Понедельник , 26 Июль 2021

Почему картины стоят так дорого: Почему некоторые картины стоят баснословных денег?

Содержание

Почему некоторые картины стоят баснословных денег?

Любят же наши люди порассуждать, что продажа искусства сродни «торговле воздухом». Следовательно, все эти немыслимые аукционные цены — это непременно пузырь, обман, афера. ARTinvestment.RU постарается поколебать этот предрассудок

В недавнем перечислении девяти мифов о рынке русского искусства был намеренно пропущен десятый — самый распространенный из них и относящийся не только к рынку русского искусства, а к арт-рынку вообще. Нет, речь не про обычную песню «что хорошего в “Черном квадрате”». Но тоже разговор застольный. Сводится он к безапелляционному тезису оппонента, что все эти продажи искусства — торговля воздухом и деньги на ветер. Следовательно, все эти немыслимые аукционные цены — это непременно пузырь, обман, и в целом все смахивает на ловкую аферу. Спорить с этим можно до хрипоты. Убежденный носитель житейской мудрости никогда не согласится, что за картину (пусть даже самую расчудесную) человек в здравом рассудке может заплатить несколько сотен миллионов долларов. Попробуйте кому-нибудь ради интереса объяснить, что важная для истории искусства фотография может стоить под 5 миллионов долларов, как многоквартирный дом в Москве. А шедевр Сезанна — как 25 таких домов, то есть целый городской квартал. То-то. Тем не менее попробую. Так, чтобы было понятно.

О «торговле воздухом» и «деньги на ветер» рассуждать скучно. Тут многое познается в сравнении. Для одних купить Матисса означает купить «воздух», а для других, условно, Басков на частную вечеринку — удачное приобретение. Приходится сравнивать вечное с модным. Как тут объяснить, что работа Матисса переживет века, а имя ее владельца тоже сохранится в истории? По меньшей мере, о нем будут упоминания в строчках публикуемого провенанса и в переиздаваемых каталогах. А вот имена «королей вечеринок» вряд ли ждет эта участь.

Начну с того, что баснословные цены — удел не многих и очень непростых картин. Платят не за холст, краски и умение «изображать как в жизни» (это как раз уже не имеет значения). Охота на шедевры — это поиск предметов, служащих воплощением прорывных идей, апофеозом новаторства, свидетельством переломных событий в истории художественной мысли. Никому не нужен фигуративный ранний Мондриан или экспрессионизм раннего Ротко. Коллекционеры требуют их новаторского неопластицизма и пульсирующих цветовых абстракций. А будь у кого шанс приобрести на аукционе «Черный квадрат» Малевича, то покупатели бились бы заведомо не за схематичный, довольно небрежно написанный холст. Боролись бы они за революционную вещь, икону авангарда, определившего развитие живописи XX века. И стоил бы этот неаккуратно написанный первосимвол новой религии в искусстве больше сотни миллионов долларов.

Скептикам, сомневающимся в оправданности цен на шедевры, стоит обратить внимание, что они устанавливаются не в тихих кабинетах, а на аукционах, в реальной публичной борьбе, при высочайшем уровне состязательности. Иногда речь идет о десятках аукционных шагов. То есть установившаяся цена, как правило, объективна. Это вам не госзакупки с псевдотендерами. Это устойчивый рынок.

И тем не менее, почему выдающиеся картины стоят так дорого? Вот лишь несколько возможных причин:

1. Инвестиции в долгосрочный «суперактив». Обычным людям, с горизонтом планирования 1–3 года это сложно понять. Но владельцы состояний, их трасты и «семейные офисы» порой вынуждены думать на 20–50, даже 100 лет вперед. А ведь там, за горизонтом вообще ничего не просчитывается — полная неопределенность. Сохранится ли роль золота? Большой вопрос, скорее нет. Что будет с нефтью, питьевой водой да и вообще с картой мира? Что можно будет передать правнукам? И так сплошные вопросы. Но, оглянувшись назад, можно вспомнить, что человечество всегда брало с собой в будущее. Знания и искусство. Мир будет сильно меняться, но вряд ли потомки кардинально пересмотрят значение Тициана, Сезанна, Малевича. Поэтому шедевры многими сегодня рассматриваются как долгосрочное средство сбережения, некий «суперактив» для вложений капитала.

2. Исключительная редкость. В ноябре 2008 года «Супрематическая композиция» Казимира Малевича была продана на Sotheby’s за 60 миллионов долларов и заняла второе место в списке самых дорогих произведений русских художников. Ошеломительный результат? Отнюдь. Если бы не навалившийся финансовый кризис, то работа могла бы уйти и за 100 миллионов. Оставим в стороне патетику (понятно, что супрематизм Малевича — изобретение, изменившее историю мирового искусства в XX веке) и сосредоточимся на материале. Живопись Малевича в частных руках вся наперечет, и работы подобного класса могут появиться на рынке только в результате исключительных событий. Так, эту «Супрематическую композицию» и еще две работы в стиле супрематизма отсудили у голландского музея Стеделийк наследники художника в результате сложного реституционного спора. То есть потенциально на рынке могут появиться еще две вещи сопоставимого уровня, но когда это произойдет? Может, через 10 лет, может, через 20, а может, через 100.

Равно как и единственная версия «Крика» Эдварда Мунка в частных руках, «Портрет Адели Блох-Бауэр II» Густава Климта и другие уникальные вещи. Вот и ответ: покупатели готовы платить баснословные суммы за шедевры исключительной редкости.

3. Плата за роль достопримечательности (источник прибыли). Шедевры не только дорожают сами по себе, но и могут быть источником прибыли. Они выполняют функцию достопримечательности, привлекают туристические потоки. Сегодня растет доля и значение культурного туризма, в престижные музеи стоят очереди. В мире появляются новые искусственно создаваемые центры культурного туризма — например, на Ближнем Востоке. Чем заманить путешественников? Купить шедевры. За любые деньги. Уверен, что немало людей готовы съездить посмотреть «Игроков в карты» Сезанна, купленных королевской семьей Катара примерно за 250 миллионов долларов. Да еще и пиар получился блестящий: такие траты сами себя рекламируют.

4. Искусственное ограничение предложения шедевров. Раз всем понятно, зачем регулировать предложение алмазов на рынке, то почему то же самое не делать с шедеврами? В арт-мире эта схема не самая распространенная, но тем не менее встречающаяся. Если б та же галерея «Мальборо» выбросила на рынок все свои запасы экспрессиониста Френсиса Бэкона, то можно представить, что произошло бы с ценами. Коль скоро этого не происходит, то все предсказуемо растет, что в целом всех устраивает.

5. Фактор must — «обязано быть». Коллекционер, конечно, может потерпеть без новаторских абстракций Ротко. А вот музею современного искусства, претендующему на мировую известность, без Ротко нельзя никак. Равно как и без Бэкона, и без Фрейда, и без многих других столпов. Без этого придется смириться с локальным или даже провинциальным статусом. Сегодня мы переживаем период возникновения новых амбициозных музеев: на Ближнем Востоке они уже создаются, а там и Китай подтянется. Всем им нужны серьезные закупки. А вещей, как мы помним, не так уж много. Так, в прошлом году на аукционы выставлялось лишь пять живописных абстракций Ротко. Три из них были проданы за десятки миллионов долларов. Причем одна обновила очередной мировой рекорд. И это повторяется почти все последние годы: цены на важные абстракции Ротко продолжают расти.

6. Наценка за новаторство. Если миллионные цены импрессионистов и старых мастеров большинство внутренне готово принять, то современная фотография за 3 миллиона долларов — это за рамками его понимания. А ведь таких примеров уже не мало. Самая дорогая фотография на сегодняшний день — это «Рейн II» Андреаса Гурски, проданная в 2011 году на Christie’s за 4,3 миллиона долларов. До этого аукционный рекорд для фото составлял 3 миллиона долларов. Его делили снимок «99 центов» того же Гурски и «Ковбой» Ричарда Принса. Но почему? Вероятно, в значительной степени речь идет о премии за новаторство. Ричард Принс считается изобретателем и идеологом Appropritation Art — «художественного заимствования».

Так, фотография за 3 миллиона долларов получилась, когда Принс переснял из журнала чужое фото ковбоя в рекламе сигарет «Мальборо». Такого еще не было. Иногда использование чужих фото приводило к неприятностям, но как говорят в России: «Наглость — второе счастье». Смелый художественный жест получил признание искусствоведов и коллекционеров, а цены на работы художников-новаторов уже привычно бьют миллионные отметки.

7. Конкуренция амбиций. Еще в 2010 году в мире насчитывалось почти 11 миллионов миллионеров. То есть тех, у кого миллионы не последние — без учета машин, недвижимости, имущества. 11 миллионов человек — это больше, чем все население Греции, сравнимо с населением Москвы. Даже если методика учитывала только легальные состояния, то цифра впечатляет. Ошибкой было бы считать, что хотя бы пятая часть из них интересуется искусством. Думаете, что оставшимся не за что побороться на несчастном аукционном рынке? На том, на котором в год выставляется лишь пять абстракций Ротко?

Список причин, по которым за картины платят многие миллионы долларов, конечно, не исчерпывается этими семью. Есть еще пружина отложенного спроса (Россия, Китай и др.), когда коллекционеры в новых политических условиях словно с цепи срываются. Бывают заведомо фиктивные сделки, раскрутка, манипулирование ценами, но это уже больше на уровне нюансов и общую картину вряд ли искажает. В основном же все объясняется проще: слишком большое количество денег охотится за малым количеством уникального товара, способного пережить века, не растеряв своей ценности. И побеждать в этом соревновании приходится, предлагая безумные ставки.

Редакция ARTinvestment.RU



Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.

Культурологи рассказали, почему произведения искусства стоят так дорого. И дело не в красоте

Когда мы видим в новостях сюжет о том, что работа современного художника (по нашим ощущениям, мазня, которую и 3-летний ребенок нарисует) ушла на аукционе за $ 300 млн (для сравнения, шикарный особняк Рианны стоит $ 8 млн), у нас возникает резонный вопрос: за что?! Как странная на взгляд обычного человека картина или даже акула в формалине может стоить таких больших денег?

Мы в AdMe.ru попробовали разобраться в этом сложном, полном подводных камней вопросе. А в конце вас ждет бонус, которым будет не стыдно поделиться с друзьями.

В какой момент за произведения искусства стали платить деньгами?

Попробуем сначала понять, в какой период зародились товарно-рыночные отношения вокруг искусства в той форме, в какой они существуют сейчас.

Любые формы творчества в древних цивилизациях, таких как Египет или Месопотамия, либо были привязаны к религии, либо развивались в рамках ремесел. Если на ремесленные произведения еще могла быть фиксированная цена, то в связке «художник — религия» играло большую роль положение в обществе и милость высших лиц. Зачастую художники были служителями богов. Позже в связи с ослаблением влияния религии творческие люди стали больше привязаны к государственному аппарату.

Ситуация начинает меняться в связи с возвышением династий в Европе XVI века. Они начинают меньше зависеть от государя и церкви, зачастую обладают сильным влиянием и владеют немалыми капиталами.

Творениями художников влиятельные династии стараются подчеркнуть свой статус, как в свое время короли. Разница в том, что на художника появляется спрос: если раньше оплачивать его труд могла только монаршая особа, то теперь возникает живая конкуренция — за популярного творца сражаются сразу несколько именитых родов.

Художник становится более независимой личностью, способной обладать своим капиталом, он может соглашаться или не соглашаться на работу и получает возможность ставить свое имя под созданным произведением. Так начинается эпоха авторского искусства.

Почему произведения искусства прошлых веков стоят так дорого и чем определяется цена картины?

Цена произведения искусства всегда складывается из 2 факторов — это материальный облик (само собой, цена полотна Сурикова «Переход Суворова через Альпы», длина которого около 5 метров, и стоимость маленького этюда Левитана заметно отличаются) и контекст, который окружает произведение. Это может быть мода на того или иного автора в момент продажи на аукционе, на определенный стиль и, конечно же, история, связанная с самой картиной.

Например, Ван Гог часто писал подсолнухи, но среди них есть особенная картина, связанная с личной трагедией автора. Поль Гоген гостил у Ван Гога, когда тот писал картину специально для гостиной. Однако художники поссорились, и Ван Гог отрезал себе часть уха.

Это одна из версий, другая же утверждает, что Гоген, блестящий фехтовальщик, случайно отрезал другу верхнюю часть уха. Именно поэтому одна из нескольких похожих друг на друга картин заметно поднялась в цене.

Не менее интересный пример того, как контекст значительно увеличивает стоимость картины, - это ряд историй, связанных с "Данаей" Рембрандта Ван Рейна. Картина хранится в Эрмитаже и никогда не продавалась. Однако если бы ее внезапно решили выставить на торги, она стоила бы рекордную сумму, поскольку считается одной из самых ценных картин в мире. И повлияло на это несколько факторов:

  • Картина была написана в золотой век голландской живописи, а произведения этого периода одни из самых дорогих.
  • Рембрандт писал картину не для продажи, и моделью была его жена Саския. Спустя несколько лет она умерла, и художник нашел себе новую любовь - Гертье Диркс. И перерисовал лицо Данаи так, что оно стало сочетать в себе черты обеих его возлюбленных.
  • Картина пропала на 100 лет и объявилась у Екатерины II в коллекции, которую она начала собирать и хранить в Эрмитаже.
  • После революции 1917 года новое правительство стало распродавать картины из главного музея страны, но "Даная" чудесным образом осталась на месте.

Однако главное событие, повлиявшее на стоимость картины, произошло спустя полвека. 15 июня 1985 года в Эрмитаж зашел неприметный мужчина средних лет, спросил у работниц музея, какая картина тут самая дорогая. Узнав, что это "Даная", он подошел к картине, залил ее серной кислотой и несколько раз ударил ножом. Краска вспузырилась, картина почернела и практически исчезла. Полотно реставрировали 12 лет.

Бывает очень сложно назвать даже примерную стоимость той или иной картины — продажа на аукционе начинается с определенной суммы и может вырасти до небес. Так, например, российский миллиардер Дмитрий Рыболовлев приобрел полотно Леонардо да Винчи «Спаситель мира» за $ 127 млн, а спустя несколько лет продал за $ 450 млн. Начальная цена лота составляла $ 100 млн, после чего увеличилась в 4 раза лишь потому, что за право ей обладать соревновались два покупателя. Кроме того, нужно учитывать, что картин Леонардо да Винчи сохранилось всего около 20.

Различную стоимость имеют произведения, созданные в разные периоды творчества автора. Искусство в современном мире похоже на международную валюту, а главные музеи мира работают по принципу банков, эксплуатируя свой капитал и выпуская сувениры.

Почему произведения современного искусства стоят не меньше картин эпохи Ренессанса?

Отличить, не будучи искусствоведом, современное искусство от того, что им не является, бывает довольно сложно. Анонимные авторы ведут инстаграм под названием «Таджик Ротко», выкладывая фотографии закрашенных граффити. Название проекта неслучайно — оно отсылает к современному художнику Марку Ротко, известному своими монохромными полотнами. А вы видите разницу?

Будет неверным искать в современном искусстве гармонию художественных образов, к которым мы привыкли. Ценность, а следовательно, и цена произведений, складывается из личности и популярности автора, из значения, которое он вложил в произведение, а также из сил и денег, которые были вложены в создание картины, скульптуры или инсталляции.

Например, создание знаменитой композиции «Физическая невозможность смерти в сознании живущего» Дэмьена Хёрста — огромной акулы в баке с формалином, вероятно, потребовало немало сил. Играют роль и ставки на аукционах, как в случае с картиной Леонардо да Винчи, — то есть простое желание покупателя купить за любую сумму. Грубо говоря, зачастую произведение стоит ровно столько, сколько потенциальный владелец хочет за него заплатить.

Несмотря на это кажется безумием, что акула может стоить как картина Эль Греко ($ 13 млн) или шикарный особняк и что кто-то готов покупать подобные вещи. Однако не стоит забывать о том, что предметы искусства — это роскошь и своего рода показатель высокого статуса владельца. Кроме того, для высшего света коллекционирование — это возможность попасть в другой социальный пласт, а также выгодное вложение средств: популярное произведение искусства может каждый год дорожать на 20−25 %.

Чтобы проследить ценообразование, нужно разобрать все факторы, которые окружают само произведение, а также разобрать цепочку, которая связывает художника и покупателя: оценщики, критики, галеристы и так далее.

И ведь не все искусство так дорого! Дорога известность, дороги авторы с мировым именем — точно так же, как певцы и актеры. И практически все известные современные художники начинали с малого.

Бонус: не все авторы поддерживают монетизацию искусства

Петербургские музыканты из группы Shortparis устроили перформанс в продуктовом магазине на одном из проспектов города, чтобы поднять проблему превращения искусства в товар.

Из манифеста Shortparis: «Мы хотели превратить наш концерт в один большой „пир потребления“, смешать группу с обыденными товарами на прилавке. Так как мы, выступая на большой сцене, ощутили, что нам навязывают отношения со зрителями. Расположение и роль группы на сцене показались нам схожими с положением товара на прилавке рынка или в витрине магазина. Все это создавало ощущение неискренности и неестественности. Такие чувства возникли у нас еще перед концертом: его пиар в соцсетях, афиши с ценником — все это напоминало рыночное завлечение покупателей свежевыпеченной группы».

Почему искусство стоит так дорого?

Джексон Поллок, «Номер 4», 1951

На первый взгляд кажется, что рынок искусства работает по абсурдным законам, противоречащим любым правилам здравого смысла. Совершенно неясно, почему абстрактная композиция Джексона Поллока стоит гораздо дороже, чем, например, филигранно проработанный пейзаж Васнецова. И вообще, почему какая-то картина может стоить в десятки раз больше, чем роскошный особняк где-нибудь на Лазурном Берегу? Дело в том, что искусство, в отличие от квартиры, в которой можно жить, автомобиля, на котором можно ездить, и часов, по которым можно следить за временем, не имеет никакого практического значения (опустим шутку про дырку на стене). Искусством можно либо наслаждаться, либо зарабатывать на нем – поэтому арт-рынок играет по собственным правилам.

Что влияет на цену работы?

Марсель Дюшан, «Фонтан», 2011

Ценообразование в сфере искусства устроено вопреки классической формуле «себестоимость + наценка». Да, бриллиантовый череп Дэмиена Херста стоил бы дорого, даже если он продавался бы в ювелирном магазине, а не на арт-аукционе, но вот как быть с «Фонтаном» Марселя Дюшана (обязательно погуглите это произведение искусства). На цену любой работы влияют два крупных фактора: качество арт-объекта и состояние арт-рынка.

Как определить качество искусства?

Здесь в комплексе работают сразу несколько критериев: провенанс работы, ее физическое состояние, эстетическое качество и редкость. То есть единственная, идеально сохранившаяся работа художника Х, имеющая безупречную репутацию, априори будет стоить гораздо дороже, чем поврежденная серийная картина малоизвестного художника Y, которая несколько раз перепродавалась на черном рынке и имеет сомнительную подлинность. Давайте посмотрим детальнее.

Провенанс

С французского «провенанс» дословно переводится как «происхождение». Достоверный источник работы считается важнейшим показателем ее репутации. Как только художник снимает картину с мольберта, начинается ее история. Картину могут продавать, передавать по наследству, дарить музеям, красть, повреждать, скрывать и копировать. Все эти действия – часть провенанса искусства. Прежде чем продавать картину, арт-дилеры и аукционы уточняют ее провенанс, проводя огромное исследование источников, подтверждающее передвижение картины из коллекции в коллекцию. Для этого поднимают архивы, проверяют старинные чеки о продаже и покупке произведений и сверяются с каталогами резоне. Каталог резоне (от французского «критический каталог») – это сводка всех работ художника с подробным описанием их состояния и провенанса. Такие каталоги начали выпускать в ХХ веке, как только появилась возможность фотографировать работы и включать их черно-белые копии в эти каталоги. Идеальный провенанс для картины – кочевать из одной королевской коллекции в другую и на несколько десятков лет задержаться в национальном музее. Если же в провенансе картины есть «черные дыры», то ее стоимость моментально падает.

Физическое состояние

Говоря об искусстве, которое пережило не одно столетие, важно учитывать его физическое состояние. Повреждения холста, кракелюр, сколы красочного слоя, выцветание лака – эти и другие виды деформаций уменьшают эстимейт продаваемого произведения. Но реставрация искусства – не панацея от его обесценивания. Если картину отреставрировать так, что на ней не останется ни одного авторского слоя, то ее вообще будет невозможно продать.

Эстетика и оригинальность

Фрэнсис Бэкон

Если абстрагироваться от моды (о ней мы поговорим в контексте трендов арт-рынка), то каждое произведение искусства имеет художественную ценность. Ее определяют эксперты аукционных домов, авторитетные арт-критики и исследователи искусства. Помимо того что работа может просто нравиться или не нравиться, ее эстетическая ценность отражена в оригинальности художественного замысла, композиции, технике и внутреннем голосе самой работы. Безусловно, живописные «Кувшинки» Моне радуют глаз сильнее, чем душераздирающая «Кричащая голова» Фрэнсиса Бэкона, но эти работы объединены художественной индивидуальностью и экспрессией. Кстати, статус великого художника далеко не всегда значит, что все работы этого автора великолепны. За любым громким именем стоят как шедевры, так и заурядные, проходные работы. Например, Ренуар писал по картине в день, и все они уходили с молотка, причем лишь некоторые можно назвать по-настоящему выдающимися. Отличать значимое от рядового эксперты учатся на практике: чем больше произведений одного автора они увидели, тем сильнее их способность выбрать самые-самые.

Редкость

Критерий редкости работает в арт-рынке так же, как и в luxury-сегменте. Чем более лимитированная коллекция одежды, тем дороже она стоит. Чем меньше непроданных картин Ван Гога доступны на рынке, тем больше за него попросят. Чтобы узнать, насколько эксклюзивен тот или иной художник, арт-дилеры проводят исследования, обращаются к каталогам и сопоставляют пропорцию шедевров, надолго «осевших» в музеях, и работ, свободно циркулирующих по арт-рынку. Когда в 1987 году умер Энди Уорхол, его работы не стоили запредельных денег. Все думали, что художник тиражировал свой поп-арт в сотнях экземплярах, но как только появился первый каталог его работ, выяснилось, что серии Уорхола гораздо более редкие, и цены на них сразу подскочили.

Невидимая рука арт-рынка

Автопортрет Винсента ван Гога

И все же почему искусство стоит настолько дорого? Ответ может вас разочаровать: цена произведений искусства задается по принципу стоимости денег. Дороговизна искусства держится на безусловном общечеловеческом согласии создавать и поддерживать высокую коммерческую ценность прекрасного. Именно поэтому многие крупные банки, компании и предприниматели имеют собственные собрания и используют их как инвестиции. Престиж обладания шедеврами стимулирует стабильность этой катастрофически завышенной по цене индустрии. Кому не хочется иметь единственный в своем роде рисунок да Винчи? Кроме того, красота – одна из редких нематериальных ценностей, которую можно купить в виде произведения искусства.

Среди главных рычагов управления стоимостью на арт-рынке – мода, вкус, популярность и громкость имени художника. Причем ценообразование зависит от типа рынка: первичный рынок, сфокусированный на молодых художниках, работы которых продаются впервые, больше опирается на личный вкус коллекционера и оригинальность работы. Прибыли от инвестиции на первичном рынке более непредсказуемы, но в случае удачи они могут принести суммы, многократно превосходящие стоимость изначальной покупки. До вторичного рынка искусство не всегда добирается при жизни художника. Ван Гог, например, при жизни продал всего одну свою картину. Когда работа перепродается, ее цена зависит не только от объективных факторов в виде провенанса и физического состояния, но и от мастерства арт-дилера, который должен правильно преподнести работу и адекватно оценить ее стоимость.

Вероятно, вам также будет интересно:

Культурные события осени, билеты на которые надо покупать уже сейчас

Гид по мировым арт-ярмаркам

Как Уильям Моррис стал одним из первых дизайнеров в мире?

4 великих автора подделок

5 современных британских художников, о которых нужно знать

Фото: Getty Images

Часто проверяете почту? Пусть там будет что-то интересное от нас.

Почему картины так дорого стоят и еще 9 важных вопросов об искусстве: конспект книги «Почему в искусстве так много голых людей»

Для чего художникам рамы, нужно ли понимать сюжет картин и как отличить шедевр от дешевки — «Афиша Daily» разбирает книгу Сьюзи Ходж «Почему в искусстве так много голых людей», вышедшую в рамках совместной издательской программы музея современного искусства «Гараж» и Ad Marginem.

Bсе ли картины вставляют в рамы?

Пит Мондриан. Композиция с желтым, красным, синим, черным и серым. 1920

1 из 2

Жорж Сёра. Воскресный день на озере Гранд-Жатт. 1884

2 из 2

Цитата из книги

«Обычно картины вставляют в рамы, выставляя их напоказ. Рамы привлекают внимание к картине и защищают ее края. Некоторые рамы отличаются вычурностью, особенно у старинных работ, которые когда-то висели в особняках. Другие рамы совсем простые, они не отвлекают от созерцания искусства. Предназначение рам — дополнять картины, заключенные внутри, показывать их с лучшей стороны.

Пит Мондриан считал, что рамы подобны стенам. Иногда кажется, будто они встают между зрителями и искусством, словно создавая препятствие, отделяя живопись от всего остального мира. Мондриану хотелось, чтобы все получали удовольствие от его работ и никто не чувствовал себя отделенным от них. Он писал на краях холста. А иногда даже на боковинах.

Он разрушил эти стены!

Жоржу Сёра не нравилось, что рамы отбрасывают тень на края картины. И он сам изобразил раму. Она состоит из тысячи крохотных точек более чем 25 разных цветов.

Знаешь ли ты, что изображение на телеэкране складывается из точек, которые называются пиксели? Эта картина была написана более чем за 50 лет до того, как изобрели цветной телевизор!»

Комментарий

Может показаться смешным отдавать целую главу рамам, тем более — практически начинать с этого книгу. Но в этом есть свои резоны. Во-первых, мы никогда не смотрим на картину в пустоте. Свет, высота, на которой она расположена, соседние работы, аннотации — все это создает пространство вокруг нее. Рассуждая о современной скульптуре, непременно говорят об окружающем ее «поэтическом пространстве»: смысл какой-нибудь абстрактной скульптуры рождается только тогда, когда на нее смотрит зритель. Во-вторых, действительно, рама часто становится сюжетом самой картины — как доказано на забавных примерах выше. Наконец, рама — обязательное звено цепочки вопросов и ответов, которое поможет лучше понять произведение. После того как разберешься с тем, кто автор и повлиял ли он на историю искусства, можно мимоходом взглянуть на раму. Кстати, в 1990 году в нью-йоркском Метрополитене была своего рода выставка наоборот: музей выставил множество пустых рам, чтобы обратить внимание на часто игнорируемую реальность.

Почему все плоское?

Небамон охотится на болотах. Гробница Небамона, ок. 1350 г. до н. э.

1 из 2

Жан Метценже. Стол у окна. 1917

2 из 2

Цитата из книги

«Не все предметы искусства выглядят объемными.

Двухмерные, или 2D, изображения плоские, как эта страница. Трехмерные, или 3D, — имеют высоту, ширину и глубину, как мяч.

В разные времена искусство было либо таким же плоским, как поверхность, на которой писали художники, либо объемным, как реальные вещи.

Многое древнее искусство, как, например, египетская роспись на стенах, выглядит плоским. Она больше напоминает диаграммы и совершенно не похожа на жизнь.

Еще в древние времена художники умели передавать объем, и плоские изображения они рисовали специально.

В Древнем Египте знатных людей хоронили в расписанных гробницах вместе с их сокровищами. Стены гробницы украшали рисунками, не предназначавшимися живым. Они показывали богам, чем люди занимались при жизни.

Изображение выглядит плоским, чтобы быть понятнее богам.

<…> Что стоит на столе? Видишь ли ты вазу с цветами, стакан, игральную карту и окно рядом?

Жан Метценже не соблюдает законы перспективы, но все равно хочет показать, что предметы на картине трехмерные. Поэтому он изображает их одновременно под разными углами. Такая техника называется кубизмом».

Комментарий

Этот пункт отражает общий скепсис о том, что художники разучились достоверно изображать трехмерную действительность — грубо говоря, «рисовать похоже». Автор «Голых людей» Сьюзи Ходж заручается поддержкой древних мастеров, абстракционистов и кубистов. Собирать их вместе под маркером «плоское» довольно смешно — кубисты как минимум создают больше трех плоскостей в своей картине, а иногда даже изображают один и тот же объект в разные моменты времени, так что плоскими их работы назвать нельзя. Тем не менее на этот детский вопрос нет однозначного ответа, и каждый раз нужно думать, почему художник решил сделать все плоским. Ходж забывает о культурной специфике: перспектива — европейское изобретение, и в искусстве многих стран она может в принципе не встречаться. Рассуждение о том, что плоское изображение становится более декоративным и абстрактным, вполне резонно — как и ассоциация «плоского» и «древнего». Но при этом Ходж почему-то избегает очень простого и очевидного вывода: убирая одни детали из изображения, автор акцентирует внимание на других. Грубо говоря, упрощая (и уплощая) изображение, художник может сделать его более выразительным, и во многих случаях за счет упрощения ему будет легче этой выразительностью управлять.

Почему в искусстве так много голых людей?

Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1486

1 из 2

Ив Кляйн. Антропометрия без названия. 1960

2 из 2

Цитата из книги

«В живописи, скульптуре и фотографии обнаженные люди встречаются очень часто.

Все пошло от древних греков, считавших, что обнаженное тело прекрасно и достойно изучения. Даже сегодня художники учатся рисовать голых людей, чтобы лучше понять форму тела. Это называется рисованием с живой натуры.

Обнаженная Венера, римская богиня любви и красоты, плывет, стоя в створке раковины. Согласно древней легенде, Венера родилась уже взрослой и перемещалась по морю. Боттичелли написал свою картину через много лет после возникновения этой легенды.

В искусстве нагота часто обозначает новую жизнь. Во времена Боттичелли женщины тщательно укрывали свои тела. Но Венера обнажена, так как она богиня, а не обычная женщина!

Многие художники считают, что женское тело красивее мужского, поэтому в искусстве обнаженные женщины встречаются чаще обнаженных мужчин.

В 1960 году Ив Кляйн придумал новый способ изображать женские тела. Он обмазывал обнаженных женщин синей краской и укладывал их на гигантский холст на полу. Они служили «живыми кистями».

Комментарий

Самая интригующая глава книги вынесена в заголовок — что, в общем-то, довольно понятно. Но ясного ответа на вопрос мы здесь тоже не найдем — среди предложенных вариантов собрано сразу несколько: изучение пластики тела и его красоты, символ жизни и пощечина общественному мнению. Тут, впрочем, нет никакой загадки: мало вещей на свете вызывают у человека такую же сильную реакцию — интерес и неловкость, стыд и желание, восхищение или, напротив, отвращение, — как нагота. Обнаженное человеческое тело в искусстве — и, по разным причинам, именно женское — самый сильный символ жизни и смерти. В этом смысле голое тело — это инструмент художника, который он может либо изобразить на картине, либо показать в жизни. В последнем случае речь идет о перформансе. Обнаженный перформанс будет более волнующим, иногда хрупким, иногда неприятным. Кроме того, нагое тело — это еще и обязательный символ искренности, который любил использовать Люсьен Фрейд, показывая беспомощность человеческого существа. При этом обнаженное тело в европейской традиции настолько тесно увязано с идеей красоты, что демонстрация излишне неприятного тела, как это любил делать Фрейд, шокирует не меньше и заставляет задуматься о старении и увядании. С рассуждением о преобладании обнаженных женщин над мужчинами все тоже не так просто: в царской России, например, можно было рисовать только обнаженную мужскую натуру, а за женской художники традиционно отправлялись в Италию.

Нужно ли знать сюжет картин?

Джон Эверетт Милле. Офелия. 1851–1852

1 из 2

Корнелия Паркер. Холодная темная материя: наблюдение за разрушением. 1991

2 из 2

Цитата из книги

«Истории рассказываются во всех видах искусства — от живописи и скульптуры до кино.

Произведение искусства — это окно в воображение другого человека. Мы видим факты и истории чужими глазами.

Примерно 160 лет назад существовало движение под названием «Братство прерафаэлитов». Художники этого течения писали сюжеты, часто почерпнутые из истории. Их картины иногда называли «романами в рамах». Милле был прерафаэлитом.

<…> Красавица Офелия утопилась, и художник воображает, как это могло произойти. Чтобы картина была интереснее, он украшает ее многочисленной символикой. Например, красные маки и голубые незабудки означают память или поминовение мертвых.

Это хорошо известный сюжет, и люди повалили толпой в Королевскую академию в Лондоне, где картина была впервые выставлена в 1852 году.

За этим произведением искусства стоит своя история. Корнелия Паркер хотела создать настроение, атмосферу, заставить нас задуматься о нашей жизни и о том, что мы оставим после себя.

Мы мало думаем о сарае в саду. Мы храним в нем ненужные вещи, о которых быстро забываем. Паркер решила его взорвать!

Затем она собрала куски обугленного дерева и покоробившегося металла и на леске подвесила их к потолку. В середине она расположила лампу, чтобы на стены отбрасывались зловещие тени».

Комментарий

В этой главе автор делает хитрый ход и пытается приравнять историю создания картины к ее сюжету. Зачем это нужно? В XX веке искусство во многом стало бессюжетным, и если раньше без понимания истории было невозможно разбираться в искусстве (например, считывать классические иконописные сюжеты — и благодаря этому осознавать, совершил или не совершил художник революцию в данной работе), то теперь куда большую важность приобрели история художника и история создания конкретной картины. Следить за биографией автора стало так же увлекательно, как за сезонами сериалов-долгожителей: Ай Вэйвэй перебрался в Европу, стал больше радеть за мигрантов, но оттого вдруг стал менее интересным, или, скажем, Цай Гоцян — переквалифицировался в мастера больших технологических фейерверков и растерял все свое концептуальное обаяние. А вот Ричард Лонг: всю жизнь топтал тропинки по всему миру, не предал свои идеи, за что и вошел во все учебники по ленд-арту.

Кто все эти люди?

Эдвард Хоппер. Китайское рагу. 1929

1 из 2

Марк Куинн. Я. 2006

2 из 2

Цитата из книги

«Многие картины заполнены людьми, но кто они такие?

В прошлом, еще до изобретения фотографии, знатные люди заказывали свои портреты. Художники должны были показать, насколько заказчики могущественны, красивы и богаты. Часто художнику для групповых портретов позировали целые семейства.

<…> На портрете Эдварда Хоппера изображены две модницы за столом в ресторане. В отличие от портретов прошлого, эти женщины не являются важными персонами. Они самые обыкновенные и не отличаются от случайных посетителей. В толпе мы видим множество неизвестных нам людей, и именно их хотел изобразить Хоппер.

И хотя он показывает двух незнакомок, моделью для обеих послужила жена Хоппера!

<…> Для слепка головы Марк Куинн использовал собственную кровь. Скульптура хранится в холоде, иначе она растает.

По словам Куинна, это напоминание о том, как хрупка жизнь. Каждые пять лет скульптор изготовляет новую голову, так что можно увидеть, как он стареет».

Комментарий

Действительно, размышляя о том, кто же изображен на картине, нужно прежде всего подумать о заказчике работы. Сопоставив время написания и главного героя, можно выдвинуть гипотезу даже о том, насколько художник был успешным. Библейские сюжеты часто писались по заказам церкви, хотя были, конечно, и частные поручения. До импрессионистов портреты писались в основном на заказ для богатых людей, поэтому французские художники совершили революцию, когда начали рисовать обывателей, — правда, потом им пришлось думать о том, как продать все эти картины. А по работе Марка Куинна легко сделать вывод о том, что художник не голодает и проблем импрессионистов не испытывает: для его работ нужна не столько храбрость, сколько солидные бюджеты.

Зачем на картинах фрукты?

Поль Сезанн. Яблоки и апельсины. 1899

1 из 3

Ян ван Кессель. Натюрморт «Ванитас». 1665–1670

2 из 3

Джон Лорбир. Тарзан/Стоящая нога. 2002

3 из 3

Цитата из книги

«Художники часто рисуют яблоки и апельсины, но зачем?

В первую очередь фрукты надежны. В отличие от моделей-людей, они не моргают, не дергаются и не требуют чая.

Изображение фруктов помогает художникам изучить формы, цвета и тона природы.

Такая живопись называется натюрмортами. До изобретения фотографии художники демонстрировали свои таланты, создавая реалистичные натюрморты. Но затем все изменилось…

Поль Сезанн написал эту картину уже после изобретения фотоаппарата, и он не чувствовал, что его задача — копировать действительность. Это мог сделать и фотограф!

Он написал круглые фрукты на плоском холсте, но в новой манере. Чтобы показать формы фруктов, он изобразил каждое яблоко одновременно под многими углами, в разных ракурсах. Кажется, что яблоки вот-вот упадут со стола.

<…> Эта картина имеет двойное значение. Рядом с цветами Ян ван Кессель изобразил череп — символ смерти. Это предупреждение, напоминающее о бренности жизни. Мы не должны забывать, что в конце концов умрем!

Натюрморт — это французское слово, означающее «мертвая природа». На полотне цветы выглядят как живые, но в реальной жизни они обращаются в гной.

<…> Джон Лорбир — оптический иллюзионист, прославившийся своими застывшими фигурами.

Тут все довольно путано. Он такой же объект, как фрукт, запечатленный на натюрморте, но при этом живой и не нарисованный. Время идет, а он остается неподвижным и висит на стене, как картина.

Комментарий

Хороший ответ на вопрос, но не хватает важного акцента. Натюрморт — это прежде всего исследование чистой формы. И если художник редко пишет натюрморт — как это, например, делали многие импрессионисты, — это значит, что его волнуют не формальные качества картины, а сиюминутное ощущение, которое она передает. В натюрморты действительно закладывается мысль о бренности бытия — но нельзя принимать ее как абсолют: в конце концов, многие герои на портретах тоже смертны. Идея о том, что перформанс иногда может оказаться натюрмортом, также весьма забавна — но при этом нужно помнить, что это большая редкость.

Почему художники так любят пейзажи?

Каспар Давид Фридрих. Странник над морем тумана. 1818

1 из 3

Христо и Жан-­Клод. Окруженные острова, Бискайский залив, Майами, Флорида. 1980–1983

2 из 3

Цитата из книги

«Веками люди изображали поля, города и горы.

Но только 300 лет назад пейзаж занял важное место в искусстве. Это произошло благодаря простому изобретению — оловянному тюбику с краской! Живописцы больше не были привязаны к своим мастерским, и работа на пленэре стала реальностью.

Мужчина созерцает расстилающееся перед ним море. На этом полотне человек занимает такое же важное место, как и пейзаж.

Картина Каспара Давида Фридриха показывает власть природы. Мужчина стоит к нам спиной, так что мы видим тот же вид, что и он. Перед ним раскинулась стихия. Пейзаж выглядит таинственным и чуть тревожным.

<…> Искусство, связанное с пейзажем, не всегда бывает двухмерным. Христо и Жан-Клод укрыли 11 островов близ Майами 603 870 квадратными метрами розовой ткани. Ткань была сшита из 79 кусков, повторяющих контуры или очертания островов.

На фоне голубой воды и изумрудной зелени розовая упаковка выглядит яркой и броской.

Не всегда пейзаж обращен к природе. Иногда, как на этой картине, он несет другой смысл.

Произведение Агнес Денес говорит о том, как пейзаж может всех накормить. Долгие месяцы художница засаживала пшеницей пустырь посреди Нью-Йорка. Когда колосья были скошены, она послала зерно в 28 разных городов, где оно было посеяно, чтобы напомнить людям о существующем в мире голоде».

Комментарий

Ответ засчитан: пейзаж действительно долгое время считался второсортным сюжетом искусства. Сегодня он может быть как упражнением в форме, так и способом рассказать какую-нибудь сложную историю. Здорово, что автору удается доказать: эксперименты с ленд-артом, по сути, тот же самый пейзаж — такой, в который зритель может войти. Это соображение можно использовать и тогда, когда вы в замешательстве смотрите на объекты Николая Полисского в Никола-Ленивце: просто представьте, что этот художник тоже рисует природу — но немного другими средствами.

Как понимать абстрактное искусство?

Жоан Миро. Карнавал Арлекина. 1924–1925

1 из 2

Барбара Хепуорт. Три формы. 1935

2 из 2

Цитата из книги

«Художники меняют вид предметов и людей, делая их неузнаваемыми. Или сами выдумывают объекты, которые не имеют отношения к окружающему миру. Это называется абстрактным искусством. Тут даже специалисты могут сесть в лужу. Некоторые абстрактные произведения выставлялись вверх ногами десятилетиями, и никто не замечал ошибку. Художники-абстракционисты не копируют жизнь, а изобретают то, что им нравится.

Первые художники-абстракционисты решили изображать фигуры и цвета, не представляющие ничего в реальном мире. Художники вроде Жоана Миро писали бессознательно, автоматически. Во время написания картины Миро впадал в подобие транса. Он понимал, что делает, но был точно во сне. Это абстрактное произведение, но эти странные фигуры обладали для него смыслом.

<…> Барбара Хепуорт любила создавать фигуры, напоминающие ее родной корнуэльский пейзаж. Хотя эти сферы мало похожи на семью, Хепуорт внесла в них именно этот смысл.

Кто из них мама? Видишь, ты знаешь ответ! Именно таким свойством обладает абстрактное искусство. Оно изображает то, что мы все понимаем, даже не видя этого».

Комментарий

Есть ли смысл в абстракции? Нужно ли пытаться угадывать сюжет, который стоит за ней? Если действительно хочется разобраться с этим, существует много хитростей. Самая простая — прочитать аннотацию к работе. Она может быть либо предельно абстрактна, либо, как у Барбары Хепуорт, дать подсказку, указывая на конкретные предметы. Глядя на абстракцию, важно помнить, что она убедительно передает сложные чувства, которые невозможно выразить с помощью более конкретного изображения, — как «Биркенау», цикл Герхарда Рихтера о концлагерях.

Почему искусство так дорого стоит?

Винсент Ван Гог. Подсолнухи. 1888

1 из 3

Бэнкси. Служанка в Лондоне. 2006

2 из 3

Ян Вермеер. Девушка с жемчужной сережкой. 1665

3 из 3

Цитата из книги

«Это безумие! Одни произведения искусства стоят миллионы, а другие — копейки.

Почему? Все дело в востребованности. Художники и стили могут входить в моду и выходить из нее.

Сегодня все знают Винсента Ван Гога и его картины продаются за миллионы. Но при жизни он продал всего одну картину! Слава пришла к нему только после смерти. Часто смерть художника помогает ему приобрести известность.

Винсент Ван Гог часто писал подсолнухи. Он работал над этой картиной — она предназначалась для гостиной, — когда у него гостил Поль Гоген. Посещение закончилось ссорой, Гоген уехал, а Ван Гог отрезал себе часть уха. Из-за этой знаменитой истории картина поднялась в цене.

Слышал ли ты о Бэнкси? Он рисует граффити на стенах и мостовых, когда никого нет рядом. Его творчество заставляет людей думать о том, что происходит в мире. Оно глубоко по смыслу, реалистично и привлекает много поклонников. Многие хотели бы иметь работы Бэнкси дома и готовы платить за них кучу денег. Но как можно владеть картиной, которая нарисована на здании или на асфальте?

Бэнкси иногда продает свои работы и выставляет их в галереях, но это случается не часто — и стоят они очень дорого.

Иногда искусство столь значимо, что не имеет цены. Оно бесценно! Пример — картины Яна Вермеера.

За свою жизнь Вермеер создал всего несколько картин. Он писал очень медленно, экономно расходуя дорогие краски. Этот портрет иногда называют «голландской Моной Лизой».

Неизвестно, кем была девушка на портрете, но ее широко открытые глаза и большая жемчужная сережка показывают, что Вермеер пользовался специальным методом для передачи цвета и светотени».

Комментарий

Цена искусства — отдельная и ужасно интересная тема. Ни один арт-дилер в этом не признается, но всем известно, что, к примеру, проблемы глобальной экономики могут повлиять на то, будет ли та или иная картина Рембрандта признана подлинником. Успешная продажа картины на торгах приводит к тому, что стоимость всех работ автора повышается, — и наоборот. Одни периоды жизни художника стоят дороже, чем другие. Искусство — такая же валюта, как доллар и евро, а главные музеи мира работают примерно по тому же принципу, что и центральные банки, — и неплохо эксплуатируют свой капитал, выпуская сувениры, авторизованные каталоги и репродукции.

Как отличить хорошее искусство от плохого?

Джеймс Эббот Макнил Уистлер. Ноктюрн в черном и золотом (Падающая ракета). 1875

1 из 4

Анри Руссо. Нападение в джунглях. 1891

2 из 4

Поль Гоген. Видение после проповеди. 1888

3 из 4

Марсель Дюшан. Фонтан. 1917

4 из 4

Цитата из книги

«Искусство бывает путаным, особенно когда оно не похоже на жизнь.

В конце XIX века появилось абстрактное искусство, мало напоминающее окружающий мир. Художники стали пользоваться необычными материалами, цветами и формами. Они экспериментировали, проверяя реакцию зрителей.

Так изменилось понимание того, что хорошо и что плохо в искусстве.

Изобразив фейерверк туманной ночью, Джеймс Эббот Макнил Уистлер хотел скорее передать атмосферу, чем узнаваемые детали.

Художественный критик Джон Рёскин был в ужасе. Он сказал, что это не искусство, и обвинил Уистлера в том, что он «запустил краской прямо в лицо публике».

Слова Рёскина имели большой резонанс. Но с тех пор мнения изменились. Сегодня Уистлер считается великим художником.

Джунгли Руссо не выглядят реалистичными. Значит ли это, что перед нами плохая работа?

Чтобы научиться рисовать, Руссо копировал книжные иллюстрации. Дикие деревья и растительность — это увеличенные до гигантских размеров растения в горшках. Тщательно нарисовав каждый листок и упростив тигра, Руссо сделал свою картину похожей на коллаж. Богатые краски, темные и яркие тона добавляют ей нереальности.

Пикассо очень нравился этот примитивный стиль, он назвал его «наивным искусством».

Поль Гоген считал, что его искусство не требует глубоких размышлений. Он пользовался насыщенными красками и четкими формами, создавая атмосферу. Живопись Гогена походит на разноцветные витражи. Сначала она не нравилась публике из-за своей нереалистичности, но теперь у его работ множество поклонников.

Как можно выставить писсуар и сказать, что это произведение искусства? В 1917 году именно так поступил Марсель Дюшан. Все, кто это видел, были потрясены.

Дюшан заявил, что художник может пользоваться готовыми вещами и что искусством правят идеи. Он хотел, чтобы люди по-новому смотрели на предметы и ценили оригинальные идеи больше, чем мастерство».

Комментарий

Автор вспоминает курьезный случай, когда критик Джон Рёскин решил, что современное ему искусство перестало быть искусством. В частности, он написал следующее: «Я никогда не ожидал увидеть шута, который просит двести гиней за то, что он плеснул ведро краски в лицо публике». Кстати, в ответ Уистлер подал на него в суд — и выиграл, хотя и вконец разорился. На дворе был 1877 год.

Сегодня этот вопрос стал еще более острым. Со времен Дюшана определение искусства только расширилось и фактически включает в себя все то, что художник создает, а музеи и галереи готовы показывать. Это значит, что в оценке качества искусства мы должны полагаться на тех самых экспертов из музеев и галерей, то есть в конечном счете — на вкус отдельных людей. Что же делать с нашим собственным вкусом? Главная задача современного искусства — быть актуальным, то есть говорить на языке сегодняшнего дня и о волнующих всех проблемах. Хорошее искусство должно задеть каждого вдумчивого зрителя, потому что оно рассказывает о нем — времени, в котором он живет, страхах и надеждах, неуверенности в будущем, любви и ненависти. Как быть, если оно оставляет вас равнодушным? Единственный разумный выход, который остается и именитым критикам, и простым посетителям музеев, — внимательно изучить жизнь художника, разобраться с тем, отчего его показывают в музее. И тогда мы получим ответ на вопрос, почему этот художник хороший: потому что он изменил мир.

Издательство «Ад Маргинем Пресс», Москва, 2017, перевод А.Соколинской

Почему картины Пикассо стоят так дорого, или Как стать успешным художником?

Почему картины Пикассо стоят так дорого? Почему?! Этот вопрос рано или поздно задает себе (или своим знакомым) каждый взрослый житель планеты Земля. Кто-то при этом горячится и негодует, выказывая такое возмущение, как будто миллионы за очередную проданную на аукционе вещь Пикассо были взяты из его семейного бюджета - другие, напротив, ведут себя сдержанно, глядя грустными глазами в пустоту и смиренно адресуя этот вопрос Вселенной: "Почему, ну почему картины этого Пикассо стоят так дорого? Ведь это же ужасная мазня!" Попробуем же разобраться в этом животрепещущем вопросе. 

Для начала следует признать: картины Пабло Пикассо действительно стоят "так дорого". Совокупная стоимость когда-либо проданных работ испанского художника превышает один миллиард долларов, а сам Пикассо входит в тройку самых "дорогих" художников мира. Если бы Пабло был до сих пор жив (в 2021-ом ему как раз исполнилось бы 138 лет) или, скажем, мог восстать из гроба, он, надо полагать, и сам немало подивился бы аукционному ажиотажу вокруг его творений. 

Нет-нет, работы Пикассо и при жизни художника продавались очень хорошо, однако вряд ли даже в самых смелых своих мечтаниях мог бы он предположить, что в 21-веке бывший премьер-министр Катара Хамад бен Джасим бен Джабер Аль Тани выложит за его картину "Алжирские женщины" 179, 4 млн долларов!

 

Возможно, Пикассо, узнай он об этом, даже сказал бы что-нибудь вроде "ну, ни хрена себе!" на чистом русском языке, пусть и с испанским акцентом - все-таки Пабло долгое время был женат на балерине "Русского балета", и это не могло пройти бесследно для его словарного запаса. Тут и не такое скажешь - сумма-то действительно огромная! 

Пабло Пикассо. "Алжирские женщины" (1955)

Да-да - вот здесь-то и начинается время вопросов. Скажем, живет себе человек, ничего не подозревает, ходит на работу, платит налоги, интересуется искусством в свободное от работы время...

 

А потом заглядывает на какой-нибудь посвященный живописи сайт, и на тебе: "Алжирские женщины", 179 миллионов! Человек в шоке - он глядит на репродукию "Алжирских женщин", представляет себе, сколько это - 179 миллионов долларов, и совершенно не может найти между этими "Женщинами" и этими миллионами ни единой точки соприкосновения! 

Человек, чего уж греха таить, думает примерно следующее: "Это кошмар какой-то! Этого не может быть - потому что этого не может быть никогда! Да такую фигню я сам легко нарисую за два с половиной часа - а если на пару с женой, так мы и за час управимся! И получится куда покрасивше, чем у этого Пикассо - жена у меня хорошо рисует!" 

И человек, представив себе, как они с женой нарисовали "такую же картину, но только покрасивше", внезапно понимает, что продать ее за 179 миллионов долларов ему вряд ли удастся. Честно сказать, ее вряд ли удастся продать даже за 179 долларов, и даже за 17 долларов 90 центов - не говоря уж о каких-то миллионах! И, осознав это, человек в отчаянии сжимает зубы и вопрошает в никуда: "Почему, ну почему картины этого Пикассо такие дорогие!?"

На деле всё просто. В нашем мире, сущность которого определяется бесконечным многообразием одних и тех же товарно-денежных отношений, всякая вещь стоит ровно столько, сколько за нее готовы заплатить.

 

Если бы за картину Пикассо "Алжирские женщины" были готовы заплатить 10 долларов (как это, собственно, и было во времена голодной молодости Пабло на Монмартре), а не 179 миллионов, то картина "Алжирские женщины" стоила бы 10 долларов - сама при это не изменившись ни на йоту. 

Тот возмутительный факт, что за картины Пикассо готовы платить такие "космические", не побоимся этого слова, деньги, всего лишь означает, что Пабло Пикассо - состоявшийся художник с мировым именем и такого же планетарного масштаба авторитетом. То есть, имя и авторитет Пикассо, определяющие его статус не только в мире искусства, но и в массовом сознании в целом, эквивалентны 179 миллионам долларов, заплаченным всего за одну его картину. 

И здесь, пытаясь во всем обнаружить практическую сторону, мы подходим к главному вопросу: какие факторы определяют ту конечную многомилилонную цену, которую кто-либо когда-либо будет готов заплатить за картину того или иного художника?

 

Спешим успокоить: хотя художников едва ли не больше, чем звезд во Вселенной, факторы глобального успеха абсолютно для всех одинаковы - будь вы хоть Пикассо, хоть никому не известный молодой человек из Новой Гвинеи, впервые взявший в руки кисть. Итак, из чего же складывается творческий и финансовый успех художника? Тот самый успех, благодаря которому мы недоуменно и яростно восклицаем: "Почему картины этого Пикассо такие дорогие?"

Да, вне зависимости от степени дарованного Всевышним таланта, конечный успех мероприятия "Жизнь живописца" определяется, главным образом, чистой случайностью. Без Его Величества Случая, сколь бы талантлив ни был художник, он навсегда останется неизвестным широкой публике. 

Мы знаем несколько десятков успешных художников - однако никто не вспомнит бесчисленные тысячи, положившие жизнь на алтарь искусства - и сгинувшие во мраке неизвестности только потому, что тот самый Случай, определяющий всё, так и не постучался в их обитую дерматином дверь.

 

Не случись в жизни Пикассо Гертруды Стайн, не встреться Дали с Галой, не напиши Малевич свой далеко не оригинальный "Черный квадрат" в правильное время - кто знает, как сложились бы судьбы этих художников... Разумеется, не исключено, что все случайности на деле являются закономерностями - но, пока это не доказано со стопроцентной точностью, будем считать их случайностями. Итак, фактор божественной случайности в конечном итоге обусловил 50% баснословных цен на картины Пикассо в наши дни.  

Коллега Пабло Пикассо - Сальвадор Дали, обнимающий свою "счастливую случайность"

Это важно. Нельзя служить искусству кое-как, по два часа перед сном и без отрыва от "основного производства" - это все равно, что быть "слегка беременной". Так дело не пойдет: искусство не терпит полумер и компромиссов. Искусство - крайне алчный бог, которому не нужна часть или половина. 

 

Если человек не готов :

 

-вести жизнь сознательного и безграничного эгоиста, которому глубоко наплевать на все, кроме искусства (своего).

-годами вкалывать по 18 часов в сутки, встречая тотальное непонимание окружающих и не получая за свой труд ни копейки.

-жить искусством, дышать искусством и даже питаться им, потому что в холодильнике, по причине тотальной и затяжной нищеты - хоть шаром покати.

-если потребуется, с легкостью отказаться от родных, любимых и друзей - во имя искусства

-в случае необходимости, пойти на подлость, предательство и измену - во имя искусства.

-пьянствовать с малознакомыми синюшными тетками, претендующими на роль моделей, и с ними же, после распития спиртных напитков, предаваться плотской любви, с ужасом натыкаясь на них утром в постели

-воспринимать перспективу полного провала всей этой авантюры с готовностью и спокойствием истинного стоика.

 

Одним словом, если человек не готов ко всему вышеперечисленному, ему не стоит даже и мечтать о том, чтобы стать художником мирового масштаба. Пабло Пикассо был готов, в случае необходимости, пойти на все эти жертвы, и на многие из них действительно пошел - вот почему его картины сегодня "такие дорогие".

Коллега Пикассо Эдуард Мане - типичный пример художника-маньяка, беззаветно преданного искусству

Да, это важно. Тусклая, или, упаси Боже, добропорядочно-законопослушная жизнь художника сильно претит его глобальному успеху - и, напротив, всевозможные отклонения от нормы, скандалы, провокации, пороки и даже преступления категорически ускоряют взлет творца к сияющим вершинам мировой славы! "Главное, чтобы обо мне говорили - на худой конец, пусть говорят хорошо!" - заявлял Сальвадор Дали и был совершенно прав.  

Дали, к слову, всю свою жизнь превратил в спектакль, неустанно и с блеском эпатируя и развлекая почтенную публику полвека - и вот результат! А взять того же Винсента Ван Гога - сложно сказать, имели ли бы его картины сегодня такой оглушительный успех, если бы не кое-какие широко известные детали его биографии.  

Отрезанная мочка уха, врученная " на сохранение" остолбеневшей проститутке из Арля; приступы алкогольной эпилепсии, психиатрические лечебницы, и, наконец, финальная точка, поставленная пулей из револьвера - одним словом, если бы не все эти "ужасы", то всемировой успех его замечательных картин мог бы и не случиться! 

Пабло Пикассо, в свою очередь, прославился как неустанный "пожиратель женщин", окруживший себя целым гаремом и любивший их так яростно, неистово и разрушительно, что кое-кто из них даже наложил на себя руки. Образ деструктивного  и безумно талантливого альфа-самца, как в случае с Пикассо - тоже, как видим, работает на все сто! 

Коллега Пабло Пикассо, Винсент Ван Гог. "Портрет с перевязанным ухом и трубкой". Винсент, будучи в сильно нетрезвом состоянии, отхватил себе бритвой часть уха - чем сильно повысил стоимость своих работ (посмертно). 

Вывод, отсюда напрашивается самый простой и удивительно верный: "Художник, живи ярко! Будь творчески одаренным негодяем!  Веди себя так, чтобы о тебе при жизни слагали легенды, и лучше всего - страшные!" Да, быть девиантным греховодником непросто - но без этого никак, если по-прежнему хочется, чтобы твою картину тоже кто-нибудь купил за 179 000 000 долларов! 

Да, цена на картины того или художника в значительной степени зависит от того, где именно находится художник: среди живущих или в мире теней. Мертвые художники стоят значительно дороже - это общеизвестный факт. Пикассо полностью выполнил это условие почти полвека назад - и вот вам результат: люди ходят и задаются извечным вопросом: "Почему картины Пикассо такие дорогие?"

Это самый спорный момент. Опыт показывает, что для того, чтобы стать известным художником, вовсе не обязательно уметь рисовать - точно так же, как совсем не обязательно уметь петь, чтобы стать знаменитым певцом. Тем не менее, талант все-таки желателен - он может в значительной степени ускорить восхождение наверх. У Пикассо с талантом всё было в порядке - он и вообще из самых талантливых и одаренных художников, каких только рождала наша матушка Земля. Чтобы убедиться в этом, достаточно увидеть "Девочку на шаре":

Пабло Пикассо. "Девочка на шаре"

Несомненно, у Пикассо были определенные проблемы на Страшном Суде, однако я уверен, что они сразу же разрешились, как только Бог увидел "Девочку на шаре". За эту картину Пикассо можно простить многое - даже "Дору Маар с кошкой" и "Алжирских женщин". В известной степени, присущий Пикассо талант служит ответом на наш извечный вопрос: "Почему картины Пикассо такие дорогие?"

Здесь следует отметить один немаловажный момент. Грубо говоря, талант заключается не только в умении смешивать краски и накладывать их на холст в нужном количестве и в нужных местах. Талант, прежде всего - это отсутствие страха перед разрывом парадигмы. Важно не бояться выходить за пределы уже существующих координат, создавая новую художественную реальность. 

Большинство боится - потому что за пределами устоявшейся парадигмы на голову художника сыплются исключительно крупные шишки. Пикассо не боялся, и потому голова его на ранних этапах творчества напоминала сплошной синяк - вот это, по большому счету, и называется талантом

Этот фактор является, в общем-то, априорным - но на всякий случай его упомянем. Невозможно продать картину за 179 млн долларов, если на свете нет энного количества комплексующих миллиардеров, готовых заплатить эту сумму. Это логично: если нет купца, то сделки не будет. Однако купцы - то есть, комплексующие миллиардеры, всегда, хвала Всевышнему, есть. Почему они комплексуют - да кто их разберет... Ведь совершенно очевидно: чтобы стать миллиардером, требуется гораздо больше таланта, в чем бы он ни заключался, чем для того, чтобы стать великим художником. 

Но миллиардеры почему-то не всегда замечают и не очень ценят присущую им эксклюзивность. Им мало быть сверхуспешными в своей сфере (аккумулирования денежных средств), но непременно нужно, чтобы все восторгались ими и по другим поводам, далеким от мира финансов. Им, например, очень важно, чтобы окружающие зачем-то считали их тонкими знатоками и ценителями искусства, например. Отсюда и покупки на сотни миллионов долларов. Вспомним сомнительную вещь Леонардо (?) "Спаситель мира", проданную одному из миллиардеров за 450 000 000 долларов. 

Вокруг "комплексующих миллиардеров делается большой бизнес, на котором зарабатывают не самые порядочные, зато подкованные в психологии и умеющие практично мыслить дельцы. Но и художникам это тоже на руку.  Пока существуют такие замечательные люди с миллиардами, у каждого художника есть шанс, что и на его картину найдется свой комплексующий миллиардер

Вот эти шесть факторов, сложенные воедино, и являются ответом на вопрос: "Почему картины Пикассо стоят так дорого?" Казалось бы, в каждом из них нет ничего сверхъестественного - и это действительно так. Вся загвоздка в том, что по отдельности они не работают, а собрать эту мозаику воедино удается очень немногим. Вот почему на свете так мало художников уровня Пикассо, Моне или Дали. 

Почему произведения искусства так дорого стоят?

В 1996 году арт-дилер по имени Гларифа Розалес (Glarifa Rosales) обратилась к Энн Фридмен — директору Нью-Йоркской галереи Knoedler, реализующей произведения искусства богатым коллекционерам на протяжении последних 150 лет. Розалес предложила купить картины таких мастеров, как Марк Ротко (Mark Rothco), Джексон Поллок (Jackson Pollock) и Виллем де Кунинг (Willem de Kooning) по очень выгодной цене — она просила не более $1 000 000 за каждую.

Гларифа утверждала, что полотна достались ей от анонимного коллекционера — друга семьи — который совсем недавно получил их в наследство. Более 10 лет галерея перепродавала авторские работы за миллионы долларов и хранила всю документацию по таким сделкам с пометкой «Секретный Санта». И когда сотрудники начали активнее расспрашивать о таинственном коллекционере, Розалес ответила: «Не убивайте курицу, несущую золотые яйца».

15 лет спустя бельгийский менеджер инвестиционного фонда, Пьер Лагранж (Pierre Lagrange), получил плохие новости. Консультант, которого он нанял для проверки подлинности картины Джексона Поллока, купленной за $17 000 000 в той же галерее, сообщил — полотно не имеет ничего общего с оригиналом. Эксперт обнаружил на картине частицы краски, которая поступила в продажу уже после смерти Поллока.

Когда Лагранж отправил в Knoedler письмо с претензиями, галерея внезапно закрылась. В течение года к нему присоединились еще несколько клиентов — они также утверждали, что их многомиллионные приобретения оказались обычными подделками. В 2013 году Гларифа Розалес признала себя виновной в продаже фальшивых картин на сумму $80 000 000.

Сила бренда

Вышеописанный случай подчеркивает, насколько иррационален источник финансовой ценности той или иной картины. Пока Лаграндж не усомнился в подлинности этих полотен, они стоили целое состояние, считались шедеврами и выставлялись перед истинными ценителями искусства. Но как только был разоблачен настоящий художник — 73-летний китайский эмигрант Пэй-Шень Цянь, рисовавший подделки за несколько тысяч долларов в своем гараже в Квинсе — они мгновенно обесценились, хотя и создавались схожим образом.

Эстетика художественного произведения, передаваемые им чувства и техника написания могли бы влиять на его стоимость, но, как показывает история Цяня, эти факторы не объясняют экстремально высокую ценность полотен.

Мы подходим к одной важной (пусть и не очень романтичной) истине: в мире изобразительного искусства правят бренды. Известные имена, будь то Ротко или Поллок, отличают мастеров от неизвестных художников также, как бренд Coca-cola отличает знаменитый напиток от другой сладкой газировки. Цянь нарисовал прекрасные картины в стиле известных художников, но подписав эти полотна именами вроде Ротко и Поллок, их цену удалось повысить более чем в 10 раз.

Состоятельные люди тратят огромные деньги на живопись, потому что такие бренды, как Моне или Пикассо, остаются востребованными. При этом приобретение картины за миллион долларов на аукционе в Сотбис — не то же самое, что покупка Lamborghini. Цена автомобиля понижается сразу же после продажи, а картины Пикассо со временем лишь прибавляют в стоимости.

Но как художник превращает себя в многомиллионный бренд в мире искусства — мире неопределенности и субъективных взглядов? Как аристократы с Манхэттена покупают абстрактные работы за $100 000, не опасаясь, что через несколько лет эти картины станут простым настенным украшением? Почему одни полотна считаются роскошью, а другие — дешевой мазней?

Ответ на этот вопрос заключается в том, что рынок изобразительного искусства поддается серьезному «курированию». Его контролируют галереи и дилеры, которые прикладывают значительные усилия для поддержания стоимости художественного произведения и привязки этой цены к престижу организации, продающей работу.

Можно сказать, что в какой-то степени рынок искусства сфальсифицирован: галереи и дилеры выступают в роли законодателей мод и, по сути, решают, какая картина лучше и стоит дороже. Конечным результатом всего этого «механизма» является превращение художников в бренды, достаточно стабильные для функционирования рынка.

Искусство как выгодное вложение

Во время рекордных аукционов в Кристис и Сотбис затрачиваемые суммы часто превышают показатели ВВП небольших островных государств. При этом польза от аукциона современного искусства в Кристис с общей выручкой $745 000 000, который прошел в мае 2013 года и больше походил на фестиваль показательного потребления — довольна сомнительна. Тем не менее, опытные искусствоведы считают такие покупки выгодным вложением денег.

Если у кого-то и есть причины для скептицизма по поводу огромных затрат на искусство, то Филиппо Гуерини-Маралди (Filippo Guerrini-Maraldi) определенно относится к ним. Как исполнительный директор и глава Fine Art Team в R.K. Harrison Insurance Services, Гуерини-Маралди страхует коллекции, стоящие миллионы долларов, а его брокеры несут ответственность за них. Как бы там ни было, его команда никогда не отказывается страховать даже нелепые картины по шестизначной цене.

«Если меня просят застраховать произведение искусства, купленное кем-то в аукционном доме или у дилера, кто я такой, чтобы говорить, что этот человек переплачивает?», — говорит Филлипо.

Как правило, R.K. Harrison страхуют картины по цене, названной клиентом, так как в живописи стоимость работ повышается со временем. И хотя компания признает, что некоторые расценки сильно завышены, здесь, как и на фондовом рынке, возможны определенные коррекции. Такая стабильность поощряется финансовым сектором, который принимает коллекции полотен в качестве залога.

Джонатан Бинсток (Jonathan Binstock), имеющий докторскую степень по истории искусства и помогающий клиентам собирать коллекции произведений в Citi Private Bank’s Art Advisory, утверждает: «С идеей о том, что искусство является неким активом, и работы конкретных художников сохраняют свою стоимость, люди по всему миру попросту решили согласиться».

Консенсус высокой стоимости изобразительного искусства — это решение, основанное на данных. Бинсток отмечает, что между сведениями по результатам аукционных продаж, датируемыми 80-ми годами, и еще более давними изданными томами можно отыскать множество исторических фактов, оправдывающих стоимость дорогой картины.

Но как специалисты определяют ценность полотна?

Как утверждает Сара Фридлендер (Sara Friedlander), организатор аукционов в Кристис — крупнейшем в мире аукционном доме: «На самом деле, существует множесто арт-рынков. У каждого художника есть своя собственная ниша». Сотрудники устанавливают цены полотен, глядя на стоимость аналогичных картин, присутствующих на конкретном рынке.

В большинстве случаев, за исключением продажи настоящего шедевра, похожие работы одного и того же художника оцениваются одинаково.

С одной стороны, это показывает, что разнообразие изобразительного искусства поддерживается, несмотря на его коммодификацию: в мире существует практически безграничный запас художественных работ, но полотен Ван-Гога насчитывается не так уж и много. С другой стороны, мы видим, что основным фактором, влияющим на стоимость картины, является бренд самого художника. Люди предпочитают покупать работы Поллока или Уорхола, потому что имена этих мастеров стали брендами.

Однако к инвестированию средств в работы Уорхола, Ротко и Рихтера критики относятся не очень оптимистично. В книге «Супермодель и фанерный ящик» (The supermodel and the Brillo box) экономист Дон Томпсон (Don Thompson) пишет, что позитивные заголовки о выручках аукционов живописи игнорируются, если ранее предлагаемые картины уже продавали по более высокой цене.

Как отмечает Financial Times, книга Томпсона выражает всю суть недавнего высказывания, что «инвестирование средств в художественные работы связано со многими подводными камнями, включая заоблачные риски, неликвидность, а также серьезную подверженность новым трендам».

Оправданы ли такие инвестиции?

Это не обязательно значит, что в искусство нельзя вкладывать деньги. Усилиями спекулянтов цена на картину молодого художника всегда может взлететь от $10 000 до $100 000. Хотя многие начинающие мастера терпят неудачу, некоторые из них могут достичь успеха. Вложение средств в работу конкретного человека больше походит на сложную и рискованную стратегию, нежели на разумное инвестирование, но все же обеспеченных людей это не останавливает.

Уильям Флейшер (William Fleischer), владелец страховой компании «Bernard Fleischer & Sons», утверждает, что иногда коллекционеры хранят полотна только ради инвестиций. Возникает парадокс: самым эффективным продуктом сайта ArtNet, публикующим маркетинговые исследования о живописи, являются его онлайн-аукционы с быстрыми транзакциями и низкими ценами, но при этом, особенно на «вершине» рынка, финансовая прибыль носит вторичный характер.

Джонатан Бинсток из Citi Private Bank помогает клиентам собирать коллекции, культурное значение которых намного превосходит их суммарную стоимость. Личные предпочтения играют такую же или еще более важную роль, чем возврат инвестиций. По его словам, клиенты не покупают картину за $5 000 000, потому что через 3 года ее цена вырастет на 2%. К тому же эти люди крайне редко продают приобретенные работы.

Искусство — это не самая громкая инвестиция, но в социуме она приносит невероятные дивиденды и служит неким отличительным признаком. Так, все газеты написали о покупке Леоном Блэком (Leon Black) картины Эдварда Мунка (Edward Munch) «Крик» за $120 000 000. Если бы Блэк приобрел за эти же деньги современную яхту, он бы не получил практически никакой огласки в обществе.

Коллекционеры покупают социальное положение так же, как и дорогой продукт, и тем самым сохраняют свой статус. Полотна Джексона Поллока являются своего рода пропускным билетом в один из самых богатых и эксклюзивных клубов мира. По оценкам аукционного дома Кристис, на рынке художественных работ стоимостью свыше $20 000 000 числится всего лишь 150 коллекционеров.

По словам Сары Фридлендер: «Начиная с первых дней эпохи Возрождения, люди использовали искусство, чтобы войти в определенный социальный круг. И это хорошо». Таким образом коллекционеры могут взаимодействовать с художниками и поддерживать живопись подобно итальянскому семейству Медичи. Проще говоря, организация выставок для потенциальных гениев и финансирование музеев позволяет наследникам, трейдерам хедж-фондов и руководителям компаний Fortune 500 наслаждаться всем происходящим в качестве меценатов.

И наконец, в чем заключается последняя причина, по которой люди покупают чрезмерно дорогие картины? Богатый коллекционер Сара Торнтон (Sarah Thornton) говорит об этом так: «Когда у тебя уже есть четыре дома и самолет G5, что еще остается?»

Действительно ли шедевры такие особые?

Если вы попросите первого встречного человека назвать одну из известных картин, в большинстве случаев он вспомнит шедевральную Мону Лизу (она же Джоконда).

Искусствоведы выдвигали множество объяснений по поводу особого статуса этого полотна. К примеру, сайт Лувра, среди всего прочего, отмечает загадочную улыбку женщины и специфическую позу, в которой она изображена. Но в статье для Intelligent Life журналист Ян Лесли (Ian Leslie) предлагает альтернативное пояснение: восхождение Моны Лизы на вершину мира живописи, как и любой другой работы, было исторически сложившейся случайностью.

Несмотря на свою популярность, эта картина имеет удивительно скучную историю. Как пишет Лесли, в 1850 году Леонардо да Винчи (Leonardo da Vinci) не шел ни в какое сравнение с такими великими представителями эпохи Возрождения, как Тициан (Titian) и Рафаель (Raphael), чьи работы оценивались как минимум в 10 раз дороже, чем Мона Лиза. Джоконда тоже выставлялась в Лувре, но она не привлекала к себе внимание посетителей.

Все изменилось в 1911 году, когда музейный работник украл картину, просидел всю ночь в шкафу и на следующий день покинул здание, спрятав полотно под мантией художника. Внезапно Мона Лиза стала главной новостью в издательствах всего мира. Когда вора арестовали, вокруг его судебного разбирательства разразился настоящий медиа-спектакль, так как итальянцы посчитали кражу проявлением патриотизма.

С точки зрения психологии не секрет, что известность порождает приязнь. По мнению Джеймса Каттинга (James Cutting) данный «эффект симпатии к знакомому» (mere-exposure effect) объясняет, почему мы выделяем одни картины на фоне других.

В рамках эксперимента, он показывал старшекурсникам слайды с картинами импрессионистов. Контрольной группе понравились работы, которые упоминались в учебниках по истории искусства; студенты выбирали знаменитые полотна в 4 раза чаще, чем неизвестные. Следуя этой логике, мы можем сделать вывод, что именно кража Моны Лизы сделала ей репутацию, и многие признанные шедевры стали знаменитыми благодаря таким историческим случайностям:

«Работы импрессионистов, на которые сегодня чаще всего делают репродукции, были куплены пятью или шестью богатыми и влиятельными коллекционерами еще в XIX веке. Предпочтения этих людей делали определенные полотна более престижными, благодаря чему их с большей вероятностью размещали в галереях и упоминали в антологиях.

С годами престижность набирала обороты. Чем больше людей видело картину, скажем, “Бал в Мулен де ла Галетт”, тем больше она им нравилась и тем чаще упоминалась в книгах, появлялась на плакатах и выставлялась в крупных галереях. В то же время, ученые и критики придумывали изощренные доводы, чтобы оправдать превосходство этой работы», — пишет Лесли.

Внешние обстоятельства, не имеющие отношения к самой картине, также влияют на ее статус в мире искусства. Одной из причин, по которой мы отмечаем отдельные полотна и мастеров, является их вклад в художественное движение. «Фонтан» Марселя Дюшана — это всего лишь перевернутый и подписанный писсуар, но он символизирует вызов дадаистов по отношению к чувственной живописи. Именно поэтому заверенная копия данного произведения (оригинал был утрачен) была продана за $1 800 000 в 1999 году.

Тем не менее, репутация полотен постоянно меняется. По словам Джонатана Бинстока, раннего художника эпохи Возрождения Пьеро делла Франческа (Piero della Francesca) довольно долго упускали из виду. Но когда такие сюрреалисты, как Сальвадор Дали (Salvador Dali), начали искать в его работах вдохновение, музеи стали называть Пьеро представителем влиятельного художественного движения. Когда мы говорим о ценности той или иной работы, на самом деле мы имеем в виду социальное значение, приписываемое этому произведению: современные взгляды на искусство и благоприятное отношение к картине формируются со временем благодаря ее повсеместному представлению.

Хотя таким образом успех некоторых отдельных шедевров оказывается под сомнением, это вовсе не значит, что замысел художника и его мастерство не играют никакой роли. В своей статье Лесли рассказывает о другом эксперименте, который имитировал методику Каттинга, но при этом на слайдах также демонстрировались работы Томаса Кинкейда (Thomas Kinkade), считавшиеся «золотым стандартом плохого искусства». В итоге студенты реагировали на его картины, как на плохой фильм: чем чаще они видели эти слайды, тем хуже они относились к творчеству Кинкейда.

Объекты исторических случайностей — картины Мона Лиза и Герника да Винчи и Пикассо соответственно — очень высоко ценятся на рынке искусства. Однако художники, чьи работы оцениваются в рекордные суммы на аукционах, представляют лишь крохотную долю арт-рынка. По словам Бинстока, сегодня таких мастеров насчитывается не более 40.

Коллекционеры уверенно вкладывают средства в художников, которые чаще всего упоминаются в исторических учебниках. Но как на счет молодых живописцев? Каким именно образом краска на холсте превращается в дорогое искусство?

Первое правило художественной галереи

Когда Дэниел Рэдклифф, зарекомендовавший себя как коллекционер современного искусства благодаря гонорарам за фильмы о Гарри Поттере, посетил Frieze Art Fair — он остановил свой взгляд на работе концептуального художника Джима Ходжеса (Jim Hodges). У богатого актера было достаточно денег, но он обнаружил, что между возможностью оплатить картину и купить ее есть существенная разница. Дилер сказал Рэдклиффу, что это полотно «ждет более престижного коллекционера» для покупки. Дэниелу удалось приобрести работу только после того, как художник лично дал свое согласие дилеру.

Если вы спросите знатока индустрии о расценках на изобразительное искусство, он ответит, что здесь все зависит от спроса и предложения. Мы снова и снова слышим, что это такой же рынок, как и любой другой, но на самом деле это не совсем так. При покупке предметов роскоши потребители часто приравнивают цену к качеству, особенно когда речь идет об арт-рынке. Но здесь продажу картины по заниженной стоимости не считают случайной скидкой — коллекционеры воспринимают это как признак того, что таланты художника и его работа переоценивались.

В результате, художественные галереи осуществляют довольно жесткий контроль над ценами, который, как пишет экономист Эллисон Шрагер (Allison Schrager), был бы незаконным в большинстве отраслей. Таким образом, работа мастера выделяется и начинает испытывать все преимущества эффекта симпатии к знакомому. Как описывает Лесли, это не совсем «историческая случайность», а часть хорошо спланированного процесса, возвышающего художников до уровня известных брендов.

Большинство новых картин продается в музеях и галереях. Чаще всего художник сотрудничает с одной галереей, которая представляет его и обычно взимает 50% комиссии с каждой продажи. Галереи используют свое положение, чтобы установить определенный уровень ценовой стабильности на рынке живописи, ведь без нее миллионерам было бы слишком рискованно тратить большие деньги даже на работы таких признанных мастеров, как Ротко.

Галереи делают это, отказываясь снижать цену на любую картину. Они обладают репутацией за продажу работ в конкретном ценовом диапазоне, и чтобы защитить свой престиж, дилеры скорее перестанут представлять художника, чьи полотна плохо продаются, нежели снизят стоимость картин.

Но галереи также обеспокоены и теми картинами, которые продаются слишком быстро по высокой цене — особенно если они не получают комиссии со сделки — поскольку любая тенденция к понижению стоимости работы в дальнейшем может навредить бренду художника. Так что галеристы сохраняют контроль над ценами, сотрудничая с доверенными клиентами, готовыми продавать только через галерею и на ее условиях. Они предоставляют лояльным коллекционерам доступ к своим лучшим предложениям и в то же время могут прекратить продажу работ клиентам, которые перепродают картины на вторичном рынке.

Эллисон Шрагер рассказала историю о коллекционере, предложившем столько денег за картину, что «ей никогда бы больше не пришлось работать»:

«Я объяснила, что не буду торговаться с автором полотна — любая перепродажа картины должна производиться через галерею, которая получает комиссионные со сделки и устанавливает свою цену. Молодой коллекционер знал, что такая продажа будет иметь определенные последствия. Быть может, картина и принадлежала знаменитости, но получив за нее прибыль без разрешения галереи, я бы навсегда выбыла из арт-индустрии. Это не стоило даже предложенных мне миллионов»

Галереи хотят, чтобы продвигаемые ими художники становились успешными и стоимость их работ повышалась. По этой причине они не только знакомят живописцев с правильными людьми и предоставляют студии, но предлагают (в порядке исключения) влиятельным коллекционерам скидки на их картины, так как это повышает авторитет художника.

Какую роль играют аукционы?

Аукционные дома представляют угрозу для данной системы, поскольку они ослабляют контроль галерей над ценами и комиссиями. Один из сотрудников аукционного дома, пожелавший сохранить анонимность, признал, что между галереями и аукционными домами присутствует некая напряженность. Хотя он считает, что аукционы играют важную роль для поднятия спроса на работы художника, галеристам не нравятся такие мероприятия.

Если картина все же попадает на вторичный рынок, галереи принимают участие в аукционе и при необходимости вступают в торги за эту работу, чтобы сохранить ее стоимость. Гуеррини-Маралди называет это «поддерживающими торгами». По его словам, это происходит довольно часто, когда люди хотят защитить свое портфолио или интересуются художником. К примеру, если кто-то владеет несколькими полотнами Пикассо, он может намерено торговаться за очередную картину, чтобы повысить ценность собственной коллекции.

Дабы успокоить продавцов, аукционные дома Кристис и Сотбис обычно гарантируют, что они не будут продавать полотна дешевле минимальной «резервной цены». Поскольку отсутствие высоких заявок на картину может навредить бренду, аукционеры сразу же предлагают за нее хорошие деньги, стучат молотком и кричат «Продано!».

Еще одной распространенной тактикой являются так называемые «заявки с потолка», когда торги начинаются с нескольких несуществующих ставок. Аукционные дома привлекают внимание покупателей, демонстрируя работы художников на выставках по всему миру, прежде чем выставить их на продажу. Таким образом они извлекают выгоду из эффекта симпатии к знакомому. New York Times отмечает, что коллекционеров могут провоцировать подставные покупатели. В обмен на согласие заплатить определенную сумму за картину, им обещают покрыть все расходы, превышающие эту стоимость. Так цены повышаются за счет ложной конкуренции.

Как говорит Филиппо Гуерини-Маралди: «Рынок искусства — это крупнейший нерегулируемый рынок в мире. Здесь действует минимум правил, а люди ведут себя самым непредсказуемым образом».

Произведения искусства как признак статуса

Исследование рынка живописи показывает, что демонстративные траты миллионеров существенно влияют на то, какие работы мы отмечаем на фоне остальных. В защиту данной модели, стоит отметить, что в эпоху Возрождения богатые семьи, выступающие в роли художественных меценатов, имели очень хорошую репутацию.

Сотрудники галерей утверждают, что они действуют только в интересах художников, а анонимный работник аукционного дома называет этих специалистов настоящими провидцами, которые отбирают для нас шедевральные работы уровня Пабло Пикассо. По сути, галереи являются бренд-менеджерами, но они также могут рассматриваться как музейные кураторы.

В то же время сотрудник аукциона восхищается более демократичным аспектом публичного приобретения на вторичном рынке, где работа может говорить сама за себя. В конечном счете, манипулирование ценами полу-произвольно превращает нескольких избранных живописцев в прибыльные бренды и символы статуса. Как признается один арт-дилер:

«Иногда вы можете увидеть привлекательную работу на улице по минимальной цене, но покупая эту картину, вы упускаете инвестиционную ценность и социальный престиж от создания коллекции».

Также важно помнить, что хотя галереи и аукционные дома контролируют поток денег, мнение критиков им не подвластно. Джонатан Бинсток описывает отношения рынка и музеев как улицу с двухсторонним движением. Он отмечает, что некоторые молодые художники привлекают к себе слишком много внимания, поэтому галереи начинают присматриваться к ним более пристально.

Бинсток также упоминает живописцев, чьи работы выросли в цене в ходе повального увлечения определенным стилем в 1980-х годах, и подешевели, как только рынок сдвинулся с места. Что же касается альтернатив галерейной модели — будь-то онлайн-продажи клиентам напрямую или торговля через некоммерческие пространства — то они позволяют художникам финансировать свою работу, не придерживаясь традиционных методов.

Деньги оказывают влияние на искусство. Картины, которые хорошо смотрятся на стенах элитных апартаментов, продаются намного легче и с полным нарушением законов спроса и предложения. Поскольку участие в выставках и постоянные продажи повышают стоимость картин, рынок заинтересован в продуктивности мастеров, а не в создании шедевров. Но все же никакое вмешательство не может бесконечно поддерживать цену на работы, которых так избегают музейные кураторы. Молодой художник по имени Эмма Вебстер (Emma Webster) утверждает:

«Создавать искусство, адаптированное под рынок, невозможно. Художники, пытающиеся выделиться на фоне остальных, встречаются слишком часто, поэтому ими очень просто пренебречь»

Тем не менее, рынок живописи помогает определить, какое искусство является более значимым. Этому также способствуют наследники и менеджеры хедж-фондов, которые поставляют деньги. Как видно из истории о Моне Лизе, картины довольно часто становятся шедеврами по воле случая. Но деньги все-таки делают свой вклад в один из наименее привлекательных аспектов мира живописи: таинственную ауру, окружающую известных художников и их работы, которая так волнует посетителей музеев.

Несмотря на то, что это мнение одного человека, Вебстер считает, что общественность не должна винить художников за культ личности, который их окружает. По ее словам, известные живописцы не создают ауру — этим занимаются галереи, критики, промоутеры и клиенты, ведь так они укрепляют свои инвестиции.

Когда в мире искусства покупают и продают картины за баснословные деньги, эти произведения не могут быть простыми. Дорогое искусство нуждается в надежных доводах, чтобы оправдать свою стоимость. Это приносит пользу художникам, чьи работы продаются за сотни тысяч или миллионы долларов. Но за это приходится платить отчуждением общественности от мира искусства.

Высоких вам конверсий!

По материалам: priceonomics.comimage source nickturpin 

09-11-2015

Почему современное искусство стоит так дорого? | МИР НАУКИ: интересное вокруг

Искусствоведы утверждают, что работы современных авторов интересные и живые, они воздействует на зрителя по-особому. Так ли это на самом деле и почему картины, которые может нарисовать ребенок, стоят миллионы долларов, или почему унитаз называют искусством и продают дороже, чем дом?

Источник - https://pixabay.com

Источник - https://pixabay.com

Искусство или перфоманс?

До начала 20 века произведения искусства ценили за эстетику и вдохновение, которое зритель получал, когда смотрел на них. Картину, которую написал художник, можно было повесить на стену в залу и любоваться. Гипсовую или мраморную статую выставить на постамент и наслаждаться реалистичными линиями.

С приходом новой технологии – фотографии – традиционное искусство перестает выполнять одно из своих предназначений – восхищать реальностью жизни. Вместо портретов, пейзажей и натюрмортов, написанных красками, появляются фотографии. Авторы хотят чего-то нетрадиционного, интересного и уникального.

В 1915 году Казимир Малевич призывает зрителя искать в картинах больше, чем написано. Его «Черный супрематический квадрат» предлагает не наблюдать, а сыграть в интеллектуальную игру. Правила игры простые: посмотри на меня и догадайся, что я рассказываю. Малевич делает первые шаги на пути к переосмыслению традиционного искусства.

1917 год становится отправной точкой для современного мира. Именно в этом году художник Марсель Дюшан делает провокационный и новаторский экспонат. Если вы не знаете, мы расскажем. Дюшан покупает в магазине обычный писсуар. А дальше все просто: переворачивает его, пишет имя R.Mutt и приносит на выставку в Общество независимых художников. Он называет свое произведение «Фонтан». Правда, экспонат находится на выставке недолго, так как коллеги Дюшана не принимают его идею.

Тем не менее история с перевернутым писсуаром делает свое дело: Дюшан становится знаменитым, а его «Фонтан» прокладывает начало новой концепции: произведение искусства существует в той идее и форме, какой ее называет автор. Его термин реди-мейд (дословно: уже готовый) означает, что важно не создать, а объяснить зрителю: писсуар – произведение искусства, в котором есть идея.

Почему работы современных авторов стоят дорого?

Современное искусство воплощает мысль о том, что каждый способен изменить мир к лучшему; важно увидеть это через простые предметы. Так ли это на самом деле? И да, и нет. Художник формирует идею, чтобы вложить ее в свое творение. Но в мире есть те, кто даже не пытается вложить глубокий смысл в работу. Тогда за автора это делают эксперты – галеристы и искусствоведы: с помощью сложных слов они пытаются объяснить зрителю то, чего нет в работе.

И все же, почему так дорого? Почему картина, на которой написаны два квадрата разного цвета, стоит дороже, чем квартира в центре Нью-Йорка или Москвы?

Цена любой работы складывается из нескольких факторов:

1. История самого произведения искусства. Цена картины возрастает в разы, если у нее есть история. В Эрмитаже хранится «Даная» Рембрандта. Холст, который художник писал со своей жены, он изменил после ее смерти: соединил в Данае черты лица обеих женщин. После этого картина пропала на долгие сто лет, а потом оказалась в коллекции российской императрицы Екатерины II. Во время революции новая власть распродает шедевры и только Даная остается в Эрмитаже. А дальше – самое важное событие, которое добавило стоимость картине в разы: в 1985 году один из посетителей проткнул картину ножом и залил холст серной кислотой. Реставраторы 12 лет восстанавливали Данаю. Теперь эта самая дорогая картина Рембрандта.

В мире искусства известны и другие акты вандализма, которые добавили стоимость картинам.

2. Статус, который получает покупатель. Начиная со средних веков работы художников скупают вельможи и приближенные к королевским династиям, чтобы подтвердить статус знати. Картины становятся предметами, которые рассказывают о финансовом состоянии владельца. В современном мире ничего не изменилось – искусство все также относят к роскоши, которую не каждый себе позволит. Так, Леон Блэк купил картину «Крик» Мунка за 120 миллионов долларов. О покупке рассказывали газеты и Блэком получил признание обществом своего состояния.

3. Возможность получения будущих дивидендов. Бизнесмены становятся постоянными покупателями картин. Долгосрочные вложения – цель любого делового человека. Если работа автора уже известна миру, то может вырасти в цене на 20 % к следующему году. Поэтому они охотно покупают мировые шедевры и работы современных авторов, чтобы продать их потом намного дороже.

4. Уникальность работы. На аукционах покупают не работу автора, а идею. Чем больше нового, интересного и необычного в работе, тем дороже она может стоить. Например, Казимир Малевич стал первым, кто изобразил «Черный квадрат», Энди Уорхолл разместил консервную банку на холсте. Марк Ротко написал несколько картин «Без названия», на которых только квадраты разных цветов. Красочный отпечаток на акриловом стекле Андреаса Гурски – самого дорогого фотографа в мире, был продан за 4,3 миллиона долларов. Музеи и коллекционеры готовы платить миллионы долларов за уникальные вещи, которые до этого никто не делал.

5. Имидж автора. Если художник уже известен в мире, его картины продаются с аукционов за большие деньги. Но чтобы сыскать славу и заработать, нужно работать в команде с хорошими маркетологами. Например, Дэмиен Херст – художник, у которого в команде работают сразу несколько специалистов. Его инсталляция «Физическая невозможность смерти в сознании живущего» - это часть акулы в аквариуме, который наполнили формалином. Отличная маркетинговая компания, в которой принял участие заказчик инсталляции Чарльз Саатчи. Он продал работу Херста влиятельному трейдеру Коэну за 12 миллионов долларов. Цена этого «шедевра» складывается из уникальности работы, громких имен и хорошей маркетинговой компании.

6. «Должно быть». Музеи, у которых уже есть всемирная известность, могут делать выставки и без современных авторов. Но как быть тем, кто только начинают свой путь на мировой музейной сцене? Они должны иметь произведения современного искусства, чтобы поднять свой статус. Тогда они готовы платить любые деньги, чтобы заполучить современные работы.

Но самым важным фактором, который влияет на стоимость современных шедевров, остаются люди. Мир современного искусства - рынок, где арт-дилеры продают работы, а коллекционеры, бизнесмены и галеристы их покупают.

И все же, почему так дорого? Ответим: современный арт-шедевр стоит столько, сколько за него готовы заплатить. Организаторы аукционов не знают конечную стоимость картины, они назначают минимальную цену, чтобы продать максимально дорого. И пока миллионеры готовы платить, произведения искусства остаются не шедеврами, а конвертируемой валютой.

Понравилась статья? Ставь палец вверх и подписывайся на мой канал - там ещё множество научных тем: космос, химия, физика, технологии,изобретения и многое другое!

Ссылки на источники

7 причин, почему некоторые произведения искусства настолько дороги »Чувствуйте себя хорошо сейчас 24/7

Искусство - это намного больше, чем кажется на первый взгляд . Ценность искусства больше связана с восприятием. Искусство не имеет границ, искусство не имеет правил, искусство не диктует, каким должно быть искусство. Но в то же время это отрасль стоимостью в миллиард долларов.

Изображение Free-Photos с сайта Pixabay

Художник сопряжен с множеством проблем, а ценить искусство - само по себе искусство. Но он по-прежнему будоражит ум, , как то, что выглядит так, будто нарисовано маленьким ребенком, стоит миллионы долларов. И что делает его дороже, чем следующая штука.

Изображение Стефана Келлера с сайта Pixabay

Есть много углов, чтобы посмотреть на него, и , если вам интересно, как можно определить реальную ценность искусства, или что делает его невероятно дорогим или вообще ничего не стоящим, эта статья для вас .

1. Артикул оценить сложно.

Искусство - это независимая дисциплина , поэтому трудно оценить по достоинству. Тем не менее, есть некоторые технические аспекты, которые вы можете учитывать при оценке, например, размер, сколько ему лет, кто его сделал, если он был куплен кем-то раньше и тому подобное.

Ценность искусства определяет воспринимающий. Что-то может стоить миллионы для одного человека и совсем ничего не стоить для следующего. Если вы подключаетесь к произведению искусства, оно ценно для вас, если нет, то просто нет.

Но нельзя так смотреть на искусство. Если вы не планируете покупать произведение искусства в определенный момент, вы никогда не должны его видеть, поскольку оно экономически выгодно. Искусство нужно ценить и восхищаться им.

Рыночная стоимость произведения искусства постоянно меняется.В конце концов, ценность будет равняться только тому, что люди готовы платить. И искусство не должно быть связано деньгами.

Изображение Mondschwinge с сайта Pixabay

2. Восприятие искусства художником

Художники не думают о деньгах, когда дело касается своего дела. Это больше похоже на отражение самих себя в большом мире, и деньги - лишь крошечный его аспект.

Художники рассказывают свою историю через искусство, и для них ценность искусства заключается в том, сколько людей смогли к нему подключиться.

Искусство не о красоте, его никогда не было. Для разных людей он означает разные вещи, его сила заключается в уникальности, чистой страсти и способности передавать эти сильные эмоции. Для одних это будет красиво, а для других - глупо. Итак, от вас зависит, смогли вы к чему-то подключиться или нет.

Художники часто живут сложной жизнью. Художником нелегко поддерживать себя. Потому что, опять же, ценность чего-либо будет только той, которую люди готовы платить за это в конце дня.S

o, в следующий раз, когда вы посмотрите на произведение искусства, убедитесь, что вы поощряете художника. Такая крошечная вещь может иметь огромное значение для этого человека.

3. Простая кривая спроса и предложения

Когда спрос на что-то увеличивается, предложение должно наверстать упущенное, чтобы удовлетворить людей. Но когда предложение меньше, а спрос огромен, вещь становится эксклюзивной.

Причина того, что некоторые картины такие дорогие, в том, что художников, которые их рисовали, уже нет в живых.После смерти художника ценность искусства значительно возрастает.

Потому что это делает эту вещь эксклюзивной и более важной. Большинство известных произведений искусства выдающихся художников хранится в музеях. Вот почему, даже если картина выглядит как маленький ребенок, брызги краски на холст иногда стоят миллионы.

Изображение Alexandra Haynak с сайта Pixabay

4. Высокая стоимость выставок и художественных галерей

При оценке искусства необходимо учитывать не только ценность искусства. Выставки и мероприятия дорогие . Если вы действительно хотите, чтобы ваше искусство было замечено в элитных художественных галереях планеты, это будет стоить вам денег. Быть членом элитного арт-клуба может быть очень дорого.

Итак, даже если вы цените искусство, вы не сможете себе это позволить. Художественные выставки, аукционы и другие мероприятия стоят денег.

Показывать искусство людям и информировать их о его существовании - дело не из дешевых. Так что это еще один фактор, почему некоторые произведения искусства так дорого стоят.

5. Расцвет абстрактного и современного искусства

Изобретение фотоаппаратов привело к значительному сдвигу в художественной культуре. Теперь камера могла гораздо лучше справляться с тем, чем искусство занималось в течение многих лет. Итак, искусство больше не предназначалось для умелого представления мира. Современное искусство было больше сосредоточено на абстрактном аспекте.

Это было больше о чувстве и представлении себя, чем о мире. Итак, это был один из огромных сдвигов в художественной культуре, который определенно повлиял на то, как она воспринимается сегодня миром.

6. Искусство - легкое вложение

Искусство рассматривается как легкое вложение, и богатые люди часто используют его в корыстных целях, а не совсем для той цели, для которой оно предназначено.

Согласно Investopedia.com, изобразительное искусство может быть прекрасным вложением средств.

Ценность произведений искусства постоянно меняется, и если вы купите что-нибудь за миллион долларов сегодня, ценность этого произведения будет намного выше, чем в следующие семь лет.

Элитный класс общества использует искусство, чтобы избежать уплаты налогов и повысить свой имидж.

Подумайте об этом так: вы купили что-то за миллион долларов, и через десять лет это будет стоить 10 миллионов долларов, а ваш годовой доход составляет 20 миллионов долларов. Теперь вы решаете подарить свою картину стоимостью 10 миллионов долларов, вам нужно только заплатить налоги за оставшиеся 10 миллионов. И ваша огромная благотворительность будет известна и распространена по всему миру.

Вдобавок ко всему, ваше имя будет упомянуто рядом с картиной, которую вы подарили, где она хранится в музее.Итак, - это мощный способ манипулировать искусством и использовать его в своих интересах.

Изображение JL G с сайта Pixabay

Это не так уж и плохо, но искусство следует рассматривать как нечто большее, чем его стоимость в долларах . Это должно быть видно, потому что это было создано для того, что художник хотел передать, или что это значит для вас.

Искусство сложно судить, но те, кто живет ради него, знают, насколько оно может быть чудесным и как без него мир станет серым.

7. Заниматься искусством дорого

Занятия искусством не из дешевых. Художники часто живут нелегко. Жить нелегко, и местным артистам очень сложно продавать свои работы. Разница почти новаторская.

Художники либо безумно богаты, либо едва выживают. Но в этом вся прелесть.

Художники продолжают заниматься своим ремеслом даже после того, как разорились. То, как они воспринимают реальность, то, как они видят мир, который не был так добр к ним, и желание вставать и встречаться с ним каждый божий день легче сказать, чем сделать.

Искусство - это освобождение, и оно требует жертв и мужества, которыми обладают очень немногие. Борющийся художник - это воин внутри, ведущий бесчисленные битвы в уме и в мире .

Итак, в следующий раз, когда вы увидите его, будьте внимательны и сострадательны.

Жизнь, которую они выбирают, находится на грани, где она прекрасна и в то же время смертельна. Как когда заходит солнце, наполовину в тени, наполовину сгоревшее в огне.

Заключение

Все искусство ценно, все искусство по-своему уникально. Искусство мощно и великолепно. Неудивительно, что некоторые из них безумно дороги. Живет, чтобы рассказать историю художника. И эта сказка увековечивает художника спустя много лет после его смерти. В этом прелесть того, что реальность может измениться, а момент или чувство - нет. Это священная профессия, это единственное, что действительно может освободить вас, так что позвольте ей.

Изображение JL G с сайта Pixabay

Большое спасибо за чтение. Мы надеемся, что смогли чем-то помочь вам.Если есть что-то, что вы хотели бы добавить в статью, обязательно укажите это в комментариях ниже. Если у вас есть история или инцидент, связанный с тем, как искусство вдохновило вас или изменило ход вашей жизни, мы также будем рады это услышать.

Мы всегда будем благодарны за ваши отзывы.

Спасибо и удачного дня.

Если вам понравилась статья, поделитесь ею в различных социальных сетях и с друзьями-художниками.

Также вы можете щелкнуть и поделиться булавкой ниже на Pinterest:

Ссылки по теме:
Профиль автора
Таманна W
Живет в Индии.Она мечтает когда-нибудь поселиться в завораживающей Шотландии. Жадный читатель, любитель видеоигр, настоящий фанат СМИ и развлечений.
Писать - ее второе любимое занятие! Первая играет со своими домашними собаками, а третья играет на пианино.

Связанные

Почему некоторые произведения искусства такие дорогие? Объяснил, что рынок искусства стоимостью 63 миллиарда долларов.

На прошлой неделе скульптура Джеффа Кунса 1986 года была продана на Christie’s за 91,1 миллиона долларов, установив новый рекорд самой дорогой работы, проданной живым художником.Скульптура, большой серебристый кролик с отражением, была куплена галеристом Робертом Мнучином, бывшим партнером Goldman Sachs, основателем Mnuchin Gallery на Манхэттене и отцом министра финансов Стива Мнучина, от имени анонимного клиента.

Продажа Кунса, возможно, и стала новым рекордом, но ставки в десятки или сотни миллионов - не редкость в мире искусства. На аукционе Сотбис в Гонконге пара картин покойного китайского французского художника Цзао Ву-Ки была продана за 65,1 миллиона долларов и 11 долларов.5 миллионов в сентябре. В 2017 году на Christie’s за 450 миллионов долларов была продана давно утерянная картина Леонардо да Винчи «Salvator Mundi», которая позже стала предметом теории заговора, что сделало ее самым дорогим произведением искусства из когда-либо проданных. Согласно данным Art Basel и ежегодного отчета UBS о мировом рынке искусства, на мировом рынке искусства, который включает в себя галереи, художественные ярмарки и аукционные продажи, в 2018 году было продано 67,4 миллиарда долларов, что на 6 процентов больше, чем в предыдущем году.

Продажи, которые попадают в заголовки газет, как, например, продажа последней скульптуры Кунса, побившей все рекорды, становятся все более обычным явлением и в то же время аномалией в мире искусства.Эти продажи вызваны небольшой группой богатых коллекционеров, которые платят астрономические цены за работы еще меньшей группы художников, которые, в свою очередь, представлены небольшим количеством известных галерей. Между тем, работы большинства ныне живущих художников никогда не будут продаваться за шестизначные или семизначные суммы, а галереи, которые их представляют, все чаще остаются позади.

Почему искусство такое дорогое?

Если коротко, то в большинстве случаев искусство - нет.

Несколько ныне живущих художников - Кунс, Дэмиен Херст, Яёи Кусама и многие другие - богаты и знамениты, но большинство из них нет и никогда не будут ими.Чтобы прорваться на рынок, художнику сначала нужно найти галерею, в которой он будет представлен, что сложнее, чем кажется. Анри Нойендорф, заместитель редактора Artnet News, сказал мне, что галеристы часто посещают выставки выпускников художественных школ, чтобы найти новые молодые таланты, которые они могут представлять. «Эти туфли - первая арена, первая точка входа для многих молодых художников», - сказал он.

MFA обходятся недешево - в 2014 году обучение в 10 самых влиятельных программах MFA стоило в среднем 38000 долларов в год, что означает, что студенту-искусствоведу придется потратить около 100000 долларов, чтобы получить степень, поэтому некоторые галеристы пытаются разнообразить свое представительство. глядя за пределы толпы художественной школы.Но мир искусства остается далеко не разнообразным, особенно в высших эшелонах. Исследование, проведенное в 2014 году коллективом художников BFAMFAPhD, показало, что 77,6 процента художников, которым удается зарабатывать на жизнь продажей своих работ, являются белыми, как и 80 процентов всех выпускников художественных школ.

Christie’s продал свое первое произведение компьютерного искусства «Портрет Эдмонда Белами» за 432 500 долларов. Художественный коллектив Obvious

Художники, которые выделяются на выпускной выставке или в другом месте, могут продолжить показ своих работ на групповых выставках с другими начинающими художниками.Если их работы будут хорошо продаваться, они смогут получить персональную выставку в галерее. Если из этого шоу преуспевает, тогда их карьера действительно взлетает.

Работы начинающих художников обычно оцениваются в зависимости от размера и среднего размера, сказал Нойендорф. Картина большего размера обычно будет стоить от 10 000 до 15 000 долларов; работы на холсте стоят дороже, чем работы на бумаге, цена на которые выше, чем на принты. Если художник представлен известной галереей, такой как David Zwirner или Hauser & Wirth, престиж дилера может дать работам приличный скачок цены, даже если художник относительно неизвестен.Независимо от престижа художника или галереи, дилеры обычно получают 50% от продаж художников.

Но закрытие небольших галерей затрудняет зарабатывать на жизнь начинающим художникам - не говоря уже о дилерах, которые их представляют. Согласно прошлогоднему отчету UBS и Art Basel, в 2017 году закрылось больше галерей, чем открылось. Между тем, крупные галереи открывают новые места для обслуживания растущего глобального рынка, и ожидается, что дилеры со всего мира все чаще будут появляться на международных художественных ярмарках, таких как Armory Show и, да, Art Basel.

Олав Велтуис, профессор Амстердамского университета, изучающий социологию в искусстве, связывает закрытие небольших галерей с ростом числа арт-ярмарок. В колонке New York Times за 2018 год Велтуис написал, что эти ярмарки, на которых галереи часто берут от 50 000 до 100 000 долларов за выставочную площадь, невероятно затрудняют возвращение мелких галеристов домой с прибылью. Но поскольку ярмарки становятся предпочтительным способом для богатых коллекционеров покупать произведения искусства, у галерей нет другого выбора, кроме как участвовать.

Галереи меньшего размера, как правило, представляют начинающих художников, что ставит как дилеров, так и художников, которых они представляют, еще в одном невыгодном положении. «Проблема в том, что спрос на искусство неравномерно распределяется между всеми живыми художниками», - сказал мне Велтуис в электронном письме. «Вместо этого многие люди обращаются к небольшому количеству художников. Вот что приводит к росту цен ».

«Рынок искусства функционирует как большая консенсусная маркетинговая машина», - продолжил Велтуис. «Поэтому люди смотрят на сигналы качества.Эти сигналы могут быть, например, тем, что важный куратор говорит о художнике; если у [художника] есть выставки в музеях; если его работы покупают влиятельные коллекционеры. Поскольку все, по крайней мере до некоторой степени, смотрят на одни и те же сигналы, в какой-то момент они начинают соглашаться [в] о том, кто является наиболее желанным артистом ».

Другими словами, работы некоторых художников продаются за миллионы долларов, потому что в мире искусства существует консенсус, что эти работы должны продаваться за миллионы долларов.А поскольку искусство - это «рынок уникальных предметов», добавляет Велтуис, возникает ощущение дефицита, несмотря на то, что такие художники, как Джефф Кунс и Дэмиен Херст, выпускают работы в промышленных масштабах.

«Проблема в том, что спрос на искусство неравномерно распределяется между всеми живыми художниками. Вместо этого многие люди обращаются к небольшому количеству художников. Вот что приводит к росту цен ». —Олав Велтуис

Согласно отчету UBS и Art Basel, всего 0,2 процента художников имеют работы, которые продаются на сумму более 10 миллионов долларов, но 32 процента из 63 с лишним миллиардов долларов продаж произведений искусства в 2017 году приходятся на произведения, проданные на сумму более 10 миллионов долларов.Анализ, проведенный Artnet в том году, показал, что только 25 процентов художников составили почти половину всех современных аукционных продаж за первые шесть месяцев 2017 года. Только трое из этих художников были женщинами.

«Это определенно хороший пример рынка, где победитель получает все, где доходы и прибыль распределяются крайне неравномерно», - сказал Велтуис. «[В принципе] это не проблема сама по себе. Однако галереям среднего сегмента рынка трудно выжить, и если многие из них закроют свои двери, это плохо для экологии мира искусства.Нам следует подумать о том, как позволить прибылям наверху стекать вниз к середине и низу ».

Кто покупает искусство? Сверхбогатый

Продажа «Salvator Mundi» в 2017 году возобновила дискуссии о роли денег в мире искусства - и даже породила теорию заговора # Resistance о темных деньгах и выборах в резиденцию 2016p. В интервью Financial Times в 2017 году Джорджина Адам, эксперт по арт-рынку и автор книги Темная сторона бума: эксцессы арт-рынка в 21 веке, объяснила, как возможно, что одна картина может стоить больше денег. чем большинство людей видят в своей жизни.«В наши дни очень богатые люди имеют поразительное количество денег», - сказал Адам. Галерист, проинтервьюированный в своей книге, объяснил это следующим образом: если пара имеет собственный капитал в размере 10 миллиардов долларов и решает инвестировать 10 процентов этого капитала в искусство, это дает им 1 миллиард долларов, на которые они могут купить все картины и скульптуры, которые их душе угодно.

Сейчас коллекционеров больше, чем когда-либо прежде, и эти коллекционеры богаче, чем когда-либо. Согласно книге Адама, либерализация экономики некоторых стран, в том числе экономики Китая, Индии и ряда стран Восточной Европы, привела к буму коллекционирования произведений искусства за пределами США и Западной Европы.Страны Персидского залива также являются горячей точкой для коллекционеров. В результате рынок превратился в то, что писательница Рэйчел Ветцлер описала как «глобальную индустрию, связанную с роскошью, модой и знаменитостями, привлекая расширенный круг сверхбогатых покупателей, которые агрессивно конкурируют за работы известных художников».

Искусство - это не просто предмет роскоши: это инвестиция или, по крайней мере, может быть. Если инвесторы вкладывают деньги с умом, то впоследствии приобретенные ими работы могут стоить намного дороже. Самым известным примером коллекционера / инвестора произведений искусства является Роберт Скалл, магнат такси из Нью-Йорка, который в 1973 году продал с аукциона предметы из своей обширной коллекции, большинство из которых было продано много раз, за ​​то, за что Скалл их купил.Одна картина Роберта Раушенберга первоначально стоила Скаллу 900 долларов в 1958 году. Она была продана за 85 000 долларов.

Цена всего , документальный фильм о роли денег в мире искусства, выпущенный в 2018 году, посвящен драме об аукционе Скалла и ее последствиям. Историк искусства Барбара Роуз, чей отчет об аукционе для журнала New York был озаглавлен «Прибыль без чести», назвала этот аукцион «поворотным моментом» в мире искусства.

«Мысль о том, что искусство выставляется на аукционе, как кусок мяса, была необычной для меня», - сказала Роуз в фильме.«Я помню, что там был Раушенберг, и он был очень возмущен, потому что художники ничего от этого не получили. … Внезапно из-за цен пришло осознание того, что можно зарабатывать деньги, покупая дешево и продавая дорого ».

Совсем недавно финансовый кризис 2008 года стал благом для богатых коллекционеров, которые сожрали работы, выставленные на аукцион их знакомыми, внезапно потерявшими деньги. Деловой руководитель-миллиардер Митчелл Рэйлз и его жена Эмили добавили в свою коллекцию «около 50 работ» в 2009 году, многие из которых они приобрели по абсурдно низким ценам, сообщило агентство Bloomberg в 2016 году.Коллекция семьи Рэйлс сейчас стоит более 1 миллиарда долларов.

«Люди, которые были активными [покупателями] в то время, очень счастливы сегодня», - сказала Bloomberg арт-консультант Сэнди Хеллер. «Эти возможности не представились бы без финансового кризиса».

Художники не обязательно получают выгоду от продажи их произведений искусства на аукционе - по крайней мере, в финансовом отношении. Джефф Кунс не получит никаких денег от рекордной продажи одной из его скульптур на аукционе Christie’s, но предыдущий владелец работы получит, как и галерея.Как отметила искусствовед из New York Times Роберта Смит, цена молотка для скульптуры Кунса - окончательная сумма предложения - фактически составила 80 миллионов долларов. 11,1 миллиона долларов сверх этого были вырезаны аукционным домом, поэтому скульптура была продана за 91,1 миллиона долларов.

Всего за шесть месяцев до продажи Кунса «Портрет художника (бассейн с двумя фигурами)» Дэвида Хокни был продан за 90,3 миллиона долларов, что на тот момент было самой высокой ценой, которую когда-либо платили за работу живого художника.Но, как и скульптура Кунса, цена за молоток для картины Хокни на самом деле составляла 80 миллионов долларов - по данным Times, разница в цене между двумя работами является результатом того, что Christie’s увеличил гонорары покупателям в феврале.

Высоко ценимое произведение искусства - это предмет роскоши, инвестиция и, в некоторых случаях, средство, благодаря которому сверхбогатые могут избежать уплаты налогов. До недавнего времени коллекционеры могли использовать лазейку в налоговом кодексе, известную как «подобный обмен», которая позволяла им откладывать налоги на прирост капитала с определенных продаж, если прибыль, полученная от этих продаж, была вложена в аналогичные инвестиции.

В случае продажи произведений искусства это означало, что коллекционер, который купил картину за определенную сумму денег, скажем, 1 миллион долларов, а затем продал ее за 5 миллионов долларов через несколько лет, не должен был платить налог на прирост капитала, если они перевели эти 4 миллиона долларов на покупку другого произведения искусства. (Республиканский законопроект о налогах устранил эту льготу для коллекционеров произведений искусства, хотя он продолжает приносить пользу застройщикам.)

Ассистент галереи рассматривает картину турецкой художницы Фахрелниссы Зейд под названием Towards a Sky , проданную за 992750 фунтов стерлингов на Sotheby’s Middle Eastern Art Week в Лондоне в апреле 2017 года. Агентство Anadolu / Getty Images

Коллекционеры также могут получать налоговые льготы, жертвуя экспонаты из своей коллекции музеям. (Вот где покупка дешевой и пожертвование высокой действительно выгодна, поскольку благотворительный вычет будет учитывать текущую стоимость работы, а не сумму, которую коллекционер изначально заплатил за нее.)

Дженнифер Блей Стокман, бывший президент Гуггенхайма и один из продюсеров Цена всего , рассказала мне, что галереи часто требуют от коллекционеров, которые покупают новые работы известных художников, чтобы в конечном итоге сделать их доступными для публики.

«Многие галереи сейчас настаивают на том, что они не будут продавать работу частному коллекционеру, если они либо купят вторую работу и не передадут ее музею, либо не пообещают, что работа в конечном итоге будет передана музею», - сказала она. Эти соглашения не имеют юридической силы, но коллекционеры, которые хотят сохранить хорошую репутацию в галереях, обычно держат свое слово.

Произведения художников не обязательно должны попадать в государственные музеи, чтобы их могла увидеть публика.За последнее десятилетие все большее число сверхбогатых коллекционеров произведений искусства открывают частные музеи, чтобы продемонстрировать приобретенные ими работы. В отличие от государственных музеев, которым мешают относительно ограниченные бюджеты на приобретение (например, бюджет Лувра на 2016 год составлял 7,3 миллиона евро), коллекционеры могут покупать практически любые работы для своих частных музеев при условии, что у них есть деньги. А поскольку эти музеи якобы открыты для публики, они имеют множество налоговых льгот.

«Богатые покупают искусство», - заявила художественный писатель Джули Баумгарднер в редакционной статье Artsy. «А супербогатые делают музеи».

Когда работы продаются за миллионы долларов, получают ли художники выгоду?

С материальной точки зрения, художники получают выгоду от продаж только тогда, когда их работы продаются на первичном рынке, то есть коллекционер покупает работы в галерее или, что реже, у самого художника. Когда работа продается на аукционе, художник не получает никакой выгоды.

На протяжении десятилетий художники пытались исправить это, борясь за получение гонорара за произведения, проданные на вторичном рынке.Например, большинство писателей бессрочно получают гонорары от продажи книг. Но как только художник продает работу коллекционеру, коллекционер - и аукционный дом, если применимо - единственный, кто получает выгоду от продажи этой работы позже.

В 2011 году коалиция художников, в том числе Чак Клоуз и Лэдди Джон Дилл, подала коллективные иски против Sotheby’s, Christie’s и eBay. Ссылаясь на Закон Калифорнии о роялти за перепродажу, который дает право жителям Калифорнии, которые продают работы в любой точке страны, а также любому визуальному художнику, продающему свои работы в Калифорнии, получать 5 процентов от цены любой перепродажи своей работы, превышающей 1000 долларов, художники утверждали что eBay и аукционные дома нарушили закон штата.Но в июле федеральный апелляционный суд встал на сторону продавцов, а не художников.

Стокман сказал мне, что даже если художники не получают прибыли от этих продаж, иногда они могут извлечь выгоду и другими способами. «Художники действительно выигрывают, когда их работы хорошо продаются на аукционах, потому что в этом случае повышаются первичные цены», - сказала она. «Однако, когда произведение продается на аукционе или на вторичном рынке, художник вообще не получает [финансовой] выгоды, и это, я знаю, очень пугает и расстраивает многих художников.”

Искусство для всех

Взятые вместе, эти факторы рисуют тревожную картину: доступ к искусству, похоже, все больше концентрируется среди сверхбогатых. По мере того как богатые становятся богаче, коллекционеры платят все более высокие цены за работы горстки ныне живущих художников, оставляя начинающих художников и галереи, которые их представляют. Тогда возникает вопрос, кто вообще может быть художником. Художественная школа стоит дорого, и получение MFA автоматически не приводит к финансовому успеху в такой конкурентной отрасли.

«Попай» Джеффа Кунса был куплен за 28 миллионов долларов миллиардером, магнатом казино Стивом Винном в 2014 году. Эммануэль Дананд / AFP / Getty Images

Есть некоторый отпор этой концентрации рынка на самом верху - или даже идее, что искусство недоступно для обычного человека. Эмили Каплан, вице-президент Christie’s по послевоенным и современным продажам, сказала мне, что дневные распродажи аукционного дома открыты для публики и часто включают работы, которые стоят намного дешевле, чем можно было бы подумать в заголовках.

«Christie’s может казаться устрашающим именем для многих, но большинство наших продаж продаются по гораздо более низким ценам, чем то, о чем сообщается в новостях», - сказал Каплан. «У нас много продаж, которые происходят в течение календарного года в разных местах, особенно в послевоенном и современном искусстве. … Работы можно продать за пару сотен долларов, за одну, две, три тысячи долларов. Это намного меньший диапазон, чем люди ожидают ».

Доступные художественные ярмарки, на которых обычно продают искусство за несколько тысяч долларов, - еще одна альтернатива для людей, которые хотят покупать произведения искусства, но не могут потратить миллионы на одну скульптуру.Ярмарка искусства Superfine, основанная в 2015 году, позиционирует себя как способ познакомить людей с искусством. Соучредители Джеймс Мийлле и Алекс Митоу говорят, что ярмарка - это реакция на завышенные цены, которые они наблюдали на элитном сегменте «изолированного» арт-рынка.

«Мы увидели разрыв на арт-рынке между художниками и галереями с потрясающими работами, которым нужно продавать их, чтобы выжить, и людьми, которые любят искусство и могут себе это позволить, но не чувствовали себя частью игры», - сказал мне Митов. в электронном письме. «Большинство сделок на рынке искусства на самом деле происходит на уровне менее 5000 долларов, и это то, что мы рекламируем: движение настоящего искусства настоящими живыми художниками, которые строят устойчивую карьеру, не обязательно выдающимися художниками-суперзвездами с рекордами продаж, которые недостижимы для средний - при равной квалификации - художник.”

Помимо проведения ярмарок в Нью-Йорке, Лос-Анджелесе, Майами и Вашингтоне, округ Колумбия, Superfine продает свои работы через свою «электронную ярмарку». Так же, как и на более традиционных ярмарках искусства, таких как Art Basel, Superfine взимает с художников или галеристов фиксированную плату за выставочную площадь, хотя ставки Superfine намного ниже.

Несмотря на эти усилия по демократизации искусства, рынок в целом все еще находится в привилегированном положении по отношению к, ну, очень привилегированным. Меценатство всегда было хобби для очень богатых, и это не изменится в ближайшее время, но возможность смотреть на красивые вещи не должна ограничиваться теми, кто может позволить себе их покупать.

Подпишитесь на информационный бюллетень «Товары». Дважды в неделю мы будем отправлять вам лучшие истории о товарах, в которых рассказывается, что мы покупаем, почему мы это покупаем и почему это важно.

Почему искусство дорого? | Вондрополис

Вы любите рисовать картинки для своих друзей и членов семьи? Многие дети любят брать цветные карандаши и записную книжку, когда собираются отправиться в долгую поездку в машине. Создание оригинальных произведений искусства - отличный способ скоротать время в машине.

Однако не все произведения искусства получаются именно так, как вы хотели. Возможно, вы хотели изобразить своего отца в новых теннисных туфлях. Вы рисуете овал для головы, а затем добавляете туфли. Однако что-то выглядит не так. Ой! Вы забыли нарисовать шею, грудь, руки и ноги.

На вашем фото папа в новых теннисных туфлях выглядит как картошка, собирающаяся на пробежку. Но не волнуйтесь! Мы уверены, что твоему отцу это все равно понравится.«Картофель на пробежке», вероятно, займет видное место на передней панели холодильника рядом с другими вашими бесценными произведениями искусства.

Произведения искусства, которые вы создаете для друзей и членов семьи, очень ценны для них из-за стоящего за ними значения. Однажды, когда вы все вырастете, ваши друзья и члены семьи будут ценить эти воспоминания о вашей юности.

А как насчет тех картин, которые продаются по огромным ценам на художественных аукционах? Что делает их такими ценными? Что такого особенного в произведениях Пикассо, Моне, Кало, да Винчи и О'Киф, что делает их стоимостью в миллионы долларов?

Экономисты скажут вам, что цена на искусство, как и на большинство товаров, в значительной степени зависит от спроса и предложения.Когда дело касается спроса, искусство никому не нужно. Однако есть много людей, которые хотят красивых произведений искусства.

При большом спросе на произведения искусства именно предложение часто приводит к чрезмерно высоким ценам на произведения искусства. Дефицит играет огромную роль. Многие из самых известных художников в истории больше не живы. Пикассо и Моне больше не пишут картины. Это делает сохранившиеся произведения искусства чрезвычайно ценными.

А как же живые художники? Есть множество произведений ныне живущих художников, которые продаются по чрезвычайно высоким ценам.Что повышает стоимость этих работ? Спрос и предложение по-прежнему играют роль. Спрос все еще существует, и, хотя художник все еще жив, он или она может создавать только определенное количество произведений искусства. На создание одного произведения искусства часто уходит много времени.

Это приводит к еще одному фактору, влияющему на цену искусства: каждое произведение искусства уникально. Даже если художник еще жив, он вряд ли создаст несколько копий одного и того же произведения искусства. Поскольку конкретная вещь пользуется большим спросом, доступна только одна.Это ведет к росту цены.

Профессионалы искусства также играют роль в ценообразовании. Художники, дилеры, галеристы и кураторы музеев помогают создавать спрос на произведения искусства, продвигая художников и их работы. Эти профессионалы помогают определить, какое искусство хорошее и какие художники могут стать следующими Пикассо или Моне. Таким образом, они помогают установить ценности произведений искусства, которые, как ожидается, будут расти в цене с течением времени.

Итак, за сколько именно картины можно продать? Это зависит от художника и произведения искусства.Цены могут варьироваться от сотен до ста миллионов долларов! На частной продаже картина Пикассо Le Rêve была продана примерно за 150 миллионов долларов. На художественном аукционе известная картина Эдварда Мунка Крик была продана примерно за 120 миллионов долларов.

Почему искусство такое дорогое?

Представьте себе ужас владельца казино в Лас-Вегасе Стива Винна, когда семь лет назад он случайно проткнул локтем картину Пикассо «Ле Рев» («Мечта») как раз в тот момент, когда он собирался продать ее за сногсшибательные 139 миллионов долларов.

Картина входит в серию чувственных портретов молодой любовницы художника Мари-Терезы Вальтер, написанных в 1932 году во время их бурного романа. Такие работы являются одними из самых желанных для Пикассо, и цена могла бы установить новый максимум для художника, но из-за того, что картина была проколота, покупатель, миллиардер, магнат хедж-фонда Стив Коэн, отменил сделку.

Теперь, после искусного ремонта, продажа наконец состоялась, но на этот раз за 150 миллионов долларов, что стало новым рекордом для Пикассо, а также самой высокой ценой, которую любой американский коллекционер когда-либо платил за произведение искусства.Это была частная продажа, и на аукционах рекорды тоже бьют: в прошлом году в Нью-Йорке картина Эдварда Мунка «Крик» заработала почти 120 миллионов долларов.

В то время как большая часть мира погрязла в экономическом унынии, рынок искусства, на котором регулярно выставляются многомиллионные цены на картины и скульптуры, кажется, живет в параллельной вселенной. Le Rêve - лишь один из примеров того, как ценности стремительно растут, движимые новыми деньгами, недавно возникшей экономикой, спекуляциями и модой на искусство, которая пересекается с выбором образа жизни и индустрией предметов роскоши.

Рынок искусства, который, казалось бы, бросает вызов гравитации, также отражает природу богатства сегодня. Огромное количество денег в частных руках позволяет миллиардерам - а, по последним подсчетам, по данным Forbes, 1426 из них разбросаны по всему миру - заниматься высококонкурентным спортом, чтобы заполучить лучшие произведения искусства. И в конце концов, если вы можете потратить почти 1 миллиард долларов на яхту, как предполагается, что российский миллиардер Роман Абрамович потратил на свой плавучий дворец Eclipse, еще несколько миллионов на трофейную фотографию - это не так уж и много.

И хотя вы можете построить еще одну яхту, вы не сможете сделать для вас лучшую яхту Мане, Сезанна или Рафаэля - вам придется соревноваться с другими коллекционерами, когда один из них появится на рынке.

Меняющаяся картина

Это рынок, который за последние 25 лет значительно вырос в размерах. По словам экономиста в области искусства доктора Клэр МакЭндрю, в отчете, опубликованном в 2012 году, в 1990 году через дилеров и аукционные дома было продано произведений искусства на сумму около 27,2 миллиарда долларов. К 2007 году, на пике последнего бума, эта цифра почти утроилась - до 65 долларов. .8млн. В 2012 году, согласно ее последним данным, он по-прежнему стоил ошеломляющих 56 миллиардов долларов, несмотря на небольшое сокращение по сравнению с предыдущим годом.

Помимо расширения, бизнес по продаже произведений искусства претерпел глубокие изменения с приходом новой экономики. Теперь это глобальный рынок, на котором больше не доминируют США и Европа, а также американские и европейские художники. Всего два года назад, в тисках иногда экстравагантных расходов на искусство в материковом Китае - и, вероятно, благодаря некоторым оптимистичным отчетам - Китай резко поднялся на первое место с самым высоким показателем в этой области.Хотя сейчас он вернулся на второе место, Китай и Гонконг по-прежнему составляют 25% продаж произведений искусства, и только США впереди с 33%.

Произведения искусства были проданы в Китае на уровнях, которые раньше предназначались для ведущих западных имен. Например, каллиграфический свиток XI века Хуан Тинцзяня недавно был продан в Пекине за потрясающие 63,8 миллиона долларов.

Мода на частные и даже спонсируемые государством музеи также движет верхний сегмент рынка - страны Персидского залива, особенно Катар и Объединенные Арабские Эмираты, с энтузиазмом приобретают произведения искусства для амбициозных музейных программ.Катарская королевская семья, в частности шейха Маясса Аль Тани, дочь эмира, была чрезвычайно активна и сегодня считается крупнейшим покупателем в мире. Что она покупает? В основном современное и современное искусство. Считается, что Катар заплатил самую высокую цену за произведение искусства - 250 миллионов долларов в 2011 году за «Игроки в карты» Сезанна.

Неравенство в состояниях

Покупка произведений искусства для многих современных богатых людей также дает доступ к гламурному образу жизни.Есть бесконечный круг арт-ярмарок, биеннале, аукционов и мероприятий по всему миру, где галереи и аукционные дома устраивают самые блестящие вечеринки. Набиваются модные журналы, производители предметов роскоши и часовые компании, а также банки, которые все больше рассматривают искусство как новый класс активов. В некоторых странах, таких как Китай или Индия, покупка произведений искусства рассматривается в первую очередь как инвестиция, а не как страсть или хобби.

Обратной стороной всего этого является поляризация, когда небольшая группа очень богатых людей управляет рынком, поднимает цены на горстку «голубых фишек» и обогащает несколько больших галерей и несколько аукционных домов.Однако ниже по шкале средний и нижний сегменты рынка гораздо менее динамичны. Таким образом, хотя общая картина кажется радужной, на самом деле она скрывает растущее неравенство в состояниях.

В частности, на среднем рынке некоторые галереи закрываются, и многим приходится нелегко. London Gallery Hotel, несмотря на свою репутацию ультрасовременного пространства, в прошлом году был ликвидирован. Совсем недавно галеристы Николь Клагсбрун из Нью-Йорка и Жером де Нуармон начали работать по-другому и покинули свои выставочные залы.

Искусство, к сожалению, похоже, стало больше игрой для богатых. И хотя аппетит к таким громким именам, как Пикассо и работам вроде Le Rêve, кажется на данный момент неутолимым, для молодых и менее известных художников все не обязательно так мечтательно.

Если вы хотите прокомментировать эту историю или что-нибудь еще, что вы видели на BBC Culture, зайдите на нашу страницу Facebook или напишите нам в Twitter.

Почему современное искусство может стоить миллионы долларов

  • От абстрактного импрессионизма до перформанса - современное искусство может быть изобретательным, но это не остановило его рост цен.
  • В 2018 году мировой рынок искусства достиг 67,4 миллиарда долларов, и нет никаких признаков его замедления.
  • Итак, как вы цените белую картину?
  • Посетите домашнюю страницу Business Insider, чтобы узнать больше.

Ниже приводится стенограмма видео:

Рассказчик: Современное искусство - дорогое удовольствие. От полностью белых полотен до простых абстрактных цветов - эти, казалось бы, простые работы могут стоить вам миллионы. Так что же делает их цену такой высокой и как они могут стоить таких денег?

Современное искусство - это обширная область, охватывающая все с 1870 по 1970 год.Но скажите кому-нибудь на улице «современное искусство», и, скорее всего, они изобразят что-то подобное.

На рубеже веков искусство изменилось. С момента зарождения абстрактного импрессионизма до минималистов и даже перформанса искусство перестало быть просто умелым представлением мира.

Сьюзи Ходж: Этот навык исчез после изобретения фотографии. Когда была изобретена фотография, это был навык, которым могла овладеть камера, поэтому художники больше не считали, что это их основная причина для создания искусства.Искусство не о красоте. На самом деле ... этого никогда не было.

Искусство в целом стало более концептуальным и сложным. Но это изменение нравилось не всем.

Согласно исследованию британской публики, проведенному в 2016 году, 28% людей не рассматривают это искусство. 65% людей не считают это искусством. И 83% публики однозначно не считают это искусством. Спустя более 100 лет после своего создания работа по-прежнему вызывает разногласия и вызывает споры среди публики, но это не помешало установлению рекордных цен.

Hodge: Я думаю, большинство людей думают, что современные художники смеются над их счетом, и никто не хочет чувствовать себя дураком.

Многие, кто сразу пренебрегает этими вещами, часто разочаровываются, когда видят цену.

Ана Мария Селис: Большинство из нас, я думаю, склонны к циникам, и мы, я думаю, часто ассоциируем искусство с ценностью, и я думаю, что это вызывает вопрос, почему это так? много? Или почему такое дорогое значение, если, знаете, я, наверное, смогу это сделать? Я думаю, если вы не находитесь на рынке и активно не покупаете искусство, не нужно смотреть на искусство и думать о ценнике.Вы не должны так смотреть на искусство.

Для художников то, что кажется простым, может стать кульминацией работы всей их жизни.

Возьмем, к примеру, «Черный квадрат», написанный авангардистом рубежа веков Казимиром Малевичем. Эта простая черная картина появилась не на пустом месте. Это результат 20 лет упрощения и развития.

Когда он был показан, «Черный квадрат» был революционным символом, выставленным в верхнем углу зала, местом, отведенным для православных религиозных икон.Решение о создании этой работы также было непростым, и в 1930 году сталинский режим конфисковал произведения и рукописи Малевича, и он был заключен в тюрьму на два месяца.

Ходж: Да, белые или черные холсты - это очень редко все, что они сделали. Они не просто вышли из школы и сказали: «Я могу нарисовать черный холст». Я имею в виду, как бы мы ни думали, что можем это сделать, да, мы могли бы это сделать, но художник подумал об этом и, вероятно, имел путешествие, довольно долгое путешествие и процесс, чтобы добраться туда.

Работы сделаны не только для получения прибыли. Часто только после смерти художника искусство может получить ту невероятную цену, которой оно достигнуто сегодня. В 2008 году одна из абстрактных работ Малевича была продана за 60 миллионов долларов, и спрос на эти важные современные работы будет только расти.

Celis: Естественная тенденция заключается в том, что вы видите рост цен, но это потому, что эти настоящие шедевры редко можно найти, потому что они действительно все в музеях.

Но установить реальную цену бывает сложно.В конце концов, ценность будет только той, которую люди готовы платить.

Celis: Пока есть продюсеры, всегда будут какие-то сдвиги в тенденциях и вкусах, я бы сказал также, во вкусах на рынке.

Кажется, что каждый год устанавливается новая рекордная цена, и по мере того, как крайнее неравенство богатства увеличивается, растет и число миллионеров, готовых заплатить состояние, необходимое для этих работ.

Независимо от того, что задумал художник, сейчас многие считают искусство легкой инвестицией, и компании стали рассматривать искусство исключительно как актив для получения финансовой выгоды.

Но, несмотря на постоянно растущие цены на шедевры модернизма, для 99% художников их работа всегда была делом любви.

Josef Neet: Очевидно, что есть люди с большими деньгами, которые рассматривают искусство просто как товар и ничто иное, но найдутся люди, которые покупают его или занимаются им, потому что получают от этого истинное удовольствие. стимулирует их или они чувствуют, что это их обогащает. Я художник-абстракционист. Не особо разбираюсь в форме.Я стал совершенно одержим; Я рисовал весь день и всю ночь, и это было что-то, что действительно захватило меня, так что. В Лондоне быть художником непросто. Есть много действительно хороших талантов. Я думаю, ты действительно должен быть хорошим, чтобы на самом деле зарабатывать деньги. Я полагаю, что изначально у вас нет сети. Да, если честно, это действительно дорогая привычка. Я полагаю, что у всех есть свои пороки, но это моя страсть и хобби, так что на это уходит все мое время, усилия и немного лишних финансов.

Тенденции на рынке могут измениться, и цены будут меняться, но популярность модерна и современного искусства никуда не денется.

3 причины, по которым искусство высокого класса стоит настолько дорого

Джон Эллмор в Разное> Art Opinion

Сектор элитного искусства в настоящее время переживает бум с растущим числом продаж и рекордных покупок. В 2018 году мировые продажи произведений искусства превысили 67 миллиардов долларов, что на 6% больше, чем в предыдущем году.В этом году скульптура Джеффа Кунса была продана за 91,1 миллиона долларов - это самая высокая сумма, которую когда-либо платили за живого художника.

В 2017 году самая дорогая покупка произведений искусства в мире была совершена, когда королевская семья Саудовской Аравии купила (якобы) картину Леонардо да Винчи за ошеломляющие 450 миллионов долларов.

Быстрое объявление - EmptyEasel создал более быстрый и простой способ для художников иметь свой собственный сайт об искусстве. Щелкните здесь, чтобы узнать больше и получить собственный простой художественный веб-сайт!

Но что стоит за этими тенденциями и чему мы можем научиться из этих ошеломляющих цен? Здесь мы рассмотрим всего несколько из множества факторов, лежащих в основе стремительного роста мирового арт-рынка.

Во-первых, это золотой век богатства

Не секрет, что неравенство во всем мире растет на протяжении десятилетий, поскольку богатые копят для себя все больше и больше богатства за счет менее обеспеченных в мире. Отвратительно богатые - это люди с состоянием в 30 миллионов долларов - в наши дни, как правило, используют менее эмоциональный эвфемизм «сверхвысокие чистые люди» (UHNWI).

В 2017 году было подсчитано, что, хотя они составляют всего около 0,003% населения мира, на них приходится около 13% всего мирового богатства.В следующем году UNHWI увеличили свою совокупную чистую стоимость до 31,5 трлн долларов, что на 16,3% больше, чем в предыдущем году. Итак, будет справедливо сказать, что сейчас очень хорошее время, чтобы разбогатеть.

Наряду с растущим неравенством вложения богатых в искусство резко выросли. Отчет за 2018 год показал, что богатые инвестировали в искусство на 21% больше, чем в предыдущем году, что делает их первым почти за десятилетие, когда они вкладывают больше денег в картины, чем их другая любимая дорогая роскошь - вино.

Так почему же искусство investment-du-jour для наших все более богатых друзей?

Искусство теперь рассматривается как товар

Идея искусства как инвестиции существует давно, но по-настоящему она стала популярной в 1960-х годах, когда хитрые деятели индустрии решили опубликовать финансовый потенциал искусства, чтобы извлечь выгоду из процветающей послевоенной экономики. Так, ведущий британский аукционный дом совместно с лондонской газетой периодически публиковал Times-Sotheby Index - инвестиционный индекс, отражающий рост цен на произведения искусства, проданные на аукционах.Послание было ясным: искусство - это горячая инвестиция, которая может превзойти доходность традиционных активов.

За прошедшие с тех пор десятилетия искусство активно продвигалось как доходный класс активов практически всеми, кто должен был получить финансовую выгоду, например, художественные галереи, аукционные дома, художники, критики и более широкие культурные и финансовые индустрии.

Паразитические финансовые индустрии, например, использовали все имеющиеся в их распоряжении инструменты для раздувания и эксплуатации искусства как источника дохода.А когда у них кончились инструменты, они изобретали новые. Таким образом, в последние годы на рынке искусства появился поток новых кредитных продуктов, деривативов, фондов секьюритизации и даже новых технологий блокчейн, чтобы обеспечить приток еще больших денежных средств.

Между тем, что касается культуры, капиталистические институты, окружающие арт-индустрию, сделали свой вклад в улучшение ситуации, раздумывая над художниками, продавцами и покровителями в нескончаемом потоке запыхавшейся похвалы, вздыхающих комментариев и циничной рекламы.

Покупка элитного искусства

тоже хороший PR

Наконец, для богатых стран и людей, которые могут столкнуться с угрозой своего положения из-за плохой огласки, заметные траты на искусство могут выступать в качестве пиар-кампании с целью повышения репутации или манипулирования ею.

Возьмем, к примеру, соперничающие государства Персидского залива Саудовскую Аравию и Катар, на руководителей которых приходится четыре из десяти самых дорогих покупок картин за все время. По сути, эти богатые правители использовали свои огромные нефтяные состояния в последние годы, чтобы переименовать себя в доброжелательных покровителей искусства и сместить репутацию своих стран с репрессивных режимов в глобальные культурные центры, изобилующие лучшими артистами мира. образцы.

Лучшим примером этого является вышеупомянутая самая дорогая картина из когда-либо проданных: Salvator Mundi - , купленная в 2017 году доверенным лицом наследного принца Саудовской Аравии Мохаммеда бин Салмана. Об этой рекордной покупке в 2017 году по понятным причинам заговорили заголовки во всем мире. Но продолжающиеся разработки породили бесконечные новости и статьи в блогах с тех пор, как отчаянные информационные агентства, затаив дыхание, освещали все аспекты тайн, окружающих покупателя, споры вокруг атрибуции да Винчи, заброшенную выставку в новом Лувре Абу-Даби и так далее.

Это энергичное освещение запуганными и соучастниками в СМИ было чрезвычайно полезно для бин Салмана и Саудовской Аравии, помогая отвлечь внимание от негативных историй, скажем, об их жестокой войне против Йемена или убийстве журналиста Джамаля Хашогги. Это говорит о том, что, хотя сама картина может стоить лишь часть стоимости в полмиллиарда долларов, выгода от PR может оказаться бесценной.

Исходя из этих факторов, мы можем видеть, что искусство стало для самых богатых людей мира ценным средством увеличения своего богатства и власти - отчасти из-за его способности приносить значительную прибыль и его способности придавать статус и престиж.Все это гарантируется и продвигается корыстной финансовой и культурной индустрией, надеясь, что эта тенденция сохранится, а деньги продолжат течь.

Особая благодарность Джону Элмору из KnowYourMoney.co.uk за то, что поделился этим сообщением!

ПОЛУЧИТЬ ЛИСТНИК В СВОЕМ ЯЩИКЕ

Мы будем отправлять вам статьи и учебные пособия сразу после их публикации, чтобы вы не пропустили ни одной публикации! Отпишитесь здесь в любое время.

ПРИМЕЧАНИЕ. Вас также может заинтересовать пошаговое руководство по рисованию от EE для художников.Нажмите ниже, чтобы узнать больше!

Этот пост может содержать партнерские ссылки.

Почему некоторые простые на вид картины такие дорогие? : managelikeimfive

Я попробую. У меня есть степень магистра истории искусств, так что, может быть, я смогу использовать это как-нибудь. В конце концов, с сегодняшним рынком искусства, вы должны думать об искусстве как о товаре, таком же, как свиные животы или масло. За исключением того, что в отличие от акций (которые, наконец, теперь регулируются), рынок искусства полностью не регулируется.В конечном счете, на рынке искусства есть пять ключевых игроков: художники, критики и кураторы (не связанные с деньгами), а также дилеры и коллекционеры с точки зрения денег. (Дилеры и галеристы часто находятся в одном и том же). Цена произведений искусства в основном определяется недавними аукционными ценами (которые устанавливаются богатыми коллекционерами, которые покупают то, что им нравится), а также дилерами или галеристами, которые представляют художника, чтобы получить некоторую долю. Таким образом, в конечном итоге цена произведения искусства определяется только двумя людьми: человеком на аукционе, который заплатил предпоследнюю сумму, и человеком, который заплатил самую последнюю сумму, которому оно было продано.В конце концов, эти два человека были теми, кто установил цену. Важно помнить, что коллекционеры произведений искусства в основном очень богатые и умные инвесторы.