикассо, «Мальчик с трубкой». 1905 г.

Картина Пабло Пикассо «Мальчик с трубкой» ушла с молотка 4 мая 2004 года на торгах Sotheby’s в Нью-Йорке за $104,2 миллиона. Полотно побило державшийся 15 лет рекорд «Портрета доктора Гаше» кисти Ван Гога. Рекорд «Мальчика с трубкой» продержался шесть лет – до мая 2010 года. Картина, которую 24-летний Пикассо написал в общежитии на Монмартре, относится к розовому периоду творчества художника.

Мария Ревякина: “Если мы говорим о ценообразовании в арт-бизнесе, то монетарная стоимость произведений искусства, особенно признанных мастеров, определяется авторством”.

То есть первостепенное значение имеют бренды. Ими могут стать как отдельные авторы, так и целые направления в искусстве. Например, русские абстракционисты или французские импрессионисты – это тоже бренды.

8. «Дора Маар с кошкой» – $95.200.000

Пабло Пикассо, «Дора Маар с кошкой». 1941 г.

В десятке самых дорогих картин мира − сразу три полотна Пабло Пикассо. Его картину «Дора Маар с кошкой» 3 мая 2006 года продали на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке за $95,2 миллиона. На холсте изображена Дора Маар – еще одна возлюбленная художника.

Мария Ревякина: “Для признания авторства чрезвычайно важна прозрачная история владения картиной, подтвержденная документально. Если произведение искусства, о котором раньше не слышали, которое считалось утраченным или работой другого автора, вдруг появляется на арт-рынке, то необходима его легитимизация. А это уже вопрос договоренностей. Как правило, после экспертизы такую работу выставляют на престижных выставках, после чего уже продают на аукционе, что является дополнительной легитимизацией”.

Большинство специалистов из мира арт-бизнеса подтвердили авторство Леонардо картины «Спаситель мира», в то время как в мире искусства продолжаются споры. Эксперт Карло Педретти, посвятивший изучению творчества да Винчи всю жизнь, отказался подтвердить его авторство.

9. «Портрет Адели Блох-Бауэр II» – $87.900.000

Густав Климт, «Портрет Адели Блох-Бауэр II». 1912 г.

Картину австрийского художника Густава Климта «Портрет Адель Блох-Бауэр II» продали на торгах Christie’s в Нью-Йорке в ноябре 2006 года за $87,9 миллиона. Покупатель сохранил инкогнито.

Мария Ревякина: “Работы не всех периодов в жизни одного и того же автора стоят одинаково. Если какая-то работа слишком отличается от преобладающего в творчестве художника стиля, у нее есть особенности, то это, скорее всего, повлияет на цену”.

У Пикассо были «цветные» периоды, и произведения «розового» периода характеризует более радостное настроение. Например, краски и манера письма, характерные для раннего, так называемого голландского, периода Ван Гога, сильно отличаются от цветовой палитры и характерных мазков, присущих его последующему творчеству.

10. «Оранжевое, красное, желтое» – $86.700.000

Марк Ротко, «Оранжевое, красное, желтое». 1961 г.

На аукционе Christie’s в мае 2012 года за рекордные на тот момент $86,9 миллиона продали картину «Оранжевое, красное, желтое» американского художника Марка Ротко. Сын эмигрантов, родившийся в Российской империи в 1903 году, Ротко – виднейший представитель абстрактного экспрессионизма. Он прославился картинами, состоящими из нескольких цветовых сегментов.

Екатерина Пономаренко: “О продажах в частном порядке нет точных сведений. Поэтому нельзя сказать, что какое-то полотно в частных руках «перебило» публичный рекорд. В целом порядок цен будет таким же. Может быть, чуть дешевле за счет того, что отсутствует состязательный момент торгов”.

В любом случае, когда пытаются сориентироваться, сколько стоит произведение, проверяют по закрепленным за ним продажам по аукционам.

Читайте также

«Спаситель мира» датирован приблизительно 1500 годом и входит в число менее 20 сохранившихся до наших дней работ Леонардо да Винчи. Предыдущий владелец картины? российский бизнесмен Дмитрий Рыболовлев приобрел ее в 2013 году за $127,5 миллиона. Новый владелец сохранил инкогнито.

Аукционный дом Christie’s снял скрытой камерой реакцию зрителей на картину Леонардо да Винчи «Спаситель мира».

Современное искусство: почему «мазня» стоит так дорого

Рынок современного искусства пополняется каждый день, а цены на картины продолжают расти. Но картины — это слишком громко сказано. По мнению большинства, шедевры нового времени больше похожи на мазню. Если так, то возникает вполне логичный вопрос: почему полотно, которое напоминает хаотичные каракули трехлетнего ребенка, выкупают на аукционах за баснословные деньги? И ладно бы это были редкие работы, например Матисса или Ренуара. Но нет же, активно скупается то, что производится сегодня. Конечно, о классике тоже не забывают, уделяя ей должное внимание, но все же отдают чересчур большее предпочтение чему-то новому и непонятному. Мы объясним тебе, почему современное искусство в тренде и зачем за него переплачивать.

Вклад в будущее

Начнем с того, что выясним, кто готов выкладывать за откровенную мазню огромные суммы. Это по большей части люди, у которых денег не счесть: миллиардеры, искусствоведы, потомственные акционеры каких-нибудь крупных компаний. В общем, круг лиц тебе более-менее понятен. Зачем они это делают? Оттого, что им больше некуда деть свои сбережения? Вовсе нет. Как и любые другие предприниматели, эти люди действуют по принципу действенного капиталовложения. Многие сегодня перечисляют свои деньги не только на благотворительность, но еще и на разные стартапы, которые в будущем могут принести им прибыль. Так вот, искусство тоже что-то вроде стартапа. Но как и каждому начинанию, не всем картинам удастся выстрелить, по крайней мере сразу. Может, получится лет через 20—30; возможно, на это уйдет больше времени, а может, и вовсе никогда. Никто не может быть уверенным в том, что не прогорит. Но опытный предприниматель всегда готов к неожиданностям, не так ли?

Исключительность

Но люди готовы переплачивать не только за новую школу, но и за старую, устраивая охоты за картинами супрематиста Малевича или абстракциониста Ротко, чьи работы для многих тогда и сейчас также остаются мазней. Так, например, десять лет назад холст с цветными квадратами и прямоугольниками первого был куплен за 60 миллионов долларов. Люди готовы платить свои деньги за исключительные вещи, которые существуют в единственном экземпляре. Ведь так тешит самолюбие обладание чем-то, что есть только у тебя единственного.

Почём нынче искусство?

Должно быть

В наше время не только картины продолжают появляться каждый день, но и музеи, где их будут хранить. В большинстве своем такие хранилища десятками возникают на Ближнем Востоке, куда шейхи и султаны вывозят европейское искусство. И, естественно, есть фамилии, без которых их музей полноценным считаться не будет. В связи с этим цены на картины этих авторов растут, а ценители с Востока готовы платить столько, сколько с них потребуют, ни капли не смущаясь заявленной суммы, так как то или иное полотно непременно должно быть у них в руках.

Кстати, подобными покупками владельцы музеев и частных галерей выполняют две полезные функции одновременно. Первая — это просветительская, этакий духовный альтруизм по отношению к своим согражданам, благодаря которому они смогут приобщиться к прекрасному. Вторая — рекреационная. Если из подобного музея удастся создать национальную достопримечательность, возрастет приток туристов, желающих приехать и лично на это посмотреть. Как-никак, а страна в долгу не останется.

Новизна

Как ни удивительно, но и этот фактор тоже учитывается. Казалось бы, чем еще можно удивить современного человека? Однако авторы все равно находят новые и новые подходы, набивая цену своим работам за новаторство. И если к картинам за огромные суммы мы привыкли, то в наше время готовы покупать даже фотографии. Даже самые банальные. Так, самой дорогой фотокарточкой на данный момент считается произведение Андреаса Гурски «Рейн 2», которую автору удалось продать за 4,3 миллиона долларов. Чудеса, да и только.

У кого больше?

Как мы уже говорили, большинство из тех, кто собирает произведения искусства, — миллионеры и миллиардеры. Часть из них прекрасно разбирается в том, что покупает, не забывая и о собственных, не только духовных интересах. Другая часть абсолютно ни черта не смыслит в том, что висит перед ними. Однако это не мешает им с удовольствием посещать различные аукционы и выкладывать огромные деньги, которые простому смертному могут показаться глупой выдумкой. Зачем они так делают, если все равно ничего не понимают? Работает соревновательный фактор. Легкое (иногда не очень) соперничество в таких кругах все равно имеется. И главное, как в свое время писал Виктор Пелевин в романе «Generation П», — показать, что денег у тебя больше, чем у твоего конкурента. У Пелевина снимали низкокачественную рекламу. Считалось, что чем реклама хуже и дороже, тем больше будут уважать того, кто за нее платит. Здесь все работает точно так же: чем больше картина выглядит как мазня, тем лучше для того, кто ее купил.

Поэтому, если вдруг ты где-то увидишь картину, которую выставили за большое количество бабла, не спеши брызгать слюной и отворачиваться. Вдруг в твоем кошельке завалялась пара лишних миллионов. Инвестируй в искусство — не прогадаешь.

Почему некоторые картины стоят баснословных денег? — Живопись. Фотография. Дизайн.

Еще в недавнем перечислении девяти мифов о рынке русского искусства был намеренно пропущен десятый — самый распространенный из них и относящийся не только к рынку русского искусства, а к арт-рынку вообще. Нет, речь не про обычную песню «что хорошего в “Черном квадрате”». Но тоже разговор застольный. Сводится он к безапелляционному тезису оппонента, что все эти продажи искусства — торговля воздухом и деньги на ветер. Следовательно, все эти немыслимые аукционные цены — это непременно пузырь, обман, и в целом все смахивает на ловкую аферу. Спорить с этим можно до хрипоты. Убежденный носитель житейской мудрости никогда не согласится, что за картину (пусть даже самую расчудесную) человек в здравом рассудке может заплатить несколько сотен миллионов долларов. Попробуйте кому-нибудь ради интереса объяснить, что важная для истории искусства фотография может стоить под 5 миллионов долларов, как многоквартирный дом в Москве. А шедевр Сезанна — как 25 таких домов, то есть целый городской квартал. То-то. Тем не менее попробую. Так, чтобы было понятно.

О «торговле воздухом» и «деньги на ветер» рассуждать скучно. Тут многое познается в сравнении. Для одних купить Матисса означает купить «воздух», а для других, условно, Басков на частную вечеринку — удачное приобретение. Приходится сравнивать вечное с модным. Как тут объяснить, что работа Матисса переживет века, а имя ее владельца тоже сохранится в истории? По меньшей мере, о нем будут упоминания в строчках публикуемого провенанса и в переиздаваемых каталогах. А вот имена «королей вечеринок» вряд ли ждет эта участь.

Начну с того, что баснословные цены — удел не многих и очень непростых картин. Платят не за холст, краски и умение «изображать как в жизни» (это как раз уже не имеет значения). Охота на шедевры — это поиск предметов, служащих воплощением прорывных идей, апофеозом новаторства, свидетельством переломных событий в истории художественной мысли. Никому не нужен фигуративный ранний Мондриан или экспрессионизм раннего Ротко. Коллекционеры требуют их новаторского неопластицизма и пульсирующих цветовых абстракций. А будь у кого шанс приобрести на аукционе «Черный квадрат» Малевича, то покупатели бились бы заведомо не за схематичный, довольно небрежно написанный холст. Боролись бы они за революционную вещь, икону авангарда, определившего развитие живописи XX века. И стоил бы этот неаккуратно написанный первосимвол новой религии в искусстве больше сотни миллионов долларов.

ПОЛЬ СЕЗАНН. Игроки в карты. Около 250 млн. долл.

Скептикам, сомневающимся в оправданности цен на шедевры, стоит обратить внимание, что они устанавливаются не в тихих кабинетах, а на аукционах, в реальной публичной борьбе, при высочайшем уровне состязательности. Иногда речь идет о десятках аукционных шагов. То есть установившаяся цена, как правило, объективна. Это вам не госзакупки с псевдотендерами. Это устойчивый рынок.

И тем не менее, почему выдающиеся картины стоят так дорого? Вот лишь несколько возможных причин:

1. Инвестиции в долгосрочный «суперактив». Обычным людям, с горизонтом планирования 1–3 года это сложно понять. Но владельцы состояний, их трасты и «семейные офисы» порой вынуждены думать на 20–50, даже 100 лет вперед. А ведь там, за горизонтом вообще ничего не просчитывается — полная неопределенность. Сохранится ли роль золота? Большой вопрос, скорее нет. Что будет с нефтью, питьевой водой да и вообще с картой мира? Что можно будет передать правнукам? И так сплошные вопросы. Но, оглянувшись назад, можно вспомнить, что человечество всегда брало с собой в будущее. Знания и искусство. Мир будет сильно меняться, но вряд ли потомки кардинально пересмотрят значение Тициана, Сезанна, Малевича. Поэтому шедевры многими сегодня рассматриваются как долгосрочное средство сбережения, некий «суперактив» для вложений капитала.

КАЗИМИР МАЛЕВИЧ.  Супрематическая композиция. 1915-16.

2. Исключительная редкость. В ноябре 2008 года «Супрематическая композиция» Казимира Малевича была продана на Sotheby’s за 60 миллионов долларов и заняла второе место в списке самых дорогих произведений русских художников. Ошеломительный результат? Отнюдь. Если бы не навалившийся финансовый кризис, то работа могла бы уйти и за 100 миллионов. Оставим в стороне патетику (понятно, что супрематизм Малевича — изобретение, изменившее историю мирового искусства в XX веке) и сосредоточимся на материале. Живопись Малевича в частных руках вся наперечет, и работы подобного класса могут появиться на рынке только в результате исключительных событий. Так, эту «Супрематическую композицию» и еще две работы в стиле супрематизма отсудили у голландского музея Стеделийк наследники художника в результате сложного реституционного спора. То есть потенциально на рынке могут появиться еще две вещи сопоставимого уровня, но когда это произойдет? Может, через 10 лет, может, через 20, а может, через 100. Равно как и единственная версия «Крика» Эдварда Мунка в частных руках, «Портрет Адели Блох-Бауэр II» Густава Климта и другие уникальные вещи. Вот и ответ: покупатели готовы платить баснословные суммы за шедевры исключительной редкости.

3. Плата за роль достопримечательности (источник прибыли). Шедевры не только дорожают сами по себе, но и могут быть источником прибыли. Они выполняют функцию достопримечательности, привлекают туристические потоки. Сегодня растет доля и значение культурного туризма, в престижные музеи стоят очереди. В мире появляются новые искусственно создаваемые центры культурного туризма — например, на Ближнем Востоке. Чем заманить путешественников? Купить шедевры. За любые деньги. Уверен, что немало людей готовы съездить посмотреть «Игроков в карты» Сезанна, купленных королевской семьей Катара примерно за 250 миллионов долларов. Да еще и пиар получился блестящий: такие траты сами себя рекламируют.

Марк Ротко.

4. Искусственное ограничение предложения шедевров. Раз всем понятно, зачем регулировать предложение алмазов на рынке, то почему то же самое не делать с шедеврами? В арт-мире эта схема не самая распространенная, но тем не менее встречающаяся. Если б та же галерея «Мальборо» выбросила на рынок все свои запасы экспрессиониста Френсиса Бэкона, то можно представить, что произошло бы с ценами. Коль скоро этого не происходит, то все предсказуемо растет, что в целом всех устраивает.

5. Фактор must — «обязано быть». Коллекционер, конечно, может потерпеть без новаторских абстракций Ротко. А вот музею современного искусства, претендующему на мировую известность, без Ротко нельзя никак. Равно как и без Бэкона, и без Фрейда, и без многих других столпов. Без этого придется смириться с локальным или даже провинциальным статусом. Сегодня мы переживаем период возникновения новых амбициозных музеев: на Ближнем Востоке они уже создаются, а там и Китай подтянется. Всем им нужны серьезные закупки. А вещей, как мы помним, не так уж много. Так, в прошлом году на аукционы выставлялось лишь пять живописных абстракций Ротко. Три из них были проданы за десятки миллионов долларов. Причем одна обновила очередной мировой рекорд. И это повторяется почти все последние годы: цены на важные абстракции Ротко продолжают расти.

АНДРЕАС ГУРСКИ.  Рейн II. Самая дорогая фотография. В 2011 году продана за 4,3 миллиона долларов.

6. Наценка за новаторство. Если миллионные цены импрессионистов и старых мастеров большинство внутренне готово принять, то современная фотография за 3 миллиона долларов — это за рамками его понимания. А ведь таких примеров уже не мало. Самая дорогая фотография на сегодняшний день — это «Рейн II» Андреаса Гурски, проданная в 2011 году на Christie’s за 4,3 миллиона долларов. До этого аукционный рекорд для фото составлял 3 миллиона долларов. Его делили снимок «99 центов» того же Гурски и «Ковбой» Ричарда Принса. Но почему? Вероятно, в значительной степени речь идет о премии за новаторство. Ричард Принс считается изобретателем и идеологом Appropritation Art — «художественного заимствования». Так, фотография за 3 миллиона долларов получилась, когда Принс переснял из журнала чужое фото ковбоя в рекламе сигарет «Мальборо». Такого еще не было. Иногда использование чужих фото приводило к неприятностям, но как говорят в России: «Наглость — второе счастье». Смелый художественный жест получил признание искусствоведов и коллекционеров, а цены на работы художников-новаторов уже привычно бьют миллионные отметки.

7. Конкуренция амбиций. Еще в 2010 году в мире насчитывалось почти 11 миллионов миллионеров. То есть тех, у кого миллионы не последние — без учета машин, недвижимости, имущества. 11 миллионов человек — это больше, чем все население Греции, сравнимо с населением Москвы. Даже если методика учитывала только легальные состояния, то цифра впечатляет. Ошибкой было бы считать, что хотя бы пятая часть из них интересуется искусством. Думаете, что оставшимся не за что побороться на несчастном аукционном рынке? На том, на котором в год выставляется лишь пять абстракций Ротко?

РИЧАРД ПРИНС.  Ковбой. 2001–2002. Фотография. 254 x 169.

Список причин, по которым за картины платят многие миллионы долларов, конечно, не исчерпывается этими семью. Есть еще пружина отложенного спроса (Россия, Китай и др.), когда коллекционеры в новых политических условиях словно с цепи срываются. Бывают заведомо фиктивные сделки, раскрутка, манипулирование ценами, но это уже больше на уровне нюансов и общую картину вряд ли искажает. В основном же все объясняется проще: слишком большое количество денег охотится за малым количеством уникального товара, способного пережить века, не растеряв своей ценности. И побеждать в этом соревновании приходится, предлагая безумные ставки.

Владимир Богданов, AI

«Почему картины Ротко такие дорогие?» – Яндекс.Кью

Сколько вообще должна стоить картина? Если составлять прайс-лист живописи исходя из характера изображенного, сколько будет стоить картина с одной полоской? Двумя? Лошадью? Быки — дороже коров, или так же? Если на картине три человека — считать стоимость по головам, или брать как за группу? Кто дороже — Дева Мария, или Христос, изгоняющих торгующих из храма?

Если вопрос о деньгах, то он решается просто: азы экономики говорят нам, что вещи стоят ровно столько, сколько люди готовы за них платить. Если же вопрос о картинах… ну, поговорим о картинах.

Когда Ротко только начинал заниматься живописью, рынка искусства в сегодняшнем виде в принципе не существовало. Это были первые послевоенные годы, ранний энтузиазм первых меценатов начала века уже смыло Великой Депрессией, и американские художники были предоставлены целиком себе — в стране, которая по их соображениям не имела ни своей традиции, ни своей мифологии, ни культуры. Художников никто не знал. Галереи исчислялись единицами, аудитория единственной колонки об искусстве в NYT составляла может быть человек сто. Нельзя было даже убедительно сформулировать, что теперь нужно писать: старые парадигмы давно отошли, уступив место европейскому авангарду, но консервативная реакция подкосила и авангард.

Сейчас — есть рынок, критики, теория, и далее по списку. Десятки статей пишут по поводу продажи каждой картины, и почти ничего не пишут о самих картинах. Как будто все знают, что на них изображено. Как будто с тем, почему одна картина работает, а другая нет, все давно разобрались. Как будто картины оцениваются в связи с каким-то прайс-листом.

На самом деле, если бы все вдруг выяснили, что именно изображено на картинах Ротко… В общем, это была бы совсем другая история. Но это же сложно — за чужим кошельком рассмотреть картину. Да?

В своей знаменитой лекции в Pratt University Ротко говорил, что картины состоят не из холста и масла, а из направленности на смерть и десяти процентов надежды, «чтобы сделать всё немного более терпимым». Это те ингредиенты, которые возвышают её над просто цветом — но не гласно, не очевидно. И хотя картины всё равно изображают цвет, только цвет, ничего не не символизирующий — то опыт чистого восприятия, который этот цвет может дать, больше этого цвета.

Так что Ротко изображал не полоски. Он изображал возможность спасения — через молчание, тишину, смерть. Это та тишина, которую в теперешнем перегруженном утверждениями мире уже почти невозможно найти.

Она бывает синяя, из-под которой кажется желтый. Она бывает красная снизу и сверху, но по-разному красная. Она бывает широкая, ржавая, так что её трудно посмотреть целиком. И она бывает чёрная, совершенно чёрная, но почему-то светящаяся внутри.

Но на картину мало смотреть, нужно на минуту сделать её своей единственной реальностью, кроме которой ничего больше не существует. Перед картиной нужно остановиться, оказаться в отдельном моменте внутреннего молчания, забыть о себе и своих представлениях о себе, о мире, и в том числе и об искусстве, чтобы, возможно, почувствовать или узнать что-то новое, измениться, пережить, вернуться чем-то немного другим. Перед картиной нужно исчезнуть.

Можно конечно списать это всё на синдром поиска глобального смысла — ради бога. Говорят, что искусство субъективно. Что все люди разные. Я не спорю. Люди разные. Разным людям по-разному нужно исчезнуть перед Ротко.

Ну так что — куда это всё засунуть на прайс-листе?

Что делает современное искусство таким дорогим?

Картина маслом без названия В.С. Гайтонде
Источник изображения: LiveMint

Или возьмем случай SH Raza, чьи две картины, Саураштра и Ла Терре, были проданы за рупии. 15,9 крор и рупий 18,8 крор соответственно. Для людей, которые не понимают современное искусство, эти цифры могут сбить с толку. Непрофессионал может спросить, что же такого особенного в этом произведении искусства, что люди готовы платить за него такие высокие суммы.В этой статье мы попытаемся объяснить, почему современное искусство стоит так дорого?

Понимание искусства

Прежде чем мы поговорим конкретно о современном искусстве, давайте разберемся, что такое искусство? Проще говоря, искусство — это выражение творчества и воображения для создания произведения, которое ценится за его красоту и эмоциональную силу. По словам американского писателя Соула Беллоу: «Искусство как-то связано с достижением тишины в разгар хаоса». Таким образом, искусство — это все, что позволяет любому из наших чувств (например, визуальному или слуховому) чувствовать себя хорошо.
В искусстве современное искусство — это то, что создано недавно и является искусством сегодняшнего дня. Цель современного искусства — увидеть мир с новой точки зрения и оставить в стороне традиции прошлого. Как и классическая музыка, и современная музыка, искусство можно считать традиционным или современным. Многие люди особенно удивлены высокой ценностью современного искусства. Хотя большинство людей понимают, почему картины Пабло Пикассо или Винсента Ван Гога так дороги, они часто задаются вопросом, почему современное искусство относительно менее известных художников так дорого.

Как работает ценообразование современного искусства?

Эстетическая и эмоциональная привлекательность: На цену произведения искусства огромное влияние оказывают его эстетика и эмоции, которые он передает. Там нет цены на эмоциональное удовлетворение и удовольствие, и люди готовы платить абсурдные суммы за то, что может вызвать сильные эмоциональные реакции. Это относится ко всем видам искусства, включая современное искусство.

Спрос и предложение: Необходимо понять, как принцип спроса и предложения вступает в силу в ценообразовании современного искусства.Если художник умер, дефицит является ключевым движущим фактором для ценообразования. Это частично объясняет, почему картины таких художников, как В. С. Гайтондэ (1924-2001) или Дж. Сваминатан (1928-1994), продаются по высоким ценам. Для живых художников другие факторы влияют на оценку их работ. Некоторые художники, например, создают очень ограниченные произведения искусства, поэтому требуют более высокой цены.

Обширный маркетинг: Как и во всех других областях, в ценообразовании современного искусства есть маркетинговый аспект.Дилеры, художники и аукционные дома тратят огромные суммы на продвижение произведений искусства и формирование восприятия будущей стоимости. Если произведение художника помещается в популярные журналы или входит в состав известных коллекций произведений искусства, оно получает внешнюю проверку. Например, если четыре разных винных эксперта одобрили винтажную бутылку вина, она автоматически воспринимается как более ценная. Помимо продвижения, художественные галереи и дилеры также служат вкусовыми агентами для широкой аудитории, что также помогает в маркетинге.

Репутация художника: Искусство, как и все другие предметы, очень ценится по отношению к другим произведениям искусства. Последние аукционные цены влияют на цену современного искусства. Так, например, если работа художника принесла огромное количество, другие работы этого художника также будут восприняты как ценные. И как только художник становится брендом, небо — это предел для того, чтобы ценить свою работу.
Существует старая история об известном английском художнике Дэмиене Херсте, которая объясняет это явление.А.А. Гилл, продовольственный критик Sunday Times London, однажды купил портрет Сталина, сделанный художником-коммунистом. Когда он попытался продать картину Christie’s, они отказались от нее, поскольку не хотели быть связаны со Сталиным. Однако, когда Джилл спросил их, что если это была работа Херста, они ответили, что обязательно ее купят. Джилл позвонил Херсту, который внес некоторые незначительные изменения в картину с помощью маркировочной ручки и подписал ее. Впоследствии Christies был готов заплатить до 20 000 фунтов за ту же картину, которую они не интересовали несколько дней назад.

Инвестиционная ценность: Многие люди покупают искусство как инвестицию, и не обязательно из-за своей страсти к искусству или хобби. Это особенно верно в таких странах, как Индия и Китай. Банки, дилеры предметов роскоши и часовые компании — это некоторые игроки, которые рассматривают искусство как актив. Опять же, это повышает цены на искусство, потому что люди платят за него, имея в виду некоторую предполагаемую ценность в будущем.

Социальный статус: Многие люди также рассматривают искусство как символ статуса и ворота к гламурному образу жизни.Существует большое количество художественных ярмарок, аукционов и мероприятий с вечеринками, и богатые и знаменитые считают это престижным статусом для участия в таких мероприятиях. Более того, инвестирование в искусство также позволяет богатым заявить о своей покупательной способности и стать притчей во языцех. Существует также фактор эксклюзивности с искусством. Миллиардеры могут купить много яхт или спортивных автомобилей, но они могут купить только несколько картин Гайтонде или Раза.

Брендинг: Подобно тому, как Louis Vuitton или Gucci являются известными модными брендами, так и брендинг играет роль при покупке современного искусства.Например, Tyeb Mehta — это огромный бренд. И если вы покупаете Tyeb Mehta у другого популярного бренда, такого как Christie’s или Sotheby’s, это говорит о многом о личности покупателя. Как и в случае с другими предметами, брендинг побеждает художественную или эстетическую привлекательность объекта. Таким образом, люди готовы платить премию за сумку Louis Vuitton или автомобиль Rolls Royce просто за бренд, независимо от того, довольны ли они им или нет.

Заключительные мысли:

Таким образом, существует несколько факторов, которые влияют на ценообразование современного искусства.В следующий раз, когда вы услышите картину, проданную за астрономическую сумму, помните, что не только искусство делает его таким дорогим.

Почему часы Rolex такие дорогие?

Задумывались ли вы, почему Rolex так дорого? Эти швейцарские роскошные часы являются одним из самых популярных брендов в мире. Они являются предметом зависти одних и обязательными часами для других. Но вы когда-нибудь задумывались, почему именно они требуют такой высокой цены? Что делает их лучше?

В конце концов, разве они не являются обычными часами с «классической» разметкой? Оказывается, вы платите не только за имя, но и за «время» мастера в каждой модели.

Мы более подробно рассмотрим часы Rolex в целом и одну деталь в частности, подводную лодку Rolex. Сегодня мы укажем на редкие тонкости, и, следовательно, поможем оправдать цену, но, конечно, вы будете судить об этом. Только время покажет … Мы также надеемся, что к концу статьи вы вполне можете спросить: «На самом деле, почему они такие дешевые?»

Разборка ценника

Во-первых, если вы хотите узнать, почему бренд так дорог, вы можете посмотреть демонстрацию демонтажа Rolex Submariner.Видео показывает тонкости, связанные с изготовлением часов в изысканных деталях.

Демонстрацию, конечно же, выполняет профессиональный часовщик, который тщательно разбирает часы с большим мастерством. Само собой разумеется, если вам не удалось получить один бесплатно, вы не должны попробовать это дома.

Как видите, «часы» часов сильно отличаются от тех, которые вы можете получить от рождественского крекера. В буквальном смысле это произведение искусства, состоящее из сотен или даже тысяч отдельных частей.В этом смысле Rolex можно сравнить с винтажными часами, такими как Patek Philippe.

Как бы ни было интересно это видео, достаточно ли ответить на вопрос «Почему Rolex такой дорогой?» Если это не так, давайте немного углубимся в то, что связано с созданием одного Rolex.

Могут ли они оправдать стоимость, правда?

Хотя часы Rolex требуют высокой цены, вам, скорее всего, будет трудно найти другой продукт с таким же уровнем качества в каждом экземпляре.Это интересный факт и хорошая причина для человека, чтобы купить его. Несмотря на то, что со временем Rolex приобрела имя как качество, так и престиж, они, как правило, производят механические часы, которые по своей природе невероятно трудоемки в производстве.

Механические часы, а не только Rolex, обычно стоят дороже из-за характера продукта. Существуют различные причины, по которым Rolex такой дорогой, давайте посмотрим.

1.Часы Rolex стоят дорого для дизайна

Часовое дело — сложная профессия, и эти модели — лучший пример. У часов Rolex очень высокая собственная стоимость разработки в области дизайна и мастерства. Не только стоит дорого разработать конструкцию механизмов и собрать их, но и материалы, используемые в реальной конструкции, также недешевы.

У Rolex даже есть собственный отдел исследований и разработок, а также несколько. Это хорошо оборудованные и высокопрофессиональные объекты.Они тратят свое время на разработку более эффективных методов производства, а также новых технологий, чтобы идти впереди.

Они даже используют некоторые очень сложные и чувствительные части набора, такие как электронные микроскопы и газовые спектрометры. Поскольку детали могут быть довольно маленькими, очень важно, чтобы используемые материалы соответствовали поставленной задаче. Их комната стресса проверяет отдельные части на буквальное разрушение.

Источник: Али Резвани / Wikimedia Commons

2.Механические часы дороги в сборке

Механические часы

тоже не самые дешевые вещи. Из-за небольшого размера большинства деталей при сборке и изготовлении наблюдается высокий процент отказов.

Большинство из них даже отполированы и обработаны вручную. Кроме того, учтите, что они производятся в Швейцарии с ее высокими затратами на рабочую силу, и вы должны начать понимать их «накладные расходы».

3. Никаких расходов не обошлось

Мистер Хаммонд из Ингена покраснел бы на всю длину Rolex, создавая одиночные часы.Материалы очень дорогие. Rolex, например, имеет тенденцию использовать сталь 904L, которая на лиги опережает даже большинство аналогов роскошного рынка. Они, как правило, используют сталь 316L.

Это делает их сложнее, блестящими, а также более дорогими по умолчанию. Циферблаты, как правило, изготавливаются из белого золота, а безель, как правило, из керамики. Сами числа имеют тенденцию быть Пескоструйной платиной.

4. Rolex — это «уроды управления»

Как уже упоминалось, и доказательство положительного (так сказать) при обращении с одним, качество их не имеет себе равных.Когда вы сравниваете одного со своими конкурентами, такими как Tag Heuer или Omega, они стоят на «вершину».

СВЯЗАННЫЕ: 9 БОЛЬШИХ ЧАСОВ ДЛЯ КАЖДОГО ИНЖЕНЕРА ДОБАВИТЬ В ИХ КОЛЛЕКЦИЮ

Очевидно, что они хотя бы стоят ценника. Они также очень хорошо держат свою стоимость на рынке перепродажи, если, конечно, они являются подлинными. Rolex производит от 800 000 до 1 миллиона ручных часов в год.

Каждая часть производственного процесса контролируется качеством, как и следовало ожидать от предмета роскоши.Rolex даже контролирует плавление драгоценных металлов, таких как золото и серебро, которые используются в их продуктах.

Но, как и любая система контроля качества, она может иногда выходить из строя.

Кроме того, их символ имеет очень интересное происхождение.

Действительно невероятно.

Источник: Николас Рэй / Wikimedia Commons

Часы Rolex не всегда были дорогими

Хотя в 50-х годах они были не такими дорогими, с годами их цена начала расти, и вскоре они стали одними из самых дорогих часов в мире.

Краткая история в описании видео гласит:

«Впервые представленный публике в 1953 году, подводный компьютер Rolex был водолазными часами для всех. Обращаясь как к профессиональным, так и к любителям дайвинга, подводник установил стандарт для категории, его доступность и непревзойденная практичность. Rolex также разработал версии без хронометра. Подводника, который был еще более доступным, заплатив за это примерно две недели ».

Последнее слово

Итак, поехали.Несмотря на их огромный ценник по сравнению с другими часами, вы платите гораздо больше, чем кажется на первый взгляд. Часы Rolex — это не просто практический объект, это буквальное слияние инженерного искусства и часового искусства.

Коллекционеры

просто обожают эту марку и платят много денег за ее ношение. На самом деле, Rolex Daytona держит рекорд самых дорогих наручных часов, проданных на аукционе. Часы из нержавеющей стали принадлежали Полу Ньюману и были проданы на аукционе Phillips в Нью-Йорке за 17 долларов.8 миллионов превзошли предыдущий рекорд Бао Дай Ролекса (5 миллионов долларов) и Патека Филиппа (11 миллионов долларов). Rolex Пола Ньюмана — просто пример того, насколько особенным и крутым является этот бренд.

Итак, чтобы ответить на вопрос «Почему Rolex такой дорогой?», Люди должны понимать и ценить качество изготовления, материальные затраты и время, затрачиваемое на каждую деталь. Но что более важно, вы были убеждены?

Через: Rolex , WatchFinder

,