Марина абрамович эксперимент перфоманс: 12 world-famous live art performances by Marina Abramović

Перформанс Марины Абрамович в VR выставят на аукцион :: Репост :: РБК Стиль

© serpentinegalleries.org

Автор РБК Стиль

25 ноября 2019

Аукционный дом Christie’s открывает новое направление в торговле арт-объектами.

В октябре 2020 года на торги выставят инсталляцию Марины Абрамович «The Life», выполненную в технике смешанной реальности.

Работа «The Life», стоимость которой оценивается примерно в $775 тыс., — первый в истории художественный проект в смешанной реальности. Перформанс, представляющей собой микс виртуального и реального пространства, в центре которого фигурирует цифровая копия Марины Абрамович, длится 19 минут. Над его созданием трудилась американо-британская студия Tin Drum, подключившая к процессу 32 различные камеры, связанные «сложной алгоритмической системой».

Dazed отмечает, что «The Life» вызвала неоднозначную реакцию критиков. Обозреватель The Guardian Джонатан Джонс назвал инсталляцию «бессмысленным извращением, которое режет глаза», но, похоже, интеграция новых технологий виртуальной и дополненной реальности в искусство для Абрамович — естественный процесс творчества.

По словам Тодда Экерта из Tin Drum, через 100 лет люди смогут увидеть, как художница зайдет в комнату, и ощутить с ней связь. 

Эксперимент Марины Абрамович: как быстро человек теряет свой облик

Никто не знал, до какой низости способны дойти люди, получившие абсолютную власть над другим человеком. Не догадывалась об этом и югославская художница Марина Абрамович, затевая в 1974 году один из самых знаменитых своих проектов «Ритм 0».

Идея эксперимента была проста и элегантна: в течение шести часов позволить людям обрести полную власть над телом другого человека.

В выставочном центре в Неаполе Марина встала перед длинным столом, на котором были сложены 72 различных предмета: перья, спички, нож, гвозди, цепи, ложка, вино, мед, сахар, мыло, кусок торта, соль, лезвия, скальпель, спирт… Перед собой Марина Абрамович поставила табличку с инструкцией:

«Инструкция.

На столе 72 объекта, которые вы можете использовать так, как хотите.

Перформанс

Я — объект. В течение этого времени я беру на себя полную ответственность.

Продолжительность: 6 часов (20:00 — 2:00)».

Поначалу зрители были аккуратны и нежны: они целовали ее, дарили цветы, но постепенно заходили все дальше. Присутствующий на перформансе искусствовед Томас МакЭвили писал: «Все началось невинно. Кто-то повернул ее, другой потянул за руку, кто-то дотронулся уже более интимно. К третьему часу вся ее одежда была изрезана лезвиями, а к четвертому лезвия добрались и до ее кожи. Кто-то надрЕзал ее горло и пил кровь. С ней проделывали и другие вещи сексуального характера. Она была так вовлечена в процесс, что не возразила бы, если бы зрители захотели изнасиловать или убить ее. Столкнувшись с ее безволием, нашлись люди, которые встали на ее защиту. Когда один из мужчин приставил к виску Марины заряженный пистолет, положив на курок ее собственный палец, между зрителями разразилась драка».

«Сначала зрители очень хотели со мной поиграть, — вспоминает Абрамович. — Потом они становились все более агрессивными, это были шесть часов настоящего ужаса. Они отрезали мне волосы, втыкали в тело шипы роз, резали кожу на шее, а потом наклеили пластырь на рану. После шести часов перформанса я со слезами на глазах, голая пошла навстречу зрителям, отчего они в буквальном смысле выбежали из комнаты, так как поняли, что я „ожила“ — перестала быть их игрушкой и начала управлять своим телом. Я помню, что придя в отель в этот вечер и посмотрев на себя в зеркало, я обнаружила у себя прядь седых волос.

Я хотела показать одну вещь: это просто удивительно, насколько быстро человек может вернуться в дикое пещерное состояние, если ему это позволить. Полученный мной опыт говорит о том, что если оставлять решение за публикой, тебя могут убить».

Перформанс Марины Абрамович: matveychev_oleg — LiveJournal

Она разрешила людям делать с собой всё, что они захотят. Спустя несколько часов начался АД!

Сербскую художницу Марину Абрамович по праву называют бабушкой перформанса. Уже 40 лет она проводит различные акции, в которых принимает непосредственное участие. К примеру, в одном из наших материалов ты мог читать о выставке под названием «В присутствии художника».

Суть проекта состояла в том, что любой из посетителей мог сесть рядом с Мариной и посмотреть ей в глаза. Для художницы было большим сюрпризом, что среди желающих сесть напротив оказался ее бывший возлюбленный. Женщина не смогла сдержать эмоции!

Вашему вниманию перформанс, который состоялся в 1974 году в Неаполе. Акция получила название «Ритм 0». Идея была довольно проста: Абрамович стоит неподвижно на протяжении 6 часов, а посетители могут делать с ней всё что угодно при помощи 72 предметов, которые находятся на столе.

В руках у Марины была табличка с надписью: «На столе лежат 72 предмета, которые можно использовать на мне как вам пожелается. Я — предмет. Я беру на себя всю ответственность на период проведения акции с 20:00 по 02:00».

Набор предметов был весьма разнообразным. Там были безобидные цветы или перья. Не обошлось также без лезвия, ножа и пистолета с одним патроном!

На акции присутствовал арт-критик Томас Макэвиллей. Позже он вспоминал, что начиналось всё весьма безобидно: «Кто-то поднял ей руки, другой повернул, третий потрогал в интимных местах…»

«К третьему часу ситуация обострилась. Люди начали срезать с нее одежду при помощи лезвия. Еще через час ножи, лезвия и шипы роз начали касаться кожи. Ее тело подверглось некому насилию, но Марина была настолько предана идее, что не сопротивлялась бы даже изнасилованию или убийству», — рассказывал Томас.

В последние два часа на художницу несколько раз наставляли пистолет. Правда находились те, кто отбирал его. В результате оружие вложили ей в руки и заставили направить на себя.

Сама художница вспоминает: «Оставляя решение за публикой, ты рискуешь быть убитым. Я чувствовала над с

За пределами перформанса — журнал «Искусство»

Крис Бёрден. Trans-fixed, 1974

Фотография перформанса

Если выбирать из нынешних художественных практик самую междисциплинарную, перформанс составит достойную конкуренцию и сайенс- и нет-арту. Его истоки не только в action painting, но и в театральных экспериментах Брехта и Арто. Никто не может толком сказать: то ли ранние работы Марины Абрамович похожи на социально-психологические опыты Милгрэма и Зимбардо, то ли здесь обратная зависимость. Наработанные перформансистами приёмы легко читаются в эстетике музыкальных видео, и наоборот: формы артистической самопрезентации давно ушли в художественную сферу. Попытка выяснить, кто на кого повлиял, сомнительна: ни художники, ни музыканты, ни учёные не жили в изоляции, идеи рождались в общем творческом пространстве, а зачастую и в одних и тех же кругах. В любом случае, ограничить изучение перформанса только одной художественной сценой проблематично, тем более что едва ли кто‑то активнее причастных к нему авторов интересовался тем, что происходит там, за пределами искусства.

Креативное мышление

Начиная с 1960‑х годов без перформативных практик невозможно помыслить художественную сцену. Однако первые опыты обнаруживаются ещё в эпоху авангарда, когда искусство постепенно начинает отделяться от навыков ручной работы с материалом и переносится в область идей и концепций. На этой ранней стадии «искусство как приём» (термин Виктора Шкловского) полнее всего нашло своё воплощение у сюрреалистов, использовавших целый ряд креативных техник для того, чтобы запустить творческий процесс, зачастую и являвшийся их единственным результатом. Известность получил метод «автоматического письма»

(écriture automatique), введённый в художественную практику Андре Бретоном.

Принцип «автоматического письма» применим не только к письму как таковому, но и к любому творческому акту, опирающемуся на работу бессознательного. При этом субъект находится в парадоксальной ситуации, пытаясь тщательно спланировать потерю контроля посредством соблюдения определённой скорости процесса, обещающей освобождение от пут рациональной рефлексии.

Участникам предлагалось сконцентрироваться на каком-нибудь обыденном предмете вроде стеклянного шара гадалки или куска розового бархата и составить на него досье с помощью целого каталога вопросов

Другим излюбленным приёмом сюрреалистов были групповые игры. Некоторые из них, как, например, «Игра в правду»

(Jeu de la Vérité), во время которой участникам предлагалось спонтанно ответить вслух на ряд весьма откровенных вопросов, носили ярко выраженный психологический характер. Отдельный разряд игр получил название «экспериментальные исследования» (recherches expérimentales) и был нацелен на выстраивание интерсубъективных цепочек ассоциаций, активирующих воображение. В рамках таких «исследований» участникам предлагалось сконцентрироваться на каком‑нибудь обыденном предмете, имевшем поэтический потенциал (вроде стеклянного шара гадалки или куска розового бархата), и составить на него своеобразное досье с помощью целого каталога отвлечённых вопросов. Во время таких сеансов размывалась не только граница между искусством и игрой, но и между игрой и повседневностью, так как практически любая жизненная ситуация могла быть превращена в эстетический эксперимент.

Ман Рэй. Жизель Прассинос читает свои стихи сюрреалистам, 1934

Ч / б фотография

Из коллекции Национальной галереи современного искусства в Эдинбурге (Шотландия)

Самой известной игрой сюрреалистов стал «Изысканный труп»: первый участник пишет на бумаге существительное и загибает край, второй, не видя слова, пишет глагол и т. д. Так составляется целая фраза, например, «Изысканный труп пьёт молодое вино», в расшифровке которой должно помочь подсознание.

Большинство подобных креативных приёмов сюрреалисты позаимствовали из психологии и психотерапии, то есть областей, которым впоследствии вернули долг с процентами. В конце 1930‑х годов американский учёный Алекс Осборн, занимавшийся проблемами организации личности, начал разрабатывать метод мозгового штурма (brainstorming), обнаруживающий поразительные параллели с ассоциативными играми.

Алекс Осборн читает лекцию, б/г

Ч/б фотография

Изображение предоставлено Creative Education Foundation

Алекс Осборн утверждал, что метод мозгового штурма он разработал, основываясь на идее матроса, который предложил собраться всем вместе и отдуть торпеду от борта корабля, которым Осбор командовал. Впоследствии бредовая идея была реализована при помощи мощного вентилятора и спасла множество жизней. Все исследователи в один голос утверждают, что эта история — безоглядное враньё.

Перед Осборном стояла вполне практическая цель: облегчить коммерческим предприятиям поиск новых идей, стимулирующих бизнес. Классический мозговой штурм проводится в группе, включающей специалистов из разных областей. Ведущий, не вмешиваясь активно в процесс, даёт собравшимся конкретную задачу и тщательно протоколирует все поступающие идеи, какими бы дикими поначалу они не казались. Оценка идей на первой фазе запрещена: напротив, чем свободнее и неожиданнее ассоциации, тем более продуктивными они должны оказаться впоследствии. Обсуждение протокола начинается только после перерыва (иногда через несколько дней). Для того чтобы извлечь из полученных идей максимальный результат, Осборн разработал специальный опросник, дополнительно удлиняющий ассоциативную цепочку и позволяющий выйти за пределы банального даже там, где мозговой штурм принёс скромный урожай.

Так, вполне обыденный предмет (поздравительная открытка партнёрам или перьевая ручка с логотипом фирмы) может задать тему для бесчисленных вариаций и трансформаций (неожиданное применение, уменьшение, увеличение, комбинация с чем‑то другим), в ходе которых, как это часто случалось и у сюрреалистов, объект перестаёт быть серийным предметом потребления и обретает уникальность.

Существование в модусе перформанса стало своеобразным идеалом, обещающим психологическое равновесие и рекомендованным, что называется, для домашнего использования

Параллели можно найти и в опытах развивавшейся с 1950‑х годов позитивной психологии, сфокусированной на проблемах личностного роста и поиске наиболее оптимальных форм человеческого существования. Для учёных плодотворным оказался сам принцип эстетической трансформации обыденного восприятия, лежащий в основе сюрреалистических опытов. Один из основателей позитивной психологии Абрахам Маслоу считал, что самореализация, являющаяся залогом счастья каждого индивидуума, возможна только через креативное отношение к действительности, противоположное чисто рациональной активности, нацеленной на достижение определённого результата в рамках социальных норм и ожиданий. Таким образом, существование в модусе перформанса стало своеобразным идеалом, обещающим психологическое равновесие и рекомендованным, что называется, для домашнего использования.

Шоковая терапия

Тем временем художественный перформанс развивался в совершенно другом направлении, не имеющем ничего общего с домашним уютом. Он вышел на улицы и начал завоевание публичного пространства.

В одни и те же годы практически в соседних помещениях происходили художественные и научные эксперименты, одинаково работающие с категориями социальной агрессии, страха, жестокости и дающие одинаковые результаты

Изменился и характер перформативных практик, рассчитанных теперь на непосредственное сопереживание, если не соучастие, публики и включающих интенсивную работу художника со своим телом. В 1968 году австрийская художница Вали Экспорт появилась в городе с прикреплённой спереди к телу картонной коробкой, в которую любой желающий мог просунуть руку и потрогать её обнажённую грудь. Добровольцев, которых не отпугнули документировавшие всё происходящее камеры, нашлось достаточно.

Вали Экспорт. Tapp und Tastkino (Тактильный кинематограф), 1968

Фотодокументация перформанса на улицах Вены

Свой проект Вали Экспорт считала одной из форм нового «тактильного кинематографа»: ящик на её обнажённой груди был закрыт занавесом, а зрителям предлагалось получить эстетический опыт не при помощи глаз, а на ощупь. После этой акции одна из австрийских газет назвала художницу ведьмой, и в прессе началась настоящая травля.

Просматривая сейчас записи, трудно отделаться от чувства, что перед нами некий психологический эксперимент: как далеко может завести мужчину желание прикоснуться к груди незнакомки? И действительно, именно в 1960‑е в обществе проснулся интерес к экспериментальной психологии, пытавшейся с помощью искусственно смоделированных ситуаций выявить закономерности поведения человека, — особенный интерес вызвали стрессовые условия, социальная агрессия и этически сложные решения. В одни и те же годы практически в соседних помещениях происходили художественные и научные эксперименты, одинаково работающие с категориями социальной агрессии, страха, жестокости и дающие одинаковые результаты. Эксперименты в обеих сферах не были закрытыми, их сопровождало широкое обсуждение. И сейчас мы разделяем их, по сути дела, только в зависимости от художественных или научных намерений авторов.

Широкую известность получил эксперимент психолога Стенли Милгрэма, проведённый им в 1961 году в Йельском университете. Шестидесятые стали временем аналитического освоения опыта Второй мировой войны, и в центре внимания Милгрэма стояла толерантность к насилию, а именно: готовность человека причинять другим физические страдания, если того требовал протокол. Оказалось, что большинство пробандов легко шли на то, чтобы, повинуясь инструкции, «наказывать» других участников ударами тока за каждый неправильный ответ на задаваемые руководителем вопросы. Несмотря на резонанс, вызванный экспериментом, звучали и критические голоса. В прессе говорилось об этической сомнительности опытов, потенциально травмирующих пробандов, которые не подозревали об истинной цели эксперимента и о том, что в роли наказуемых на самом деле выступали актёры.

Эксперимент Стенли Милгрэма, 1963

Документация эксперимента в Йельском университете

Перед проведением эксперимента Стенли Милгрэм опросил своих коллег психологов, сколько, на их взгляд, людей согласится истязать других, если им это позволит авторитет руководителя опыта. Психологи были уверены, что лишь один из тысячи.

Очень сходной была реакция критиков на телесный перформанс, практикуемый, например, Крисом Бёрденом или Мариной Абрамович с начала 1970‑х. Физическая боль или изнеможение, до которого они доводили себя, как утверждалось, могли травмировать психику зрителей, неподготовленных к подобному зрелищу. Публика, присутствовавшая при том, как помощник пинал Бёрдена вниз по лестнице во время перформанса на Арт-Базеле, знала, что всё происходит по инициативе и с согласия художника, и тем самым вроде бы получала разрешение спокойно смотреть, как человек у неё на глазах рискует сломать себе шею. В том же 1974 году состоялся хрестоматийный перформанс Марины Абрамович «Ритм 0», воспринятый многими как социальный эксперимент. Тот самый, где художница обязалась неподвижно провести шесть часов в галерее, расположив вокруг себя различные предметы — от цветов до оружия — и разрешив посетителям делать с собой всё, что угодно. По рассказам художницы, пистолет тогда всё‑таки выстрелил.

Марина Абрамович. Ритм 0, 1974

Фотодокументация перформанса в Studio Morra (Неаполь)

В «Ритм 0» Марина Абрамович сказала зрителям: «Вы можете делать со мной что угодно, потому что я предмет. Вы можете убить меня, если хотите, я беру на себя полную ответственность за это», и когда всё закончилось, публика буквально бежала из галереи, не оглядываясь на израненную и окровавленную художницу.

В 1971 году в Стэндфордском университете психолог Филип Зимбардо провёл эксперимент, сомнительный в научном отношении, но вызвавший огромный резонанс в обществе и подхваченный поп-культурой. Зимбардо создал в подвалах университета имитацию тюрьмы, разделив добровольцев на две группы: одной из них предстояло вжиться в роль тюремщиков, другой — заключённых. Всего за несколько дней «тюремщики» начали издеваться над своими «подопечными», в то время как сами «заключённые» теряли солидарность и готовы были ради обещанных поблажек поддержать унижение других членов коллектива. Несмотря на то что контроль над ходом эксперимента почти сразу был утерян, сигнал о его прекращении последовал только через шесть дней: руководитель вошёл в роль и дал себя захватить собственному фиктивному миру, что вызывает ещё больше сомнений в научной объективности проекта и приближает его — в особенности по силе эмоционального воздействия — к перформансу.

Стэнфордский тюремный эсперимент Филипа Зимбардо, 1971

Фотография: © Philip G. Zimbardo

По мотивам тюремного эксперимента Филипа Зимбардо в 2001 году был снят немецкий фильм «Эксперимент» (Das Experiment), а в 2010 году его американский ремейк. Чтобы увеличить зрительскую аудиторию оба фильма насыщены насилием, кровью и жестокостью куда в большей степени, чем оригинальный психологический опыт.

Свои поздние работы Марина Абрамович всё сильнее сближает с психотерапевтическими практиками. Наиболее яркий пример — нашумевший перформанс «В присутствии художника» 2010 года, где любому желающему предлагалось неограниченное время смотреть ей в глаза. Свой институт, который недавно открылся в Хьюстоне, Абрамович также окружает научным антуражем. В рекламном ролике, рассказывающем об этом заведении в интернете, она предстаёт в белом халате. В своих интервью художница подчёркивает, что посещение её института должно производить на посетителей терапевтический эффект, давая им новое ощущение собственного существования. При этом описываемые ею техники уходят корнями в буддистскую медитацию и уже давно действительно применяются в психотерапии для борьбы с депрессией и стрессом. Ученики и последователи Марины Абрамович практикуют и разрабатывают методики на стыке медицины и искусства. Например, художница Лиза Морозова, являясь кандидатом психологических наук, занимается арт-терапией в своей «Студии терапевтического перформанса» и выступает как теоретик в статьях о близости целей психодрамы Я. Морено и художественных практик.

Звёздная стратегия

Имиджевая стратегия — одна из возможностей коммерческого использования перформативных техник, и её историю можно отсчитывать, пожалуй, уже с 1951 года, когда состоялась премьера короткометражного документального фильма Ханса Намута «Джексон Поллок». Помимо явления, за которым впоследствии закрепилось название action painting (живопись действия), миру был представлен и сам художник, известный в тот момент лишь узкому кругу знатоков и ставший впоследствии одной из первых звёзд современного искусства. Здесь же можно найти и один из первых примеров переноса рабочего процесса в медийное пространство. Наибольшего успеха в этом добился, разумеется, Энди Уорхол, который и довёл до совершенства перформанс как часть жизненной стратегии и личной репрезентации. Одной из его из важнейших и наиболее тиражируемых, особенно в музыкальной индустрии, разработок стал узнаваемый внешний облик. Джинсы, чёрный свитер, кожаная куртка, тёмные очки и белокурый парик настолько вытеснили реальность, что Уорхол, ненавидевший выступления перед академической аудиторией, мог позволить себе посылать с докладами в университеты своего двойника.

Энди Уорхол на выступлении группы Velvet Underground, 1967

Цветная фотография

Название The Velvet Underground основатель коллектива Лу Рид позаимствовал у книги по садомазохизму, которую он нашёл в своей съёмной нью-йоркской квартире. К тому же оно показалось участникам группы очень созвучным тематике видеоарта того времени.

Одним из самых последовательных имитаторов «звёздной стратегии» Уорхола, до конца преданным идее перформативной саморепрезентации и одновременно подвергшим её деконструкции, был немецкий художник Мартин Киппенбергер. В конце 1970‑х в Западном Берлине он открыл своё «Бюро», которое и по названию, и по сути перекликалось с «фабричным» проектом на Манхэттене. Любая проходившая здесь вечеринка или вернисаж давали повод для хеппенингов, которые, несмотря на кажущуюся спонтанность, требовали самой тщательной подготовки и документировались для (будущей) истории искусства. Фотографии с таких хеппенингов, а также приглашения, предметы оформления и даже записанные анекдоты и каламбуры потом участвовали в выставках или находили место в очередном каталоге. Впрочем, своим главным произведением Киппенбергер всегда считал самого себя, являясь перед публикой каждый раз в образах, иронически рефлектирующих собственное место в культурной традиции. Он позировал в знаменитых трусах «а-ля Пикассо», в войлочном костюме «от Бойса» или даже инсценировал своеобразный (душевный и телесный) стриптиз для серии фотографий, где, уже будучи смертельно больным, пытался, снимая с себя одну деталь одежды за другой, повторить позы потерпевших кораблекрушение с картины Теодора Жерико «Плот „Медузы“».

Киппенбергер был жестоко избит панками на одной из берлинских улиц. Едва оправившись, он превратил своё драматическое приключение в перформанс, собрав в больнице друзей и представ перед фотокамерой с изувеченным до неузнаваемости лицом

Саморазрушительные тенденции были с самого начала неотделимы от жизненной и творческой позиции Киппенбергера. Ещё до того как наркотики и алкоголь окончательно подорвали его здоровье, художник, с удовольствием провоцировавший окружающих и наживший таким образом целую армию врагов, был жестоко избит на одной из берлинских улиц группой молодых панков. Едва оправившись, он превратил своё драматическое приключение в перформанс, собрав в больнице друзей и представ перед фотокамерой с изувеченным до неузнаваемости лицом.

Мартин Киппенбергер. Диалог с молодёжью, 1979

Фотография: © Jutta Henslein

Избитый панками Мартин Киппенбергер создал целую серию своих больничных портретов под язвительным названием «Диалог с молодёжью».

В рамках своей «сценической» активности и Уорхол, и Киппенбергер искали вдохновения в рок- и поп-музыке как в наиболее зрелищной и быстро реагирующей на массовый вкус области культуры. Выступления своей подопечной группы The Velvet Underground Уорхол при помощи последних достижений светотехники превращал в футуристические спектакли. С наступлением эры видеоклипов, начиная с 1980‑х годов, появились новые возможности для интеграции перформанса в музыкальный шоу-бизнес. Видеокамеры позволяли не только реализовать самые смелые сценарии, но и, благодаря быстрой смене кадров, создавали пространство, где тела искажались, сливались одно с другим, разделялись на фрагменты, то есть следовали логике перформативного «остранения» (термин В. Шкловского) телесности. Своей кульминации эта тенденция достигает у британского режиссёра Криса Каннингэма, активно использующего приёмы компьютерной обработки. В его клипах на музыку ирландского исполнителя Aphex Twin (Come to Daddy, 1997; Windowlicker, 1999; Rubber Johnny, 2005) главными действующими лицами становятся гротескные существа-монстры, составленные из частей детских, мужских и женских тел и нередко искажённые болезнью или какой‑либо фантастической мутацией. При этом монстры Каннингэма сохраняют желание и поразительную способность двигаться в ритме музыки, доводя до абсурда ритуалы развлекательной индустрии, в которой сами же принимают участие или делают вид.

Aphex Twin. Comme to daddy, 1997

Кадр из видеоклипа. Режиссёр Крис Каннингэм

Музыкальные видео Криса Каннингэма часто рассматриваются как образцы видеоарта. Клип на песню Бьорк «Всё наполнено любовью» можно было увидеть в нью-йоркском MOMA.

Примеров подобного содружества — множество, вплоть до самых свежих художественных стратегий, например в рамках нет-искусства. Так репер Канье Уэст в видео на свою песню Welcome to heartbreak использовал приёмы глитч-арта — эстетики сбоев в работе программного обеспечения.

Канье Уэст. Welcome to heartbreak, 2008

Кадр из видеоклипа. Режиссёр Набил Элдеркин

Основным приёмом глитч-арта является ошибка или сбой программного обеспечения, искажающий изображение. Часть художников «ловит» сбои сигнала и вводит их в поле искусства, другие сами придумывают способы исказить картинку. Глитч также существует как полноправное направление в электронной музыке.

В коротком эссе нельзя охватить даже самые очевидные сюжеты, связанные с пограничностью нашего предмета: «перформанс и политика», «перформанс и театр», «рекламный перформанс». Однако даже на приведённых примерах социальных и бизнес-стратегий можно говорить о непосредственном перетекании идей из прикладных областей знания в искусство и обратно. Они не просто существуют в параллельных пространствах, они дублируют и замещают друг друга, потому попытка прочесть их вне единого контекста грозит потерей смысла.

Марина Абрамович и Улай: история любви

Настоящее имя Улая — Франк Уве Лайсипен. Он родился в Золингене в середине войны. Его отца, которому на тот момент было уже за пятьдесят, отправили воевать на стороне нацистов под Сталинград, мать же, схватив ребенка, бежала в Польшу. Их жизнь была тяжелой, бедной и полной ограничений. Отец вернулся с войны, но так от нее и не оправился — умер, когда Улаю было 14. Самостоятельная жизнь будущего художника поначалу была самой обыкновенной — он выучился на инженера, женился на немке, у них родился сын. Все поменялось, когда Улай получил повестку в военкомат — он хорошо помнил слова отца о том, что армия уничтожает личность. Бросив все, не задумываясь, он отправился странствовать по Европе, пока не осел в Амстердаме, где начал жизнь с чистого листа. Стал заниматься концептуальной фотографией, исследуя свои границы восприятия и создавая оригинальные визуальные образы. Улай работал с Polaroid — ставил эксперименты (в том числе и над собственной внешностью): например, его известная фоторабота S’he была своего рода гендерным исследованием, перформативным высказыванием, отречением от пола и попыткой выхода за пределы возможного.

Архив Улая

Фоторабота Sh’e

Как раз в Амстердаме в 1976 году они и познакомились с Мариной Абрамович. На тот момент она уже была известной и прилетела по приглашению галереи Де Аппл, чтобы воспроизвести свой перформанс «Томас Липс» для голландского телевидения (в его рамках художница вырезала у себя на животе звезду и обнаженная ложилась в глыбу льда, вырезанную в форме креста. — Esquire). Улай, который в том же году делал два своих перформанса FOTOTOT (Photo Death) в этой галерее, должен был ей помогать, поэтому встречал в аэропорту вместе с организаторами.

Он был необычным — это сразу бросилось ей в глаза. Длинноволосый, часть лица мужская, часть — женская: он был словно картина, разрезанная напополам. Абрамович очаровалась им сразу — и, как мы позже узнаем, надолго.

У них было много общего — привычки, желание исследовать границы собственных возможностей, бесстрашие и авантюризм. Даже день рождения был один на двоих — 30 ноября, и они его одинаково ненавидели. Вот как вспоминает Абрамович то время: «Мы заканчивали предложения друг друга, точно зная, что имел в виду другой, даже во снах. Мы разговаривали друг с другом во сне, в полусне, просыпались и продолжали разговор. Если я ранила палец слева, он ранил палец справа. Этот мужчина был всем, чего я хотела, и я знала, что он чувствовал то же самое».

Courtesy of Ulay & Marina Abramovic

Марина Абрамович и Улай, 1980 год

Схожесть их безумств была очевидной — до их встречи она вырезала у себя на животе коммунистическую звезду, а Улай делал собственные перформансы, срезая ножом отпечатки с пальцев и запечатлевая это на пленку. В одной из работ он сделал татуировку со своим же афоризмом ultima ratio — «последний аргумент», а потом вырезал этот фрагмент своей кожи и поместил его в формальдегид. «Некоторые пары планируют, какие купить кастрюли и сковородки, когда начинают жить вместе. Мы с Улаем планировали, какое будем вместе делать искусство», — писала в воспоминаниях Абрамович. В лице Улая она нашла идеального партнера, готового поддержать любую, даже самую опасную ее идею.

Первый совместный перформанс художников случился на Венецианской биеннале и назывался «Отношения в пространстве». Абсолютно обнаженные, они бежали навстречу друг другу в пустом помещении, чтобы столкнуться. Это было представление, наполненное болью и отчаянием, — с него началась череда совместных работ, каждая из которых что-то символизировала.

В 30-й день рождения Марины (и 33-й Улая) они даже сделали для друзей «Разговор о схожести»: Улай сшил нитками рот, а Абрамович должна была отвечать на вопросы, как если бы они были единым целым. «Ему больно?» — спрашивали друзья, а Марина отказывалась отвечать до правильной постановки вопроса. Наконец, они догадались, спросив: «Тебе больно?» И только тогда она заговорила.

Courtesy Marina Abramovic

«Мы становились какой-то слившейся личностью. Мы иногда называли друг друга клеем. Вместе мы были суперклеем», — вспоминала Абрамович. В своей автобиографии «Пройти сквозь стены» она даже называет их единым именем — Улайи Марина, подчеркивая, что вместе они были «Другое» — новое существо, иная сущность.

Вместе они придумали завораживающий перформанс «Смерть себя», лучше всего иллюстрирующий человеческие взаимоотношения. В нем они соединили рты специальным устройством и вдыхали выдохи друг друга, пока не закончился кислород. Через семнадцать минут оба упали без сознания, потому что их легкие были переполнены углекислым газом. Перформанс символизировал способность поглощать жизнь другого, меняя и уничтожая ее, — сейчас это назвали бы «токсичными отношениями».

На три года они стали путешествующей труппой из двух человек — отказались от привязки к месту жительства, написали манифест «Живое искусство», купили подержанный фургончик и колесили по стране, показывая свои перформансы. «Галерея Де Аппл прибила обувную коробку у себя рядом с окном, чтобы собирать нашу корреспонденцию, — писала Абрамович в своей книге. — Раз в неделю мы звонили им с платного телефона, они открывали наши письма, зачитывали, куда нас пригласили выступать дальше, и мы отправлялись туда. Иногда неделями нас никуда не приглашали. Такая была у нас жизнь».

В 1980 году пара создала перформанс «Энергия покоя», в котором Абрамович держала лук, а Улай — натянутую тетеву стрелы, нацеленную ей прямо в сердце. Прикрепленные микрофоны усиливали стук сердец, концентрация была колоссальной — любая оплошность могла стоить жизни. Работа длилась четыре минуты двадцать секунд и символизировала безграничное доверие между партнерами.

После перформанса Улай и Марина снова много путешествовали. Вместе объездили всю Европу и даже побывали в Австралии, где придумали проект «Край» и пол удивительных года прожили с аборигенами. По воспоминаниям Абрамович, Улаю тогда дали имя Тьюнгаррайи, что означало «на пути к инициации». Именно в дикой пустыне они придумали свой главный перформанс — «Союз ночного перехода», или «Влюбленные», как они называли его между собой. Суть была в том, чтобы пройти 2500 км навстречу друг другу по Великой Китайской стене. Марина начинала движение от восточной — «женской» стороны, от залива Бохус в Желтом море, а Улай от «мужской», западной — перевала в пустыне Гоби. Встретившись посередине, они должны были пожениться. Сложное согласование документов с китайским посольством затянулось почти на восемь лет: китайская сторона не хотела, чтобы иностранцы стали первыми, кто прошел по Стене, и всячески этому противились, семнадцать раз присылая им отказ. Но случилось чудо — и на восемнадцатый раз согласие было получено. Отношения Марины и Улая к тому моменту медленно истлевали. Претензии, ссоры, противоречия, накопившиеся за 12 совместных лет, разрушали их союз. Однако от перформанса они не отказались. Казалось, они исчерпали ресурсы друг друга, потому на Великой Китайской стене, встретившись посередине, они разошлись. Каждого из художников сопровождали переводчики и телохранители. Переводчица, сопровождавшая Улая, забеременела от него. Позже он на ней женился.

«Мое сердце было разбито. Но мои слезы символизировали не только конец наших отношений. Меня разрывало на части от того, что мы проделали такую монументальную работу — и сделали это по отдельности, не как части одного целого. Это было долгое испытание, которое наконец закончилось», — рассказывала потом Абрамович.

С Улаем они встретились снова только в 2010 году — спустя 22 года после расставания. Художник пришел на перформанс Марины «В присутствии художника» в Музее современного искусства в Нью-Йорке: его суть была в том, что художница ежедневно на протяжении нескольких месяцев (а если точнее, 736 часов) молча смотрела в глаза своим зрителям, каждый из которых мог сесть напротив нее. Условие было единственным: они не могли разговаривать и касаться ее.

Одним из посетителей стал Улай.

«Это был момент шока. Двенадцать лет нашей жизни пронеслись в моей голове, как одно мгновение», — вспоминала Абрамович. Оба не смогли сдержать слез. Потом Марина — кажется, впервые в жизни пренебрегая правилами перформанса — протянула через стол Улаю свою руку. Историю любви двух художников не получилось закончить красиво — через пару лет Улай подал на бывшую возлюбленную в суд c требованием выплатить авторские отчисления за использование совместных работ. Абрамович обязали это сделать.

Они окончательно помирились вновь только в 2017-м, спустя 30 лет после расставания, на сцене Музея современного искусства «Луизиана».

Sabine Gudath/imago images/Legion Media

Улай

«Все грязное и уродливое между нами осталось позади. На самом деле это красивая история», — заявил Улай.

«Прекрасная работа, которую мы когда-то проделали вместе, — вот что теперь имеет значение», — в свою очередь, прокомментировала Марина.

После расставания с Абрамович Улай продолжал свои фотоисследования, делал проекты, посвященные воде, снял фильм о том, как победил рак. Незадолго до смерти он учредил фонд Project Space, целью которого стала популяризация и сохранение наследия Улая, а также организация работы нескольких резиденций для художников. А в ноябре 2020-го в Амстердаме, в Стеделейк-музее, открывается большая ретроспектива его работ, которую можно будет увидеть до конца апреля 2021 года.

ЧИТАЙТЕ ТАКЖЕ:

Итоги десятилетия: как изменился мир искусства — и при чем тут Instagram, унитаз из чистого золота и фальшивая выставка на биеннале

Гений сюрреализма, провокатор и суперзвезда: жизнь и творчество Сальвадора Дали — в фотографиях и картинах

Русский след в мировой культуре: Бродский, Стравинский и другие великие имена

Марина Абрамович — фото, биография, личная жизнь, новости, перформансы 2020

Биография

В конце осени 2019-го в СМИ просочилась информация, что через год, в октябре 2020-го, Christie’s впервые выставит на аукционные торги цифровой перформанс Марины Абрамович. «Жизнь», в которой появляется голограмма автора в красном платье и нескольких людей, «родившаяся» в феврале 2019-го и длящаяся чуть меньше 20 минут, заслужила противоречивую реакцию критиков и оказалась предварительно оценена в $ 776 тыс.

Детство и юность

Марина родилась в последний ноябрьский день в Белграде через год после окончания Второй мировой войны в семье югославских партизан: Войо и Даница познакомились в период боевых действий, а после их завершения стали поистине национальными героями.

Несмотря на внешнее благополучие и хорошую материальную обеспеченность, внутри ячейки общества атмосфера, мягко говоря, была не очень. Отец интересовался другими женщинами, а вскоре и вовсе оставил жену и детей, мать отличалась суровым нравом и тотально контролировала сына и дочь, а любовь открыто выражала только бабушка.

Опубликовано Таисией Сергеевой Суббота, 22 февраля 2020 г.

Марина Абрамович в молодости

В 14 лет подростку преподали первый урок перформанса: фронтовой друг главы семейства — художник Фило Филипович на просьбу научить, как пользоваться только что купленными масляными красками, решил показать «Закат». Для этого он смешал на холсте песок с клеем и красным, желтым и черным цветом, облил бензином и поджег. К любопытным фактам того периода относится и то, что девушка часто играла в «Русскую рулетку» с пистолетом Даницы, а заветной мечтой считался нос как у Брижит Бардо.

Высшее образование студентка получила в местном Институте искусств, а затем окончила аспирантуру в Академии изящных искусств в Хорватии.

Личная жизнь

Личная жизнь Марины тесно связана с искусством: трое из четырех избранников оказались художниками — первый муж Неша Парипович, бойфренд Франк Уве Лайсипен (Улай) и второй супруг Паоло Каневари. А Клаус Бизенбах являлся известным куратором выставок.

com/p/B9T_-1AA8W0/?utm_source=ig_embed&utm_campaign=loading» data-instgrm-version=»12″/>Марина Абрамович с Улаем в молодости и сейчас

Роман с Улаем завязался в ноябре 1975-го, после того как мужчина встретил Абрамович в аэропорту и помогал с «Губами Томаса». Спустя 5 лет пара решила пожениться на Великой Китайской стене. Но за то время, что она ждала разрешения от властей, отношения развалились.

В 2010-м бывшие влюбленные встретились на перформансе «В присутствии художника», в 2016-м завершили судебную тяжбу и в 2017-м окончательно помирились. Впоследствии женщина вышла замуж за итальянца Паоло, но и в итоге они тоже расстались.

Творчество

Прежде чем с головой окунуться в искусство выносливости, Абрамович, по ее признанию, занималась живописью и выводила на бумаге только большие сталкивающиеся социалистические грузовики и маленькие невинные социалистические игрушечные грузовички. Но однажды на нее произвели огромное впечатление следы, оставленные в небе истребителями, и она распрощалась с холстами и красками.

Первый эксперимент мастера датирован 1973-м: на свет сначала появился «Ритм 10», через год — «Ритм 5», «Ритм 2», «Ритм 4» и «Ритм 0». В ходе последнего присутствующим разрешено было пользоваться размещенными на столе 72 объектами, способными причинять ей, стоящей неподвижно, удовольствие и боль. Поведение посетителей с каждым часом становилось все агрессивнее, вернувшись вечером в отель, молодая женщина обнаружила у себя прядь седых волос.

Перфоманс «В присутствии художника» Марины Абрамович воистину гениален. Она просто сидит три месяца с утра до вечера и…

Опубликовано Игорем Синельниковым Пятница, 19 июля 2013 г.

Перфоманс «В присутствии художника» Марины Абрамович

В 1975-м она воплотила в автобиографических «Губах Томаса» впечатления из детства: в них отразилось воспитание строгих родителей-коммунистов и любящей набожной бабушки.

С 1976-го у сербского деятеля искусства началась работа с Улаем — коллегой и возлюбленным. Вместе с мужчиной Марина создала множество провокационных инсталляций, вошедших историю и школьные учебники, — серии «Отношения» и «Ночной переход», «Вдох-выдох», «Энергия покоя», «Поход по Великой Китайской стене» и т. д.

В 2010-м в рамках первой ретроспективной выставки в Нью-Йорке состоялся перформанс «В присутствии художника», одноименная экспозиция через год открылась и в России. Не прошел мимо талантливой Абрамович и кинематограф: она сняла фильмы «Балканский эротический эпос» и «Опасные игры».

Марина Абрамович сейчас

Несмотря на возраст, статная Марина (рост, по некоторым данным, 188 см при весе 76 кг) полна сил и выходить на пенсию явно не собирается.

В октябре 2019-го «рок-звезда современного искусства» впервые за 44 года вернулась в Белград, в родной город она привезла «Уборщика». Также сейчас продолжает работу и созданный ею Marina Abramovic Institute, обучающий мастерству перформанса. Следить за жизнью культурного центра посредством фото и видео можно на официальном сайте и в социальных сетях «Фейсбук» и «Инстаграм».

Перформансы

• 1973 ‒ «Ритм 10»
• 1974 ‒ «Ритм 5», «Ритм 2», «Ритм 4», «Ритм 0»
• 1976 ‒ «Отношения в пространстве»
• 1977 ‒ «Отношения в движении», «Отношения во времени»
• 1977 ‒ «Импондерабилия»
• 1978 ‒ «Вдох-выдох», «ААА-ААА»
• 1980 ‒ «Коммунистическое тело, капиталистическое тело», «Энергия покоя»
• 1981-1987 ‒ «Ночной переход»
• 1988 ‒ «Поход по Великой Китайской стене»
• 1995 ‒ «Чистка зеркала»
• 1996 ‒ «Приготовление духов»
• 2010 ‒ «В присутствии художника»
• 2014 ‒ «512 часов», «Генератор»
• 2017 ‒ «Уборщик»
• 2019 ‒ «Жизнь»

Кровь и боль: художнице экстрима Марине Абрамович исполняется 70 лет | Искусство | DW

Марина Абрамович уже приготовилась к своей смерти. Конечно, в спектакле. Захоронят три марины — настоящую и две фальшивые — в местах, где она провела больше всего времени: Белграде, Амстердаме и Нью-Йорке. Она говорит, что для нее важно разобраться с концом.

«С каждым днем ​​вы приближаетесь к своей смерти», — сказал Абрамович в интервью куратору Кэрри Скотт. «Вы должны быть готовы к своей смерти.Я хочу сделать три: не умереть в гневе, не умереть в страхе и умереть сознательно ». Это то, чему она научилась у своей бабушки, добавила она, которая регулярно выкладывала разные наряды для своих собственных похорон, меняя их. годы сменялись стилями. Она дожила до 103 лет.

Марина Абрамович родилась в Белграде, где она изучала живопись в 1970-х. «Я родом из балканской культуры. Мы всегда чем-то страдаем. Если мы не страдаем на личном уровне, мы страдаем за Вселенную в целом.»

Энергия и связанные с ней эмоции в искусстве Абрамович невероятно интенсивны. Ее выступления провоцируют, делают зрителя агрессивным и взволнованным, они успокаивают и вызывают слезы у людей. Никого не оставляют равнодушным.

В« Искусство должно быть красиво »от 1975 г. Абрамович жестоко причесалась.

Ранние работы Марины Абрамович были основаны на экстремальных физических переживаниях и были мучительными как для нее, так и для публики. В 26 лет она нанесла себе удар ножом в одной из своих работ между пальцами слева от нее. рука.Она знала, что может пораниться, и меняла ножи с каждым ударом.

«Как и в случае с русской рулеткой, здесь есть храбрость, глупость, отчаяние и мрачность», — сказала артистка перформанса в своей недавней автобиографии «Прогулка сквозь стены».

Важна «другая сторона». «Когда ты пережил все, радость неописуема», — сказал Абрамович Кэрри Скотт. «Вот для чего я живу». Нет ничего проще, чем делать то, что вам нравится, но на самом деле это не то, что вы переживаете, добавила она.

Резание и удушение

После работы ножа последовало множество других тревожных работ. В «Art Must Be Beautiful» 1975 года она жестоко расчесывала волосы металлической щеткой и расческой. «Пока я делаю это, я повторяю:« Искусство должно быть красивым, художники должны быть красивыми », пока я не уничтожу свои волосы и лицо».

Годом ранее в ее спектакле «Ритм 5» была горящая коммунистическая звезда. Она легла посреди этого, после того как остригла и обожгла волосы и ногти.Когда огонь поглотил весь кислород, Абрамович потерял сознание. Аудитория не отвечает, потому что она лежит. Когда пламя касается ее ноги, а она все еще не отвечает, к звезде подходят двое или трое зрителей и выносят ее.

Спектакль заканчивается хаосом

Прямая конфронтация с публикой — вот что сделало Абрамовича легендарным в 1974 году с «Ритмом 0». В галерее она выложила 72 объекта, включая пилу, гвозди, спирт, спички, помаду и даже заряженный пистолет.Используя табличку, тогда 27-летняя артистка попросила публику делать с ней все, что они хотят, в течение шести часов. Это было яркое представление, во время которого одни посетители ранили девушку и порвали ее одежду, а другие пытались ее защитить.

Абрамович и немецкий художник Улай проработали 12 лет в команде.

В 1975 году Абрамович познакомился с немецким художником Улай. В течение своих 12-летних отношений они проверяли границы своего тела. Это было «романтическое и радикальное время», — сказал Абрамович DW.По ее словам, их любовь была их главным приоритетом, а не искусством.

Их первые выступления состояли в том, чтобы наносить удары по своим обнаженным телам, передавать желание и очертания. В более поздней инсталляции пара била друг друга за уши в течение 20 минут, говоря, что все дело в звуке, который они издавали. Они объяснили, что тело было всего лишь инструментом.

Абрамович и Улай долгие годы жили как кочевники, путешествуя по экзотическим местам. Спустя 12 лет эксцентричные артисты расстались. Запланированное ими брачное представление, во время которого они должны были пробежать 2500 километров навстречу друг другу по Великой Китайской стене, а затем пожениться, превратилось в событие разрыва.

Искусство сидеть на месте

Те, кто считал, что Абрамович уже нарушил все правила исполнительского искусства, вскоре были удивлены. Во время ретроспективы в ее честь «Художник присутствует» в Музее современного искусства в Нью-Йорке Абрамович буквально поняла это название. В течение 75 дней, семь часов в день, она сидела на деревянном стуле, не ела и не ходила в туалет в это время. Это было возможно только при соблюдении строгой диеты.

Напротив нее поставили пустой стул, чтобы посетители могли сесть и полюбоваться иконой искусства.Такие звезды, как Шэрон Стоун, Тильда Суинтон, Бьорк и Леди Гага, воспользовались креслом и участвовали в представлении Абрамовича.

Даже сегодня ее работы по-прежнему интенсивны, но в них меньше насилия и больше аскетизма и воспоминаний. Вот на чем основан ее «метод Абрамовича» — сочетание различных эзотерических и восточных упражнений на расслабление и медитацию. Она говорит, что стремится передать методы, которые она использует во время своих напряженных выступлений.

Абрамович несколько дней просидела в МоМА для «Художника присутствует» в 2010 году

Ее критики говорят, что Абрамович низводит себя до светского шамана.Ее краудфандинговый проект для Института Марины Абрамович был подвергнут насмешкам, и здание, спроектированное Ремом Колхасом, остается незавершенным.

«Я решил быть счастливым»

Почему художник хочет похоронить три марины? По ее словам, каждая из них символизирует разные ее стороны: смелость, духовность и глупость. Раньше ей было стыдно за это, но теперь она принимает себя такой, какая она есть, поэтому у нее нет проблем с 70-летием.

«Тебе нужна ночь, чтобы понять себя.Становиться старше — значит становиться мудрее, — сказал Абрамович DW. — Семьдесят — большое число. Вы знаете, что приближаетесь к последней части своей жизни и что вам нужно сосредоточиться на самом важном. И я решил быть счастливым ».

ЭКСПЕРИМЕНТ:

Эксперимент в Марине начался в 1997 году.

Мой отец 16 лет рассматривал меня в микроскоп. После его смерти я просмотрел его материалы и нашел коробки, полные катушечной аудиокассеты, фильмов Super 8 и более 10 000 фотографий.Они все были мной. Я смотрел каждый фильм, слушал каждую кассету и просматривал каждую фотографию. Я пронумеровал каждый фильм и записал каждую сцену. Я слушал каждую аудиозапись и каждое слово печатал как сценарий. Я просмотрел каждую фотографию и разделил их на категории. Я подал все по годам, затем по категориям, затем снова по годам. Я создал журнал с хронологическим описанием всего и всех записей наших записанных разговоров и списков всего, что я мог составить.Я был одержим тем, как его заархивировать, что с этим делать, как с этим обращаться. Все старинные фотографии на этом сайте были сделаны моим отцом и являются частью огромной груды бурного багажа, который заставляет меня искать ответы.

Теперь я записываю его взгляд на меня через свой собственный цифровой видеомикроскоп, и вы можете наблюдать, как я смотрю, как мой отец смотрит на меня.

Помню, я слышал историю о французском туристе в Америке, который высунул голову из окна автобуса.Другой пассажир заметил грузовик, собирающийся проехать мимо автобуса, и крикнул: «Осторожно!» из-за чего француз высунул голову из окна и попал под грузовик. Вероятно, это городской миф, но мне он нравится, потому что он иллюстрирует то, что кажется применимым ко всем этим наблюдениям и взглядам, о которых я говорил, но я не совсем уверен, что это такое.

Это новое воплощение The Marina Experiment — витрина для документации моего отца, а также место, где я могу высказать свое мнение обо всем.

Я работаю над The Marina Experiment с 1997 года. Это была выставка одной женщины на фестивале NY Fringe Festival под названием A Play with Myself . Он назывался Digging Marina , когда я, как археолог, разбирал всю документацию и тащил катушку, чтобы погрузиться в терапию, чтобы попытаться разобраться во всем этом. Потом это стало The Long Drop , термин палача. Этот метод повешения разработан для того, чтобы сломать шею, в отличие от простого старого удушения, и считается способом сделать казнь более гуманной.Я не понимал, что это было гуманнее, когда назвал проект. Просто мне показалось, что мне нужно целую вечность, чтобы повесить его. Затем он проявился как My Pleasure My Treasure . На мгновение мне показалось, что мне приятно, что отец оставил мне эту огромную коллекцию артефактов, чтобы подпитывать мое творчество. Это быстро исчезло. Я отложил проект более чем на год. А теперь вернемся к первоначальному осмотру The Marina Experiment.

Эта страница — мое возмездие.Моя око за око (давай, пошути). Мое удовольствие и мой гнев. Работа продолжается, и конца ей не видно. Наслаждайтесь!

ПИЛОТНЫЙ ЭПИЗОД

Отец экспериментирует со своей дочерью, общаясь с ней исключительно через камеры и аудиозаписывающие устройства. Это первая из бесконечной серии, в которой подводные камни его родительской техники исследуются, высмеиваются и сетуют.

ОБИТУАРНЫЙ ЛИМЕРИК

 У меня когда-то был отец по имени Эйб 

 кто обращался со мной как с горячей красоткой 

 он развратно смотрел 

, пока он фотографировал меня голым 

 так что мой дом чувствовал себя как Абу-Грейб 

OBITUARY HAIKU

 он меня не слышит
в моих глазах он видит себя
Я получил травму 

ИГРАТЬ СЕБЯ

фотография сделана моим отцом
фото дополнено Michael Neff 

Спектакль с самим собой — это шоу одной женщины, которое я написала, спродюсировала и провела. Сначала это произошло как чтение в театре, на котором присутствовал Итан Коэн, которого пригласил мой друг. Я встревожен тем, что он пришел, чтобы увидеть первую попытку этого проекта, потому что с тех пор он зашел так далеко. Премьера состоялась на Нью-Йоркском международном фестивале Fringe в 2005 году.

Я смонтировал фильм, который длился всю серию, включая super 8, фотографии и катушку с аудиокассетой, оставленную мне моим отцом, которая охватила большую часть первых 16 лет моей жизни. Следующие 30 лет документации предоставлены мной.Я потратил свои 20 лет на создание своей репутации, мои 30 лет на то, чтобы разрушить ее, а здесь я писал копию.

ОБЗОР Робина Рида на nytheatre.com:

Что делать девочке, если ее отец документирует практически каждую секунду ее жизни от рождения до шестнадцати лет?

После смерти отца Марина нашла тонны аудио / видеокассет и фотографий, запечатлевших все ее детство и юность. Она провела годы, просеивая все это, пытаясь понять смысл того, о чем она даже не подозревала.Она собрала все это воедино в A Play with Myself, сольной работе, которая является одним из самых запутанных шоу Fringe, которые я когда-либо видел.

Мои люди сделали множество фотографий меня в детстве. Черт возьми, возможно, где-то есть старые фильмы Super 8. Это ничто по сравнению с тем, на что ее отец пошел, чтобы «сохранить» детство Марины. Аудиозапись Марины, поющей в возрасте трех лет, и еще одно интервью, которое граничит с допросом после того, как ее первый школьный танец заставил меня пробежать по спине.Похоже, у него был небольшой случай обсессивно-компульсивного расстройства и большой случай жуткого.

Итак, когда вы всю свою жизнь проводите (иногда даже неосознанно) перед камерой, чем бы вы еще занимались, кроме как стать актрисой? Что ж, если вы Марина, вы делаете пит-стоп в качестве панк-рок супергруппи в Нью-Йорке и Лос-Анджелесе, целуя и рассказывая свой путь к 15-минутному позору двух береговых островов, включая упоминания на шестой странице и место на Джеральдо. .

Марина обаятельна и харизматична, и у нее очень уникальная манера подачи, сухая и проницательная.Она бросает бомбы, которые говорят о сомнительных мотивах ее отца, с такой же беспечностью, как и имена более 300 рокеров, с которыми она спала. В «Пьесе с собой» рассказывается история о Нью-Йорке, которого больше нет, о панк-роке и клубах CBGB, о времени, когда Таймс-сквер была местом, где можно было быть: резким, немного опасным и очень веселым. В нем одновременно рассказывается история маленькой девочки, которая рано оттачивала свои инстинкты выживания и использовала их снова и снова на протяжении всей своей жизни. Но как только вы думаете, что, возможно, хотите ее обидеть, она рассказывает о том, как она получила деньги на вступление в Гильдию киноактеров от совершенно незнакомого человека, который вошел в бар, за которым она ухаживала, и увидела ее фотографию в обнаженном виде в стиле арт на бар (с табличкой «Помогите Марине присоединиться к SAG.Предлагаемое пожертвование: 900 долларов) и выписал ей чек.

У этой девушки все еще есть мужество. О, и ей нужна помощь с книгой и / или фильмом. Предлагаемое пожертвование: 900 долларов.

OBITUARY HAIKU № 2

поцелуй в губы

Я запираю дверь в свою комнату

он действительно мертв?

Марине 3 года? Марине 14 лет?

Марина Абрамович esalta и suoi aborti.La maternità cristiana è un’altra cosa

L’artista serba scelse di privégiare la carriera. Ma la nascita di un figlio è qualcosa di inappagabile

«Ho avuto tre aborti. Un figlio sarebbe stato un disastro per la mia carriera »: con queste parole, l’artista , Марина Абрамович , известная как sue performance fuori dal comune, ha spiegato la sua solutione di non diventare madre. Intervistata dal giornale tedesco Tagesspiegel , l’Abramovic ha sottolineato che sarebbero proprio i figli a buttare fuori le donne dal mondo dell’arte.Вопросник о приоритете, без сомнений: «Огненно ha un’energia limitata nel proprio corporation — ha affermato ancora l’artista — e con un bambino so che avrei dovuto dividerla».

«Ривелазия после того, как была сделана фатта для всех артистов», была назначена для того, чтобы объявить о гендерном разрыве в мондо дель арте ( The Huffington Post, 28 июля).

IL SACRIFICIO DELLE STREGHE

Corrispondenza Romana (3 agosto), in un’attenta analisi del caso Abramovic, mette sullo stesso piano l’artista ad un dipinto di , un. fra il 1819 e il 1823 (140 × 438), dal titolo « Il sabba delle streghe ».Un’opera che raffigura molto bene ciò che rappresenta Marina Abramović, sentenzia il quotidiano on line cattolico. «Goya, infatti, fa convivere il mostruoso e l’umano: il caprone (Satana) che troneggia al centro della scena ha trasmesso i propri tratti demoniaci all donne sedute a cerchio intorno a lui: donne dai volti deformati, grotteschi che gli offrono in sacrificio… dei bambini ».

LA LEZIONE DEL VANGELO

Il Vangelo racconta: «Quale padre tra voi», domandò Ges, «se il figlio gli chiede un pane, gli darà una pietra? O se gli chiede un pesce, gli darà al posto del pesce una serpe? O se gli chiede un uovo, gli darà uno scorpione? Se dunque voi, che siete cattivi, sapete dare cose buone ai vostri figli, quanto più il Padre vostro celeste darà lo Spirito Santo a coloro che glielo chiedono! » (Лк 11, 11-13). Lo scorpione, oggi, viene distribuito in lungo e in largo ai figli, già nel grembo, ancor prima che Possano chiedere una qualsiasi cosa. La morte dell’innocente è fatto normale nella inciviltà postcristiana.

IL «FATTO» LA GIUSTIFICA

Il Fatto quotidiano (30 luglio) ha titolato così l’westernazione della disartista disumana, pienamente accolta e vezzeggiata dal mondo dellram’i. sono un freno alla carriera ».Ha ragione, dunque, ed ha abortito, scrive la giornalista , Elisabetta Ambrosi , «non per cinismo, non per indifferenza alla maternità, piuttosto — come lo racconta — per la consapevolezza che non semper occ si può avere cheare tutor через delle scelte ». Che scelta è quella di sacrificare tre figli?

PERFORMANCE DISCUTIBILI

Abramović, si legge semper nell’analisi di Corrispondenza Romana, haraggiunto la fama grazie a «Performance spesso estenuanti, nella preparatezione de ilget» turpe, lo scandalo, l’osceno, le tenebre, il disgustoso, il macabro, l’ignominioso. Questa disartista che progetta e realizza tali aborti Artisti ha pianificato e compiuto anche aborti di creature umane ».

[youtube https://www.youtube.com/watch?v=O6dF8Gjm-X8%5D

LA MATERNITA ’E’ ANCHE UN SACRIFICIO

La Abramovic probabilmente non comprende neppternure quale la grande made. «Come i dolori del parto vengono sublimati in una indescrivibile gioia celestiale dopo la nascita del figlio così le fatiche materne vengono sublimate nell’appagamento dell’essere riconosciute madri degne dal proprio consorte e dai propri figesti: «Amore di sublime incanto e profumo a dare alimento per proseguire il cammino, che non è per l’effimero successo, ma per la salvezza eterna».Così, « quei sacrifici e quelle rinunce, quelle lacrime e quelle paure d’amore, распространяют nei giorni più o meno impegnativi, con il sostegno di Dio e della Madonna, si trasformano in piena realizzazione».

L’AIUTO DEL SIGNORE

Quando si desidera con infinita e grata gioia il dono mirabile della maternità, «quella maternità cercata nello straordinario Sacramento del matrimonio, il Signore pro arrivos in Il темп и не соло для занятий делла фамилию.